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SUMMARY:Opening TALES FROM A THIRD SPACE “Desterritorialización del Poder”
DESCRIPTION:Tales from a THIRD SPACE Chapter 2: versa “Desterritorialización del Poder” \nOpening: June 7\, 2024\, 7 pm\nArtist Talk: June 9\, 2024\, 6.30 pm\nExhibition: June 8 – June 22\, 2024 \nBerlin / Mexico City \nArturo Hernández Alcázar Katya Gardea Browne Sandra Contreras Miguel Ángel Cordera Alejandro Moncada Arturo Ortíz Struck Alejandro Mondría Berlin / Mexico City Arturo Hernández Alcázar / Katya Gardea Browne / Sandra Contreras / Miguel Ángel Cordera / Alejandro Moncada / Arturo Ortíz Struck / Alejandro Mondría \nTALES FROM A THIRD SPACE is an intercultural dialogue between the project spaces El Palmar (Mexico City) and Axel Obiger – space for contemporary art (Berlin)\, intending to enable artists of both places to meet at eye level in a non-commercial environment; to introduce production and living conditions on site and to gain insights into art and culture-related differences\, perspectives\, and perceptions. \nThe project`s main idea is based on the theory of the so-called “Third Space” by theorist Homi K. Bhabha\, meaning that exchange creates a common ideal place in which new content can be developed collaboratively without any hierarchical structure. This place is as dynamic as it is changeable and limited in time. \nTALES FROM A THIRD SPACE is divided into Chapters; It all starts with Chapter 1: vice\, which was combining a 14-day artist residency of six members of Axel Obiger with a presentation and an artist talk at El Palmar Gallery. Chapter 1: vice\, introduced the Berlin based artists into the local art scene of Mexico City. \nChapter2: versa\, “Desterritorialización del Poder”\, aims to create a critical narrative of the territory through artistic pieces that individually show sites of atomized power. It builds a narrative that reveals a society beyond what it imagines of itself\, acknowledging its own precarious understandings of gender\, race and class relations and their complicity and involvement (conscious or unconscious) on some questionable power dynamics that unfold everywhere. \nIn Chapter2: versa\, individual stories (TALES) will be traveling from Mexico\, across the Atlantic\, while some are permanently situated in Europe\, the dialog between them will also become a cross point in order to draw a direct link to Berlin as a city of immigration with its countless memories and power histories\, they are all including their individual narratives and projections connected to Mexico and else where\, not only to the power dynamic of a space of a territory but to its relationship to associate to time and its limits to the medium as actual. The show at Axel Obiger Gallery in Berlin will be containing these imported narratives and memories in order to bring all aspects together\, both historical and fictional. \nChapter2: versa\, will feature works by Mexican Artists: Arturo Hernández Alcázar\, Katya Gardea Browne\, Sandra Contreras\, Miguel Ángel Cordera\, Alejandro Moncada\, Arturo Ortíz Struck\, Alejandro Mondría. They will all show selected works\, part of them being site specific\, realized during their stay in Berlin\, Germany. \nVenue: Axel Obiger\, Brunnenstr. 29\, 10119 Berlin\, Th – Sa 3–7 pm and by appointment I www.axelobiger.com
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SUMMARY:Klang-Performance „Construction Works“ von Jorn Ebner
DESCRIPTION:Donnerstag\, 16. Mai 2024\, 19 Uhr\nKlang-Performance „Construction Works“ von Jorn Ebner \n(Kostenlos und Ohne Anmeldung) \nRahmenprogramm der Ausstellung „under construction“ Matthias Beckmann | Susanne Britz | Christiane Schlosser / 03.05. – 01.06.2024 / Finissage: 1. Juni\, 19 – 22 Uhr \nAuf der Suche nach einer zeitgemäßen Visualisierung und Klanginterpretation von Paul Hindemith „Wir bauen eine Stadt“ hat Jorn Ebner über mehrere Jahre Klangaufnahmen zum Stadtraum gesammelt. Der Stadtraum – dessen bewusstes Erleben mit künstlerischen Mitteln wie Objekten oder mittels Klangarbeiten – beschäftigt Jorn Ebner seit Beginn seiner künstlerischen Arbeit. Für seine Performance verwendet Jorn Ebner die archivierten Samples\, indem er diese zum Teil original\, zum Teil auch verfremdet einspielt. Die Performance reagiert auf die Ausstellung\, der Klang-Charakter verändert sich mit der Zeit\, das Publikum ist eingeladen zu interagieren. \nCV\nStudien: Freie Kunst\, Central Saint Martins\, London (1995-1998); Magister der Anglistik\, Geschichte und Kunstgeschichte\, Universität Hamburg (1990-1995). AHRC Forschungsstipendium Freie Kunst\, University of Newcastle upon Tyne (2002-2005). 2001 Kunstpreis des Medienforums München. Von Beginn an Beschäftigung mit Kunst im öffentlichen Raum\, seit 2000 kommen digitalen Medien und Internet-Technologien hinzu\, seit 2008 Klangkunst und Zeichnung. Zuletzt: Klangprojekt im Stadtraum „Perifaerye“ (Stadtraum Hamburg / Online / Publikation\, 2023) und die Ausstellungen „Residenzpflicht“\, (Schloss Biesdorf\, 2023)\, „Club“ (Kunstbrücke am Wildenbruch\, 2023)\, „Über die Zeichnung hinaus“ (Zentrum für aktuelle Kunst\, 2022). Aktuelles unter: http://www.jornebner.info/ Bild: Jonh Ebner\, „Control set for the heart of the sun“\, Spandau-Performance 2022 (Foto: Matthias Beckmann). \nAxel Obiger\, Brunnenstr. 29\, 10119 Berlin\, Th – Sa 3–7 pm and by appointment I www.axelobiger.com / @axelobiger
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SUMMARY:"under construction" Matthias Beckmann | Susanne Britz | Christiane Schlosser
DESCRIPTION:Ausstellungsdauer\n03.05. – 01.06.2024 \nRahmenprogramm\nSamstag\, 27. April 2024\, 19 Uhr\nKünstlerinnen-Gespräch mit Bruno Besana\, Philosoph\, im Rahmen des Gallery- und Sellerie Weekends \nFinissage\n1. Juni 2024\, 19 – 22 Uhr \nPlease scroll down for English version \nIn der Ausstellung „under construction“ kommen drei Positionen zeitgenössischer Zeichnung miteinander ins Gespräch. Sie beschäftigen sich auf unterschiedliche Weise mit dem Thema „Bau-Stellen“. \nDie Zeichnung\, ob auf dem Papier oder im Raum\, legt den Prozess ihrer Entstehung offen. Zeichnung ist\, auch wenn sie sich mit Realität beschäftigt oder aus ihr Anregungen bezieht\, nie ein bloßes Abbild\, sondern stets eine Konstruktion. Wer zeichnet\, erfindet Formen und baut imaginäre Räume. Oft reichen sparsame Mittel\, Punkte\, Linien\, Flächen\, damit etwas Neues entsteht. Nicht das perfekte Bild oder die überwältigende Illusion sind das Ziel. Vielmehr lebt die Zeichnung vom Fragmentarischen\, Angedeuteten\, Ausschnitthaften und Zerbrechlichen. Die Zeichnung ist nicht fertig. Wir müssen sie in der Betrachtung ergänzen. \nWährend Matthias Beckmann beim Zeichnen vor dem Motiv aktuelle Berliner Baustellen mit klaren Bleistiftlinien und aquarellierten farbigen Akzenten in Szene setzt\, arbeitet Christiane Schlosser am abstrakten Bild und setzt sich mit Störstellen in linear-zeichnerischen Systemen auseinander. Im wörtlichen Sinne gebaut werden die aus Alltagsgegenständen bestehenden raumbezogenen Installationen von Susanne Britz\, die das fragile Ineinandergreifen verschiedenartiger Lebenswelten surreal und humorvoll sichtbar machen und den Ausstellungsraum in eine bühnenhafte Baustelle überführen. \nMatthias Beckmann wurde 1965 in Arnsberg geboren und lebt in Berlin. Er hat an den Kunstakademien in Düsseldorf und Stuttgart studiert. Seine Zeichnungen befinden sich in vielen grafischen Sammlungen\, z.B. in Berlin\, Bonn\, Bremen\, Dortmund\, Düsseldorf\, Duisburg\, Oberhausen oder Wuppertal.\nwww.matthiasbeckmann.com \nSusanne Britz wurde 1974 in Neuwied geboren und lebt in Berlin. Sie studierte Bildende Kunst\, Philosophie und Chemie an der Johannes-Gutenberg Universität Mainz. Für ihre Arbeit erhielt sie zahlreiche Stipendien und Kunstpreise\, u.a. Kunstpreis junger westen der Kunsthalle Recklinghausen\, Losito Kunstpreis. 2023/24 lehrte sie an der Leuphana Universität Lüneburg.\nwww.susannebritz.de \nChristiane Schlosser wurde 1960 in Viernheim geboren\, sie ist in Mannheim aufgewachsen und hat an der HfbK Hamburg und an der HdK Berlin (heute UdK) studiert. Sie lebt in Berlin.\nIhre Arbeiten befinden sich in öffentlichen Sammlungen in Berlin\, Frankfurt a.M.\, Freiburg\, Stuttgart\, Mannheim\, Mainz und Kaiserslautern.\nwww.christiane-schlosser.de \nEnglish Text \nunder construction\nMatthias Beckmann | Susanne Britz | Christiane Schlosse​​​​r \nIn the exhibition „under construction“ three practices of contemporary drawing are in conversation with one another. They deal with the theme of „construction sites“ in different ways. A drawing\, whether on paper or in space\, reveals the process of its creation. Drawing\, even when it engages with reality or draws inspiration from it\, is never a mere image\, but always a construction. Those who draw invent forms and imaginary spaces. Minimal means\, dots\, lines\, surfaces\, are often enough to create something new. The goal is not to create a perfect picture or an overwhelming illusion. Rather\, the drawing lives from the fragmentary\, the implied\, the cutout-like and the fragile. The drawing is not finished. We have to add to it by looking at it. \nWhile Matthias Beckmann stages current Berlin construction sites with clear pencil lines and watercolour accents when drawing in front of the motif\, Christiane Schlosser works on the abstract image and engages with disruptions in linear-drawing systems. Susanne Britz’s spatial installations consist of everyday objects that are built in the literal sense\, making the fragile interweaving of different living environments visible in surreal and humorous ways\, thereby transforming the exhibition space into a stage-like construction site. \nAxel Obiger\, Brunnenstr. 29\, 10119 Berlin\, Th – Sa 3–7 pm and by appointment I www.axelobiger.com
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SUMMARY:Vernissage "under construction" Matthias Beckmann | Susanne Britz | Christiane Schlosser
DESCRIPTION:under construction\nMatthias Beckmann | Susanne Britz | Christiane Schlosser \nEröffnung\nFreitag\, 3. Mai 2024\, 19 – 22 Uhr \nAusstellungsdauer\n4. Mai – 1. Juni 2024 \nRahmenprogramm\nDonnerstag\, 16. Mai 2024\, 19 Uhr\nKlang-Performance „Construction Works“ von Jorn Ebner \nPlease scroll down for English version \nIn der Ausstellung „under construction“ kommen drei Positionen zeitgenössischer Zeichnung miteinander ins Gespräch. Sie beschäftigen sich auf unterschiedliche Weise mit dem Thema „Bau-Stellen“. \nDie Zeichnung\, ob auf dem Papier oder im Raum\, legt den Prozess ihrer Entstehung offen. Zeichnung ist\, auch wenn sie sich mit Realität beschäftigt oder aus ihr Anregungen bezieht\, nie ein bloßes Abbild\, sondern stets eine Konstruktion. Wer zeichnet\, erfindet Formen und baut imaginäre Räume. Oft reichen sparsame Mittel\, Punkte\, Linien\, Flächen\, damit etwas Neues entsteht. Nicht das perfekte Bild oder die überwältigende Illusion sind das Ziel. Vielmehr lebt die Zeichnung vom Fragmentarischen\, Angedeuteten\, Ausschnitthaften und Zerbrechlichen. Die Zeichnung ist nicht fertig. Wir müssen sie in der Betrachtung ergänzen. \nWährend Matthias Beckmann beim Zeichnen vor dem Motiv aktuelle Berliner Baustellen mit klaren Bleistiftlinien und aquarellierten farbigen Akzenten in Szene setzt\, arbeitet Christiane Schlosser am abstrakten Bild und setzt sich mit Störstellen in linear-zeichnerischen Systemen auseinander. Im wörtlichen Sinne gebaut werden die aus Alltagsgegenständen bestehenden raumbezogenen Installationen von Susanne Britz\, die das fragile Ineinandergreifen verschiedenartiger Lebenswelten surreal und humorvoll sichtbar machen und den Ausstellungsraum in eine bühnenhafte Baustelle überführen. \nMatthias Beckmann wurde 1965 in Arnsberg geboren und lebt in Berlin. Er hat an den Kunstakademien in Düsseldorf und Stuttgart studiert. Seine Zeichnungen befinden sich in vielen grafischen Sammlungen\, z.B. in Berlin\, Bonn\, Bremen\, Dortmund\, Düsseldorf\, Duisburg\, Oberhausen oder Wuppertal.\nwww.matthiasbeckmann.com \nSusanne Britz wurde 1974 in Neuwied geboren und lebt in Berlin. Sie studierte Bildende Kunst\, Philosophie und Chemie an der Johannes-Gutenberg Universität Mainz. Für ihre Arbeit erhielt sie zahlreiche Stipendien und Kunstpreise\, u.a. Kunstpreis junger westen der Kunsthalle Recklinghausen\, Losito Kunstpreis. 2023/24 lehrte sie an der Leuphana Universität Lüneburg.\nwww.susannebritz.de \nChristiane Schlosser wurde 1960 in Viernheim geboren\, sie ist in Mannheim aufgewachsen und hat an der HfbK Hamburg und an der HdK Berlin (heute UdK) studiert. Sie lebt in Berlin. Ihre Arbeiten befinden sich in öffentlichen Sammlungen in Berlin\, Frankfurt a.M.\, Freiburg\, Stuttgart\, Mannheim\, Mainz und Kaiserslautern.\nwww.christiane-schlosser.de \nEnglish Text \nunder construction\nMatthias Beckmann | Susanne Britz | Christiane Schlosse​​​​r \nIn the exhibition „under construction“ three practices of contemporary drawing are in conversation with one another. They deal with the theme of „construction sites“ in different ways. A drawing\, whether on paper or in space\, reveals the process of its creation. Drawing\, even when it engages with reality or draws inspiration from it\, is never a mere image\, but always a construction. Those who draw invent forms and imaginary spaces. Minimal means\, dots\, lines\, surfaces\, are often enough to create something new. The goal is not to create a perfect picture or an overwhelming illusion. Rather\, the drawing lives from the fragmentary\, the implied\, the cutout-like and the fragile. The drawing is not finished. We have to add to it by looking at it. \nWhile Matthias Beckmann stages current Berlin construction sites with clear pencil lines and watercolour accents when drawing in front of the motif\, Christiane Schlosser works on the abstract image and engages with disruptions in linear-drawing systems. Susanne Britz’s spatial installations consist of everyday objects that are built in the literal sense\, making the fragile interweaving of different living environments visible in surreal and humorous ways\, thereby transforming the exhibition space into a stage-like construction site.
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SUMMARY:Künstlerinnen-Gespräch mit Bruno Besana\, Philosoph
DESCRIPTION:Künstlerinnen-Gespräch mit Bruno Besana\, Philosoph\, am Samstag\, 27. April\, 19 Uhr im Rahmen des Gallery + Sellerie Weekends \nWTF* IS IDENTITY NOW? – Silvia Beck | Claudia Schmitz\n06.04. – 28.04.2024 \nBruno Besana studierte Philosophie an der Universität Paris VIII\, unter der Leitung von Jacques Rancière. Er lehrte zeitgenössische Philosophie\, Ästhetik und griechische Philosophie an der Universität Paris VIII\, dem Bard College for Liberal Arts\, Berlin und der Universität der Künste\, Berlin. Er ist ehemaliger Stipendiat des ICI Kulturlabors\, Berlin\, der Jan van Eyck Academie\, Maastricht (NL) und ehemaliger Resident des Hordaland Kunstsenter\, Bergen (NO). Zusammen mit Ozren Pupovac hat er das Forschungskollektiv Vesuslaboratory gegründet.\nIn zahlreichen Projekten mit Künstlern und Kunstinstitutionen hat er die Beziehung zwischen Kunst und Philosophie erforscht. \nAus unterschiedlichen Perspektiven verhandeln Silvia Beck und Claudia Schmitz die existenzielle Frage von menschlicher Identität und künstlerischem Selbst. Die beiden Künstlerinnen entwerfen für die Ausstellung eine experimentelle Anordnung\, in der sie sich mit Mechanismen künstlerischer Selbstinszenierung einerseits sowie dem Phänomen der Künstlichen Künstlerischen Intelligenz andererseits auseinandersetzen. Die spielerisch synchronisierte Installation mit den Medien Video und Projektion auf Skulptur sowie Zeichnung und Text lädt dazu ein\, die Zukunft von künstlerischem Selbstverständnis und Authentizität neu zu betrachten. \nAxel Obiger\, Brunnenstr. 29\, 10119 Berlin\, Th – Sa 3–7 pm and by appointment
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SUMMARY:Klang-Performance „Construction Works“ von Jorn Ebner
DESCRIPTION:Samstag\, 27. April 2024\, 19 Uhr\nKlang-Performance „Construction Works“ von Jorn Ebner \nRahmenprogramm der Ausstellung „under construction“ Matthias Beckmann | Susanne Britz | Christiane Schlosser \nKlang-Performance „Construction Works“ von Jorn Ebner (Eintritt frei / ohne Anmeldung) Construction Works Auf der Suche nach einer zeitgemäßen Visualisierung und Klanginterpretation von Paul HIndemith „Wir bauen eine Stadt“ hat Jorn Ebner über mehrere Jahre Klangaufnahmen zum Stadtraum gesammelt. Der Stadtraum – dessen bewusstes Erleben mit künstlerischen Mitteln wie Objekten oder mittels Klangarbeiten – beschäftigt Jorn Ebner seit Beginn seiner künstlerischen Arbeit. Für seine Performance verwendet Jorn Ebner die archivierten Samples\, indem er diese zum Teil original\, zum Teil auch verfremdet einspielt. Die Performance reagiert auf die Ausstellung\, der Klang-Charakter verändert sich mit der Zeit\, das Publikum ist eingeladen zu interagieren. \nCV: Studien: Freie Kunst\, Central Saint Martins\, London (1995-1998); Magister der Anglistik\, Geschichte und Kunstgeschichte\, Universität Hamburg (1990-1995). AHRC Forschungsstipendium Freie Kunst\, University of Newcastle upon Tyne (2002-2005). 2001 Kunstpreis des Medienforums München. Von Beginn an Beschäftigung mit Kunst im öffentlichen Raum\, seit 2000 kommen digitalen Medien und Internet-Technologien hinzu\, seit 2008 Klangkunst und Zeichnung. Zuletzt: Klangprojekt im Stadtraum „Perifaerye“ (Stadtraum Hamburg / Online / Publikation\, 2023) und die Ausstellungen „Residenzpflicht“\, (Schloss Biesdorf\, 2023)\, „Club“ (Kunstbrücke am Wildenbruch\, 2023)\, „Über die Zeichnung hinaus“ (Zentrum für aktuelle Kunst\, 2022). \nAktuelles unter: http://www.jornebner.info/ \nIn der Ausstellung „under construction“ kommen drei Positionen zeitgenössischer Zeichnung miteinander ins Gespräch. Sie beschäftigen sich auf unterschiedliche Weise mit dem Thema „Bau-Stellen“. \nDie Zeichnung\, ob auf dem Papier oder im Raum\, legt den Prozess ihrer Entstehung offen. Zeichnung ist\, auch wenn sie sich mit Realität beschäftigt oder aus ihr Anregungen bezieht\, nie ein bloßes Abbild\, sondern stets eine Konstruktion. Wer zeichnet\, erfindet Formen und baut imaginäre Räume. Oft reichen sparsame Mittel\, Punkte\, Linien\, Flächen\, damit etwas Neues entsteht. Nicht das perfekte Bild oder die überwältigende Illusion sind das Ziel. Vielmehr lebt die Zeichnung vom Fragmentarischen\, Angedeuteten\, Ausschnitthaften und Zerbrechlichen. Die Zeichnung ist nicht fertig. Wir müssen sie in der Betrachtung ergänzen. \nWährend Matthias Beckmann beim Zeichnen vor dem Motiv aktuelle Berliner Baustellen mit klaren Bleistiftlinien und aquarellierten farbigen Akzenten in Szene setzt\, arbeitet Christiane Schlosser am abstrakten Bild und setzt sich mit Störstellen in linear-zeichnerischen Systemen auseinander. Im wörtlichen Sinne gebaut werden die aus Alltagsgegenständen bestehenden raumbezogenen Installationen von Susanne Britz\, die das fragile Ineinandergreifen verschiedenartiger Lebenswelten surreal und humorvoll sichtbar machen und den Ausstellungsraum in eine bühnenhafte Baustelle überführen.
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SUMMARY:WTF* IS IDENTITY NOW ? - Silvia Beck | Claudia Schmitz
DESCRIPTION:Ausstellung: 6. April – 28. April 2024 \nRahmenprogramm\nSamstag\, 27. April 2024\, 19 Uhr Künstlerinnen-Gespräch mit Bruno Besana\, Philosoph \nPlease scroll down for English version \n​Aus unterschiedlichen Perspektiven verhandeln Silvia Beck und Claudia Schmitz die existenzielle Frage von menschlicher Identität und künstlerischem Selbst. Die beiden Künstlerinnen entwerfen für die Ausstellung eine experimentelle Anordnung\, in der sie sich mit Mechanismen künstlerischer Selbstinszenierung einerseits sowie dem Phänomen der Künstlichen Künstlerischen Intelligenz andererseits auseinandersetzen. Die Installation mit den Medien Video und Projektion auf Skulptur sowie Zeichnung und Text lädt dazu ein\, die Zukunft von künstlerischem Selbstverständnis und Authentizität neu zu betrachten. \nSilvia Beck begibt sich auf eine Spurensuche zu der schillernden Künstlerpersönlichkeit Viola Kamp\, die immer wieder Aussehen und Einsatzgebiete wechselt\, verschiedene Identitäten annimmt und sich einer klaren Zuordnung zu widersetzen scheint – eine Gratwanderung zwischen inszenierter Komplizenschaft und trickreichem Entzug. Mit ihrer aktuellen Video-Arbeit nähert sie sich dem Erfolgsgeheimnis von Viola Kamp und beleuchtet spekulativ die Hintergründe der Matrix: Casting\, Storytelling und ein verwirrend inszeniertes Simulationsspiel manipulieren die Wahrnehmung. Im Propaganda Metaverse kommt die Fiktion der Realität am nächsten. \nClaudia Schmitz untersucht Systeme der Gemeinschaft im Zusammenspiel von human und post-human artist*s und stellt Fragen zu Urheber*schaft\, Teilhabe und Autonomie. Im transmedialen Selbstgespräch mit der von ihr sogenannten AAI (Artifical Artistic Intelligence) – basierend auf der Programmierung in Kollaboration mit Nesa Popov – hinterfragt sie Dialogstrukturen\, ästhetische Muster und Intentionen der Handlung innerhalb dieser Systeme. Im Spiel von Konversation und Manipulation entsteht ein autopoetischer Dialog im Mensch-Maschinen Duo\, dessen Zuordnung bewusst offen bleibt. \nEnglish text \nStarting from different perspectives\, Silvia Beck and Claudia Schmitz negotiate the existential question of human identity and the artistic self. The artists create an experimental set-up for the exhibition in which they explore both the mechanisms of artistic self-staging and the phenomenon of artificial artistic intelligence. Their installation uses the media of video and projection on sculpture as well as drawing and text and invites visitors to take a fresh look at the future of artistic self-understanding and authenticity. \nSilvia Beck follows the traces of the dazzling artist personality Viola Kamp\, who repeatedly changes her appearance and areas of operation\, assumes different identities and seems to resist clear categorisation – a tightrope walk between staged complicity and tricky withdrawal. With her current video work\, she approaches the secret of Viola Kamp’s success and speculatively illuminates the background of the matrix: Casting\, storytelling and a confusingly staged simulation game manipulate perception. In the propaganda metaverse\, fiction comes closest to reality. \nClaudia Schmitz explores systems of community in the interplay between human and post-human artists and poses questions about authorship\, participation and autonomy. In a transmedial soliloquy with what she calls AAI (Artifical Artistic Intelligence) – based on programming in collaboration with Nesa Popov – she questions dialogue structures\, aesthetic patterns and intentions of action within these systems. In the interplay of conversation and manipulation\, an autopoetic dialogue is created. \nOrt und Öffnungszeiten\nAxel Obiger\, Brunnenstr. 29\, 10119 Berlin\nDo – Sa 15 – 19 Uhr\, und nach Vereinbarung
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SUMMARY:Opening WTF* IS IDENTITY NOW? - Silvia Beck | Claudia Schmitz
DESCRIPTION:Eröffnung\nFreitag\, 5. April 2024\, 19 – 22 Uhr \nAusstellungsdauer\n6. April – 28. April 2024 \nRahmenprogramm\nSamstag\, 27. April 2024\, 19 Uhr\nKünstlerinnen-Gespräch mit Bruno Besana\, Philosoph\, im Rahmen des Gallery- und Sellerie Weekends \nAus unterschiedlichen Perspektiven verhandeln Silvia Beck und Claudia Schmitz die existenzielle Frage von menschlicher Identität und künstlerischem Selbst. Die beiden Künstlerinnen entwerfen für die Ausstellung eine experimentelle Anordnung\, in der sie sich mit Mechanismen künstlerischer Selbstinszenierung einerseits sowie dem Phänomen der Künstlichen Künstlerischen Intelligenz andererseits auseinandersetzen. Die spielerisch synchronisierte Installation mit den Medien Video und Projektion auf Skulptur sowie Zeichnung und Text lädt dazu ein\, die Zukunft von künstlerischem Selbstverständnis und Authentizität neu zu betrachten. \nEnglish text \nStarting from different perspectives\, Silvia Beck and Claudia Schmitz negotiate the existential question of human identity and the artistic self. The artists create an experimental set-up for the exhibition in which they explore both the mechanisms of artistic self-staging and the phenomenon of artificial artistic intelligence. Their playfully synchronised arrangement uses the media of video and projection on sculpture as well as drawing and text and invites visitors to take a fresh look at the future of artistic self-understanding and authenticity.
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LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
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SUMMARY:Interdisziplinäres Gespräch über Potenzial\, Ästhetik und Ethik von Extended Reality mit Prof. Dr. Moritz Queisner
DESCRIPTION:Event innerhalb der Ausstellung « Et si c´était ça\, le paradis » Maja Rohwetter | Jeanne Susplugas / 24. Februar – 23. März 2024 \nbei Axel Obiger. Die Teilnahme ist kostenlos (Sprache: Deutsch) \nMoritz Queisner ist Juniorprofessor für Digitale Chirurgie an der Charité – Universitätsmedizin Berlin. Dort beschäftigt er sich mit immersiven Darstellungsstrategien im Kontext der Medizin\, etwa im Hinblick auf die Visualisierung von Anatomie\, die Ausbildung von Gesundheitspersonal oder die Simulation klinischer Arbeitsabläufe für Patient*innen. Im Mittelpunkt stehen dabei die Fragen\, wie digitale Technologien den Gesundheitsbereich verändern und welches Wissen dieser Umbruch erfordert. \nAXEL OBIGER . Brunnenstraße 29 . 10119 Berlin\nDo-Sa 15 – 19 Uhr und nach Vereinbarung 
www.axelobiger.com
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LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
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SUMMARY:Et si c'était ça\, le paradis? - Maja Rohwetter und Jeanne Susplugas
DESCRIPTION:Et si c’était ça\, le paradis? \nMaja Rohwetter I Jeanne Susplugas \nAusstellungsdauer: 24.02.2024 – 23.03.2024\nEröffnung: 23.02.2024\, 19-22 Uhr \nRahmenprogramm\n15. März 2024\,  20 – 22 Uhr interdisziplinäres Gespräch in der Ausstellung über Potenzial\, Ästhetik und Ethik von Extended Reality (XR) mit Prof. Dr. Moritz Queisner\, Experimentelle Chirurgie / Digital Surgery Lab\, Charité Berlin \nDas Paradies. Ein idealer Ort oder Zustand außerhalb unserer Realität. Oder in uns selbst? Haben wir es möglicherweise schon verpasst? Jeanne Susplugas und Maja Rohwetter befragen das Verhältnis von innerer und äußerer Realität in einer multimedialen Arbeitsweise mit VR- und AR Arbeiten\, Zeichnungen\, Collagen und Prints. In Susplugas VR-Arbeit „I will sleep when I’m dead“ zirkulieren zeichnerische Versatzstücke einer dysfunktionalen Lebensrealität. Rohwetters AR-Arbeit „deep and shallow“ bringt die Formen einer inneren Realität nach außen. Beide holen die Flüchtigkeit der WXR auch in analoge Bilder zurück. Die Sehnsucht nach Realität beginnt mit der Erfahrung\, dass wir nicht sicher sind\, noch Teil der Realität zu sein. \nJeanne Susplugas (*1974 in Montpellier\, Frankreich) lebt in Paris. Ihr Werk taucht uns in eine Welt der Bindung und der Sensibilität\, die verschiedene Formen und Strategien der Eingrenzung erforscht. Sie hinterfragt die Beziehung des Einzelnen zu sich selbst und zu anderen in einer dysfunktionalen Welt. Mit Distanz erkundet sie eine breite Palette von Medien\, die sich gegenseitig bereichern und eine Ästhetik schaffen\, die an der Oberfläche verführerisch ist\, aber schnell in ein unangenehmes\, ja verstörendes Gefühl umschlägt. Ihre Arbeit wird international und Galerien und Museen gezeigt\, 2023 in einer Soloausstellung im Centre Pompidou Metz. \nMaja Rohwetter (*1970\, Bünde) studierte Bildende Kunst an der Hochschule der Künste Berlin und am Royal College of Fine Arts\, Stockholm. Neben ihrer Kunst unterrichtet sie Mediendesign und Medientheorie. und war Guest lecturer u. a. An der HS Wismar und der Arctic University Tromsö. Ihre künstlerische Forschung im Bereich Virtualität und Realität gleichermaßen einschließt\, konnte sie zuletzt mit einer Forderung des Bundesministeriums für Kultur und Medien und einem Laborstipendium an der Aurora school for ARtists (htw Berlin) vertiefen. Sie zeigt ihre Arbeiten in Berlin und international\, zuletzt in Lissabon und beim Immersive art Festival\, Maldives. \nEnglish text (short version) \nParadise. An ideal place or state outside our reality. Or within ourselves? Have we perhaps already missed it? Jeanne Susplugas and Maja Rohwetter question the relationship between inner and outer reality in a multimedia approach with VR and AR works\, drawings\, collages and prints. In Suspluga’s VR work „I will sleep when I’m dead“\, graphic set pieces of a dysfunctional reality of life circulate. Rohwetter’s AR work „deep and shallow“ externalises the forms of an inner reality. Both also bring the fleetingness of XR back into analogue images. The longing for reality begins with the experience that we are not sure that we are still part of reality. \nAXEL OBIGER . Brunnenstraße 29 . 10119 Berlin\nThu – Sa 3–7 pm\, and by appointment\nwww.axelobiger.com
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SUMMARY:Vernissage > Maja Rohwetter and Jeanne Susplugas - Et si c'était ça\, le paradis?
DESCRIPTION:Et si c’était ça\, le paradis? \nDas Paradies. Ein idealer Ort oder Zustand außerhalb unserer Realität. Oder in uns selbst? Haben wir es möglicherweise schon verpasst? Jeanne Susplugas und Maja Rohwetter befragen das Verhältnis von innerer und äußerer Realität in einer multimedialen Arbeitsweise mit VR- und AR Arbeiten\, Zeichnungen\, Collagen und Prints. In Susplugas VR-Arbeit „I will sleep when I’m dead“ zirkulieren zeichnerische Versatzstücke einer dysfunktionalen Lebensrealität. Rohwetters AR-Arbeit „deep and shallow“ bringt die Formen einer inneren Realität nach außen. Beide holen die Flüchtigkeit der WXR auch in analoge Bilder zurück. Die Sehnsucht nach Realität beginnt mit der Erfahrung\, dass wir nicht sicher sind\, noch Teil der Realität zu sein. \nFebruary 24 – March 23\, 2024\nAXEL OBIGER . Brunnenstraße 29 . 10119 Berlin\nThu – Sa 3–7 pm\, and by appointment\nwww.axelobiger.com
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SUMMARY:"Circuit for Sea" partizipative Sound-Performance von Sebastian Giussani und Daniel Mohr
DESCRIPTION:Herzliche Einladung zur \nCIRCUIT FOR SEA\nSebastian Giussani und Daniel Mohr \nPerformance innerhalb der Ausstellung „Creatures in Critical Zones“ von Nathalie Grenzhaeuser und Stefanie Zoche bei Axel Obiger Berlin \nFreitag\, 9.2.2024\, 19 – 22 Uhr \n  \n„Die Brandung\, die auf den Strand wälzt und sich wieder zurückzieht\, vollzieht eine ziemlich langsame Bewegung und ihr Geräusch […] ist hauptsächlich ein zufälliges Rauschen.“ – Frederick Charles Judd\, Electronics in Music \nDie beiden Medienkünstler Daniel Door und Sebastian Giussani (München) erweitern mit ihrer akustischen Performance „Circuit for Sea“ Nathalie Grenzhaeusers & Stefanie Zoches Ausstellung „Creatures in Critical Zones“. Door und Giussani werden dazu Aquarien\, die mit Unterwassermikrofonen versehen sind im Ausstellungsraum platzieren. In einem partizipativen Prozess mit den BesucherInnen werden Soundscapes erzeugt\, die sich mit dem Meer befassen. Dafür stehen den Teilnehmenden vielfältige Materialien und Werkzeuge zur Verfügung. Die BesucherInnen der Ausstellung werden zu einem Sturm im Wasserglas eingeladen. Daniel Door und Sebastian Giussani spielen dazu einen Brandungsgenerator mit pinkem Rauschen\, basierend auf einer 1970er Schaltung von F.C.Judd\, untermalt von Basswellen. \nPerformance zwischen 19 und 22 Uhr\, https://www.axelobiger.com/\nBrunnenstrasse 29\, 10119 Berlin \nBildtitel:\nDaniel Door (links) & Sebastian Giussani (rechts) anlässlich der Ausstellung Tales of Water and Sand\, von Nathalie Grenzhaeuser und Stefanie Zoche\, Maximiliansforum München 2023 \n  \nRahmenprogramm zur Ausstellung \nCREATURES IN CRITICAL ZONES\nNathalie Grenzhaeuser I Stefanie Zoche\n27.01.24 – 17.02.2024 \nSave The Date\nSamstag\, 17.2.2024 Künstlerinnen-Gespräch mit der Kuratorin Dr. Jule Reuter (Berlin)\, 19 Uhr \nNathalie Grenzhaeuser and Stefanie Zoche work in an interdisciplinary field between art and science and explore our relation to nature in the age of the Anthropocene in very different ways. Creatures in Critical Zones is their second joint exhibition. Their photographs\, video works and sculptures\, which deal with the maritime ecosystem and various sea creatures\, enter into a direct dialogue with each other in the exhibition space. The result is a multi-layered reflection on the complex relationship between humans and nature. \n  \nAXEL OBIGER . Brunnenstraße 29 . 10119 Berlin\nThu – Sa 3–7 pm\, and by appointment\nwww.axelobiger.com\n@grenzhaeusernathalie @stefanie_zoche
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SUMMARY:CREATURES IN CRITICAL ZONES - Nathalie Grenzhaeuser / Stefanie Zoche
DESCRIPTION:CREATURES IN CRITICAL ZONES\nNathalie Grenzhaeuser I Stefanie Zoche \nAusstellungsdauer\n27.1.24 – 17.2.2024 \nEröffnung am Freitag\, den 26. Januar 2024\, 19 – 22 Uhr \nRahmenprogramm\n9. Februar 2024 partizipative Sound-Performance Circuit for Sea von Sebastian Giussani und Daniel Mohr (München)\, 19- 22 Uhr \n17. Februar 2024 Künstlerinnen-Gespräch mit der Kuratorin Dr. Jule Reuter (Berlin)\, 19 Uhr \n  \nCreatures in Critical Zones \nNathalie Grenzhaeuser und Stefanie Zoche arbeiten in einem interdisziplinären Feld zwischen Kunst und Wissenschaft\, wobei sie sich auf sehr unterschiedliche Weise mit der Beziehung des Menschen zur Natur im Zeitalter des Anthropozäns auseinandersetzen. Beide waren 2006 in der Ausstellung „Gletscherdämmerung“ vertreten\, der ersten Kunstausstellung zum Klimawandel im deutschsprachigen Raum (ERES Stiftung München). Seitdem haben sie mehrmals zusammen ausgestellt\, zuletzt im MaximilliansForum München\, für das sie ihre erste solo Ausstellung „Tales of Water and Sand“ konzipiert haben. \n„Creatures in Critical Zones“ ist ihre zweite gemeinsame Ausstellung\, in der sie sich mit dem maritimen Ökosystem und unterschiedlichen Meeresbewohnern befassen. \nNathalie Grenzhaeusers Fotografien und Videoarbeiten entstehen seit 2015 auf wissenschaftlichen Forschungsstationen. Zwischen 2018 und 2021 hat sie in Karelien\, Russland am weißen Meer Meeresbiologen bei ihren Forschungsroutinen begleitet und sich mit der Morphologie wirbelloser Meerestiere und deren Lebenszyklen auseinandergesetzt. Ein weiterer Aspekt ihrer Arbeit widmet sich den Räumen wissenschaftlicher Präsentation\, Aufbewahrung und Forschung\, wie das Zoologische Museum in Sankt Petersburg\, ein naturkundliches Museum\, das sie oft besucht hat. In einem mehrmonatigen Prozess hat sie aus dem fotografischen Material des Museums neue Räume entwickelt\, die von den „Carceri“ Giovanni Batista Piranesis inspiriert sind. Die entstandenen Bilder verbinden die museale Architektur mit dem Meeresraum und werden von Grenzhaeuser auch „Tales of Water“ genannt. Sie erinnern an Traumsequenzen\, die den Betrachtenden einen mehrdeutigen\, assoziativen Raum eröffnen\, in dem das Verhältnis zwischen Natur und Kultur ausgelotet wird\, die sich aber dennoch einer eindeutigen Lesbarkeit entziehen. \nStefanie Zoche beschäftigt sich seit vielen Jahren nahezu ausschließlich mit ökologischen Fragestellungen. Neben der Klimakrise und dem Umgang mit Ressourcen – insbesondere dem schwindenden Rohstoff Sand – liegt ihr Fokus aktuell auf ozeanischen Ökosystemen.\nFür ihre Arbeit „Heliodiscus und andere Akteure“ hat sie phototaktische Mikroalgen zum Akteur\, zum Zeichner von Bildern gemacht: Sie platzierte Petrischalen mit phototaktischen Algen auf Leuchtkästen\, auf denen Mikroskopieaufnahmen von Kieselalgen lagen. Um Fotosynthese zu betreiben\, schwammen die Algen zu den hellen Stellen der Vorlagen und bildeten so die Formen der Kieselalgen durch ihr Wachstum nach. Diese Bilder verdichtete die Künstlerin zu einer fotografischen Gesamtkomposition. Außerdem zeigt Stefanie Zoche neue Arbeiten\, die sie während einer Künstlerresidenz im Herbst 2023 auf Island entwickelt hat\, wie „Unspecified Critters in the Critical Zone“\, eine skulpturale Installation aus Braunalgen\, und die Videoarbeit „Requiem“. \nIm Ausstellungsraum treten die Fotografien\, Videoarbeiten und Skulpturen der beiden Künstlerinnen in einen unmittelbaren Dialog zueinander\, der eine vielschichtige Reflexion über das komplexe Verhältnis des Menschen zur Natur entstehen lässt.
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SUMMARY:Opening -> CREATURES IN CRITICAL ZONES - Nathalie Grenzhaeuser I Stefanie Zoche
DESCRIPTION:CREATURES IN CRITICAL ZONES\nNathalie Grenzhaeuser I Stefanie Zoche \nAusstellung: 27.01.24 – 17.02.2024\nEröffnung\, Freitag 26. Januar 2024\, 19 – 22 Uhr \nNathalie Grenzhaeuser and Stefanie Zoche work in an interdisciplinary field between art and science and explore our relation to nature in the age of the Anthropocene in very different ways. Creatures in Critical Zones is their second joint exhibition. Their photographs\, video works and sculptures\, which deal with the maritime ecosystem and various sea creatures\, enter into a direct dialogue with each other in the exhibition space. The result is a multi-layered reflection on the complex relationship between humans and nature. \nNathalie Grenzhaeuser und Stefanie Zoche arbeiten in einem interdisziplinären Feld zwischen Kunst und Wissenschaft und befassen sich auf sehr unterschiedliche Weise mit der Natur im Zeitalter des Anthropozäns. Creatures in Critical Zones ist ihre zweite gemeinsame Ausstellung. Ihre Fotografien\, Videoarbeiten und Skulpturen\, die sich mit dem maritimen Ökosystem und unterschiedlichen Meeresbewohnern beschäftigen\, treten im Ausstellungsraum in einen unmittelbaren Dialog zueinander. Es entsteht eine vielschichtige Reflexion über das komplexe Verhältnis des Menschen zur Natur.
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SUMMARY:A trans feat. Elgin Willigerodt_ Wächter
DESCRIPTION:The title of the new series 2024 is A Beast City. Let’s have a look to the absurd\, the beast\, the living world! \nElgin Willigerodt lives and works as an artist in Berlin. Her sculptures are delicate\, abstract and have the human being as their scale. For her\, the concentration on pure form is also an ordering of thoughts\, or even better: a limiting\, condensing of the diffuse\, drifting and unsorted. \nIn her installation Wächter\, she overlays the narrative night-time perspective of the Zoological Garden with brightly colored sculptures made of metal\, Plexiglas and glossy painted kappa board. The ´Wächter´ enter into a dialog with the light reflections and function as abstract hybrid beings that lead us unquestioningly into other worlds. \nhttps://www.atrans.org  | https://www.elgin-willigerodt.de \nFacebook: atransorg  | elginw \nInstagram: @atrans  |  @elginwilligerodt
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SUMMARY:Exhibition set up/Opening: Die Obiger Galaxis – compiling Caspar David
DESCRIPTION:A group exhibition with work by: \nMarleen Andreev I Cristina Barroso I Charlotte Bastian I Antje Blumenstein I Betty Boehm I Bretz/Holliger I Susanne Britz I Frank Bubenzer I Stefanie Bühler I Caroline Corleone I Mathias Deutsch I Ulrike Dornis I Thilo Droste I Daniela Ehemann I Lara Faroqhi I Michael Fetzer I Saeed Foroghi I Nicolas Freitag I Nathalie Grenzhaeuser I Harriet Groß I Andrea Grote I Maxim Gunga I Jens Hanke I Anna Heidenhein I Norbert W. Hinterberger I Mia Hochrein I Alexandra Hopf I Iris Hurthe I Cordula Jäger I Thomas Judisch I Franz Jyrch I Rachel Kohn I Edith Kollath/Anne Brannys I Gabriele Künne I Birgit Krause I Marta Leite I Moritz Liebig I Peter Jap Lim I Jorge Lopes I Wolfgang Matzat/Alke Brinkmann I Isabell Alexandra Meldner I Matthias Moravek I Andrea Morein I Enrico Niemann I NN I Antonio Panetta I Lisa Peters/Lisa Drost I Veronika Pfaffinger I Mona Pourebrahim I Torsten Prothmann I Thomas & Renée Rapedius I Ilka Raupach I Florian Richter I Maja Rohwetter I Nait Rosenfelder I Christoph Roßner I Hansjörg Schneider I Anita Stöhr Weber I Jiří Surůvka I Dagmar Tränkle I Clemens Tremmel I Mathias Völcker I Wiebke Maria Wachmann I Yvonne Wahl I Daniel Wiesenfeld I Left Winter I Melanie Wiora I Gabriele Worgitzki I Linhan Yu I Frank Zitzsmann I Oliver Zwink \nExhibition set up / Opening\nFriday\, Dec 15\, 2023\, 6 -10 pm \nOn View\nDec 16\, 2023 – Jan 13\, 2024 \nChristmas break\nDec 23\, 2023 – Jan 5\, 2024 \n  \nHow should we think about the unity and at the same time the difference between nature and spirit\, as was already the case in the 18th century\, and what consequences does this have for the way we deal with nature today? According to Bruno Latour\, Caspar David Friedrich can be called a visionary of the Anthropocene. His relevance remains unbroken and represents an ideal starting point for a variety of artistic references\, which will engage in a process-orientated critical discourse on the opening evening. Let’s celebrate his 250th birthday together. \nAXEL OBIGER . Brunnenstraße 29 . 10119 Berlin\nThu – Sa 3–7 pm\, and by appointment\nwww.axelobiger.com
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SUMMARY:„geometric bodies\, kitsch and aspects of power“ Katharina Reich / Saeed Foroghi
DESCRIPTION:11. November – 8. Dezember 2023\nAXEL OBIGER . Brunnenstraße 29 . 10119 Berlin\nDo – Sa 15 – 19 Uhr\, und nach Vereinbarung \nStatements \nKatharina Reich baut Soziale Plastiken. Ihr Material: Sammlungen verschiedener Art – Gegenstände\, ihre Verwendung\, ihre Sprache\, ihre Geschichte\, beschafft durch Tausch\, Leihgabe\, Fund. Das Sammeln\, Ordnen und Umordnen schafft einen Raum\, um eine neue Auseinandersetzung mit Herkunft und Geschichte anzustoßen. \nFür die Arbeit Grabvasen ersetzt sie auf Friedhöfen stark beanspruchte alte Vasen durch neue. Erstere stellt sie aus. Einige stehen in Steckschaum\, andere liegen gespiegelt darauf. Öffnung auf Öffnung\, Nutzungsspuren und Erinnerungen eingeschrieben. \nSaeed Foroughi ging es in seiner künstlerischen Arbeit immer darum\, die Künstlichkeit und Konstruktion der Dinge sichtbar zu machen: von geografischen Grenzen\, Flaggen\, Nationalitäten\, Hautfarben und sogar ästhetischen Prinzipien. Das Medium seiner Werke definiert sich nicht nur nach der Ausgangsidee des jeweiligen Werkes\, sondern stets auch nach dem Ort seiner Umsetzung. \n„Gibst du mir einen künstlerischen Kuss?“ Diese Frage stellte ihm seine Mutter\, als er fünf war. Für sie begann die Kunst im Film – nämlich dort\, wo das wirkliche Leben endet. In seiner künstlerischen Praxis setzt er sich mit der Frage „Wann ist Kunst“ statt „Was ist Kunst“ auseinander und dabei erforscht er das Verhältnis zwischen „Kunst“ und der „Wirklichkeit“. \nBiografien \nKatharina Reich (* 1987 in Tjumen\, Westsibirien) ist 1996 nach Deutschland umgesiedelt und zählt zu den sogenannten Russlanddeutschen. Mit Elementen aus Kitsch\, Machtphänomenen und geometrischen Körpern baut sie raumgreifende Soziale Plastiken. Sie studierte von 2010 bis 2016 Bildende Kunst an der Kunsthochschule Kassel bei Prof. Norbert Radermacher\, von dem sie zur Meisterschülerin ernannt wurde. Sie lebt und arbeitet in Berlin. \nWebseite: https://katharinareich.de \nSaeed Foroghi wurde im Jahr 1977 in Kerman / Iran geboren. Nach seinem Studium der Architektur an der IUST in Teheran (1996-2003) begann er 2005 an der HfBK Dresden sein zweites Studium im Bereich Malerei und Grafik und schloss dort mit dem Sommersemester 2014 sein Meisterschülerstudium im Fachbereich Bildende Künste in der Fachklasse von Professor Martin Honert erfolgreich ab. In seiner Klasse der künstlerischen Praxis des dreidimensionalen Gestaltens arbeitete er zunächst als Tutor und nach seinem Abschluss auch als Lehrbeauftragter. \nWebseite: http://www.saeed-foroghi.com/
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SUMMARY:Katharina Reich / Saeed Foroghi "geometric bodies\, kitsch and aspects of power"
DESCRIPTION:geometric bodies\, kitsch and aspects of power\nKatharina Reich / Saeed Foroghi \nAusstellungsdauer\n11. November – 8. Dezember 2023 \nEröffnung\nFreitag\,10. November 2023\, 18 – 22 Uhr \nStatements \nKatharina Reich baut Soziale Plastiken. Ihr Material: Sammlungen verschiedener Art – Gegenstände\, ihre Verwendung\, ihre Sprache\, ihre Geschichte\, beschafft durch Tausch\, Leihgabe\, Fund. Das Sammeln\, Ordnen und Umordnen schafft einen Raum\, um eine neue Auseinandersetzung mit Herkunft und Geschichte anzustoßen. Saeed Foroghi: „Gibst du mir einen künstlerischen Kuss?“ Diese Frage stellte mir meine Mutter\, als ich fünf war. Für sie begann die Kunst im Film – nämlich dort\, wo das wirkliche Leben endet. In meiner künstlerischen Praxis setze ich mit der Frage „Wann ist Kunst“ statt „Was ist Kunst“ auseinander und dabei erforsche ich das Verhältnis zwischen „Kunst“ und der „Wirklichkeit“. \nEnglish \nKatharina Reich makes “social sculptures”. Her métier is all manner of collections: objects whose use\, language and stories are drawn from swaps\, loans and refuse. By gathering\, arranging and rearranging\, she creates spaces that prompt new forms of engaging with origins and histories. \nSaeed Foroghi: “Would you give me an artistic kiss?” my mother asked when I was five. For her\, art began in films – namely there\, where real life ends. In my own practice of art\, I have addressed the question “When is art?” instead of “What is art?”\, and thereby examined the relationship between “art” and “reality”. \n  \nBiografien \nKatharina Reich (* 1987 in Tjumen\, Westsibirien) ist 1996 nach Deutschland umgesiedelt und zählt zu den sogenannten Russlanddeutschen. Mit Elementen aus Kitsch\, Machtphänomenen und geometrischen Körpern baut sie raumgreifende Soziale Plastiken. Sie studierte von 2010 bis 2016 Bildende Kunst an der Kunsthochschule Kassel bei Prof. Norbert Radermacher\, von dem sie zur Meisterschülerin ernannt wurde. Sie lebt und arbeitet in Berlin. \nWebseite: katharinareich.de \nSaeed Foroghi wurde im Jahr 1977 in Kerman / Iran geboren. Nach seinem Studium der Architektur an der IUST in Teheran (1996-2003) begann er 2005 an der HfBK Dresden sein zweites Studium im Bereich Malerei und Grafik und schloss dort mit dem Sommersemester 2014 sein Meisterschülerstudium im Fachbereich Bildende Künste in der Fachklasse von Professor Martin Honert erfolgreich ab. In seiner Klasse der künstlerischen Praxis des dreidimensionalen Gestaltens arbeitete er zunächst als Tutor und nach seinem Abschluss auch als Lehrbeauftragter. \nWebseite: www.saeed-foroghi.com \nAXEL OBIGER . Brunnenstraße 29 . 10119 Berlin Do – Sa 15 – 19 Uhr\, und nach Vereinbarung
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SUMMARY:Eröffnung "geometric bodies\, kitsch and aspects of power"
DESCRIPTION:Katharina Reich / Saeed Foroghi\n„geometric bodies\, kitsch and aspects of power“ \nAusstellungsdauer\n11. November – 9. Dezember 2023 \nEröffnung\nFreitag\, 10. November 2023\, 18 – 22 Uhr \nStatements \nKatharina Reich baut Soziale Plastiken. Ihr Material: Sammlungen verschiedener Art – Gegenstände\, ihre Verwendung\, ihre Sprache\, ihre Geschichte\, beschafft durch Tausch\, Leihgabe\, Fund. Das Sammeln\, Ordnen und Umordnen schafft einen Raum\, um eine neue Auseinandersetzung mit Herkunft und Geschichte anzustoßen. \nSaeed Foroghi: „Gibst du mir einen künstlerischen Kuss?“ Diese Frage stellte mir meine Mutter\, als ich fünf war. Für sie begann die Kunst im Film – nämlich dort\, wo das wirkliche Leben endet. In meiner künstlerischen Praxis setze ich mit der Frage „Wann ist Kunst“ statt „Was ist Kunst“ auseinander und dabei erforsche ich das Verhältnis zwischen „Kunst“ und der „Wirklichkeit“. \nEnglish \nKatharina Reich makes “social sculptures”. Her métier is all manner of collections: objects whose use\, language and stories are drawn from swaps\, loans and refuse. By gathering\, arranging and rearranging\, she creates spaces that prompt new forms of engaging with origins and histories. \nSaeed Foroghi: “Would you give me an artistic kiss?” my mother asked when I was five. For her\, art began in films – namely there\, where real life ends. In my own practice of art\, I have addressed the question “When is art?” instead of “What is art?”\, and thereby examined the relationship between “art” and “reality”. \n  \nBiografien \nKatharina Reich (* 1987 in Tjumen\, Westsibirien) ist 1996 nach Deutschland umgesiedelt und zählt zu den sogenannten Russlanddeutschen. Mit Elementen aus Kitsch\, Machtphänomenen und geometrischen Körpern baut sie raumgreifende Soziale Plastiken. Sie studierte von 2010 bis 2016 Bildende Kunst an der Kunsthochschule Kassel bei Prof. Norbert Radermacher\, von dem sie zur Meisterschülerin ernannt wurde. Sie lebt und arbeitet in Berlin. \nWebseite: katharinareich.de \nSaeed Foroghi wurde im Jahr 1977 in Kerman / Iran geboren. Nach seinem Studium der Architektur an der IUST in Teheran (1996-2003) begann er 2005 an der HfBK Dresden sein zweites Studium im Bereich Malerei und Grafik und schloss dort mit dem Sommersemester 2014 sein Meisterschülerstudium im Fachbereich Bildende Künste in der Fachklasse von Professor Martin Honert erfolgreich ab. In seiner Klasse der künstlerischen Praxis des dreidimensionalen Gestaltens arbeitete er zunächst als Tutor und nach seinem Abschluss auch als Lehrbeauftragter. \nWebseite: www.saeed-foroghi.com \nAXEL OBIGER . Brunnenstraße 29 . 10119 Berlin Do – Sa 15 – 19 Uhr\, und nach Vereinbarung
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SUMMARY:Live Event Music / Finissage „soft manifolds”
DESCRIPTION:Live Event Music / Finissage \nSOFT MANIFOLDS\nAnne Jungjohann / Enrico Niemann \nSamstag\, den 4. November 2023\, 16 – 21 Uhr \n20 – 21 Uhr Sondermueller – „Loop-basierte Klanglandschaften“ – live \n​\nIn der Ausstellung von Anne Jungjohann und Enrico Niemann haben wir es mit vielschichtigen Prozessen zu tun\, die durch Ein- und Entfaltungen taktile Bildobjekte erzeugen. Sie zeigen und verbergen in ihrer ganz eigenen Herangehensweise die Subtilität gemalter und gefalteter Flächen. Hierdurch entstehen Bildobjekte\, die sich zwischen Zwei- und Dreidimensionalität bewegen.\nMannigfaltigkeit\, die auf unterschiedliche sinnliche Eindrücke und gleichfalls auf komplexe Flächen und Räume verweist\, steht bei Enrico Niemann und Anne Jungjohann für das Verformen und Herausfordern von Materialien\, um vielfältige Formen entstehen zu lassen. \nIn the exhibition by Anne Jungjohann and Enrico Niemann we are dealing with complex processes that create tactile image objects through folding and unfolding. In their own unique approach\, both artists show and hide the subtlety of painted and folded surfaces. This creates image objects that move between two- and three-dimensionality. In this context\, the term ‘manifolds’\, otherwise referring to a variety of sensual impressions and likewise to complex surfaces and spaces\, means to deform and challenge material to create an unexpected variety of shapes and motives.\n​ \nBiografische Notizen zu Anne Jungjohann und Enrico Niemann\n​\nAnne Jungjohann lebt und arbeitet in Berlin.\n2008- 2017 Studium Freie Kunst\, Universität der Künste Berlin\n2016 Diplom Bildende Kunst\, Universität der Künste Berlin\n2016 Stipendium Dorothea Konwiarz Foundation\, Berlin\n2017 Meisterschüler Professor Robert Lucander\, UdK Berlin\nHelmut- Thoma Prize\, Helmut- Thoma- Foundation\, Berlin.\n​\n​\nEnrico Niemann *1978\, lebt und arbeitet in Berlin\n2001-07 Studium Freie Kunst\, Bauhaus Universität Weimar\n2022 Stipendium Stiftung Kunstfond Bonn\n2021 Stipendium des MWFK Brandenburg\n2014 Residenz Künstlerhaus Schloss Wiepersdorf\, Stipendium Land Brandenburg\n2007/08 Graduiertenstipendium der Bauhaus-Uni Weimar und des Freistaates Thüringen.
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SUMMARY:A trans feat. Carola Rümper_ KICK BOXING
DESCRIPTION:Eröffnung /Opening \nDonnerstag / Thursday\, 26.10.2023       19:00 – 19:30 \nPerformance mit/by Sreymao Sao (Phnom Penh) \nDas Projekt Kick Boxing zeigt die kambodschanische Kickboxerin LyLy. Die Originalaufnahmen der jungen Frau entstanden 2023 in einem Boxstudio in Phnom Penh\, wo Lyly seit Jahren als einzige Frau trainiert und unterrichtet. Carola Rümper interessierte Pose und Haltung der Kickboxerin und nicht nur das Portrait einer einzelnen Person. Durch die digitale Bearbeitung zum Avatar ist ein übergeordnetes Abbild in Siegerinnen- und Kampfpose entstanden. Die künstlerische Gestaltung und Präsentation greift das Produktionsverfahren `Starschnitt´ der westdeutschen Jugendzeitschrift BRAVO auf. \nCarola Rümper lebt und arbeitet als Künstlerin und Projektraumbetreiberin von mp43-projektraum für das periphere (Berlin) in Berlin. \nThe Kick Boxing project features Cambodian kickboxer LyLy. The original footage of the young woman was taken in 2023 in a boxing studio in Phnom Penh\, where Lyly has been training and teaching for years as the only woman. Carola Rümper was interested in the pose and posture of the kickboxer and not just the portrait of a single person. Through the digital processing to the avatar\, a superior image in winning and fighting pose was created. The artistic design and presentation takes up the production process ’star cut‘ of the West German youth magazine BRAVO. \nCarola Rümper lives and works as an artist and project space operator of mp43-projektraum for the peripheral in Berlin. \nWeitere Informationen: | For further informations: \nhttps://www.atrans.org  |  https://www.carola-ruemper.eu \nFacebook/Instagram: @atrans  |  @carolarumper \nhttps:// www.facebook.com/atransorg | https://www.instagram.com/atrans/ \nhttps://www.facebook.com/carola.ruemper | https://www.instagram.com/carolarumper/ \n  \nEin Teil von DRAUSSENSTADT\, \ngefördert von der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftliche Zusammenarbeit\, der Stiftung für Kulturelle Weiterbildung und Kulturberatung\, s \nsowie vom Bezirksamt Charlottenburg-Wilmersdorf Fachbereich Kultur
URL:https://www.projektraeume-berlin.net/termin/a-trans-feat-carola-ruemper_-kick-boxing/
LOCATION:Vitrine U-Zoologischer Garten (U9)\, Hardenbergplatz\,\, Berlin\, Berlin\, 10787\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung,Installation
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SUMMARY:"soft manifolds" Anne Jungjohann / Enrico Niemann
DESCRIPTION:Ausstellung: 7. Oktober – 4. November 2023\nEröffnung am Freitag\, den 6. Oktober 2023\, 18-22 Uhr \nEnglish text below\n​\nIn der Ausstellung von Anne Jungjohann und Enrico Niemann haben wir es mit vielschichtigen Prozessen zu tun\, die durch Ein- und Entfaltungen taktile Bildobjekte erzeugen. Sie zeigen und verbergen in ihrer ganz eigenen Herangehensweise die Subtilität gemalter und gefalteter Flächen. Hierdurch entstehen Bildobjekte\, die sich zwischen Zwei- und Dreidimensionalität bewegen.\nMannigfaltigkeit\, die auf unterschiedliche sinnliche Eindrücke und gleichfalls auf komplexe Flächen und Räume verweist\, steht bei Enrico Niemann und Anne Jungjohann für das Verformen und Herausfordern von Materialien\, um vielfältige Formen entstehen zu lassen. \nIn the exhibition by Anne Jungjohann and Enrico Niemann we are dealing with complex processes that create tactile image objects through folding and unfolding. In their own unique approach\, both artists show and hide the subtlety of painted and folded surfaces. This creates image objects that move between two- and three-dimensionality. In this context\, the term ‘manifolds’\, otherwise referring to a variety of sensual impressions and likewise to complex surfaces and spaces\, means to deform and challenge material to create an unexpected variety of shapes and motives.\n​ \nBiografische Notizen zu Anne Jungjohann und Enrico Niemann\n​\nAnne Jungjohann lebt und arbeitet in Berlin.\n2008- 2017 Studium Freie Kunst\, Universität der Künste Berlin\n2016 Diplom Bildende Kunst\, Universität der Künste Berlin\n2016 Stipendium Dorothea Konwiarz Foundation\, Berlin\n2017 Meisterschüler Professor Robert Lucander\, UdK Berlin\nHelmut- Thoma Prize\, Helmut- Thoma- Foundation\, Berlin.\n​\n​\nEnrico Niemann *1978\, lebt und arbeitet in Berlin\n2001-07 Studium Freie Kunst\, Bauhaus Universität Weimar\n2022 Stipendium Stiftung Kunstfond Bonn\n2021 Stipendium des MWFK Brandenburg\n2014 Residenz Künstlerhaus Schloss Wiepersdorf\, Stipendium Land Brandenburg\n2007/08 Graduiertenstipendium der Bauhaus-Uni Weimar und des Freistaates Thüringen.
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SUMMARY:Eröffnung  SOFT MANIFOLDS  Anne Jungjohann / Enrico Niemann
DESCRIPTION:Ausstellung: 7. Oktober – 4. November 2023\nEröffnung am Freitag\, den 6. Oktober 2023\, 18-22 Uhr \n​In der Ausstellung von Anne Jungjohann und Enrico Niemann haben wir es mit vielschichtigen Prozessen zu tun\, die durch Ein- und Entfaltungen taktile Bildobjekte erzeugen. Sie zeigen und verbergen in ihrer ganz eigenen Herangehensweise die Subtilität gemalter und gefalteter Flächen. Hierdurch entstehen Bildobjekte\, die sich zwischen Zwei- und Dreidimensionalität bewegen. \nMannigfaltigkeit\, die auf unterschiedliche sinnliche Eindrücke und gleichfalls auf komplexe Flächen und Räume verweist\, steht bei Enrico Niemann und Anne Jungjohann für das Verformen und Herausfordern von Materialien\, um vielfältige Formen entstehen zu lassen.
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LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
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SUMMARY:FRAGEN ÜBER FRAGEN - Thilo Droste / Juliane Zelwies
DESCRIPTION:Ausstellung: 2. September – 30. September 2023\nEröffnung am Freitag\, den 1. September 2023\, 19-22 Uhr \nIst Glück wirklich universell messbar? Welche unserer Entscheidungen führen zu innerer Befriedigung und Hochstimmung? Hat unser Bedürfnis nach Glück Einfluß auf unsere individuellen Lebensentwürfe? Werden unsere Lebensläufe nicht vielmehr durch äußere\, kulturelle und strukturelle Faktoren bestimmt? \nThilo Droste und Juliane Zelwies suchen in ihrer Ausstellung FRAGEN ÜBER FRAGEN nach Antworten. Sie laden die Besucher*innen ein\, die Welt der Bilanzierung\, Kartografierung und statistischen Erhebung zu betreten und sich persönlich Fragen aus dem World Happiness Report zu stellen. Der Besuch der Ausstellung wird damit Teil einer Versuchsanordnung zur Bestimmung des Glücksfaktors im Kontext von Kunst und Leben auf der Berliner Brunnenstraße. \nAuch in den anderen Arbeiten\, die in der Ausstellung gezeigt werden\, setzen sich die beiden Künstler*innen mit dem Aufzeichnen von Höhen und Tiefen auseinander: \nJuliane Zelwies fragt danach\, wie wir unser Leben subjektiv erleben\, und wie wir unsere Erfahrungen anderen beschreiben. Gibt es Narrative\, auf die wir auf Grund unserer Sozialisation instinktiv zurückgreifen\, reproduzieren wir in diesem Prozess möglicherweise sogar bekannte Mythen? Für Turning Points bat Zelwies Personen in Kanada\, den USA und Deutschland darum\, Situationen zu schildern\, die sie im Nachhinein als Wendepunkte in ihrem Leben interpretierten. Die während der Gespräche entstandenen fragmentarischen Notizen\, die bei Axel Obiger erstmals öffentlich gezeigt werden\, wirken überraschend zeitlos und universell. \nDie Zeichnungen Die Natur des Geldes (Kapitalistische Landschaften) von Thilo Droste basieren auf Chartdarstellungen\, die die Wertentwicklung verschiedener Unternehmen\, Rohstoffe oder Währungen an der Börse abbilden. Diese Graphen sind uns aus dem Alltag bekannt und geben auch immer wieder Anlaß zu Sorgen und Ängsten: Erholt sich die Wirtschaft nun\, oder zeichnet sich die nächste Krise bereits am Horizont ab? Verliere ich nächstes Jahr meinen Job? Was passiert mit meinen Ersparnissen in Zeiten von hoher Inflation? \nFRAGEN ÜBER FRAGEN bietet den Besucher*innen die Gelegenheit\, den persönlichen Status quo fragend zu erkunden\, in Relation zu anderen zu diskutieren und die Verlässlichkeit der eigenen Antworten zu überprüfen. \nBiografien \nIn ihren Audio- und Videoinstallationen\, Kurzfilmen und lecture performances untersucht Juliane Zelwies die Psychologie sozialer Interaktionen\, insbesondere die der (menschlichen) Kommunikation.\nVisuell verortet im Grenzland zwischen Dokumentation und Inszenierung\, arbeitet sie immer wieder eng mit Expertengruppen bzw. Einzelpersonen zusammen\, mit denen sie die Konstruktion und Dekonstruktion bestehender Narrative überprüft. \nJuliane Zelwies hat in Stockholm und Philadelphia Bildhauerei und Film studiert und ihr Studium an der UdK Berlin in der Klasse Medienkunst abgeschlossen (Meisterschülerin 2005). Von 2017 – 2020 war sie Stipendiatin für künstlerische Forschung an der Kunstakademie in Tromsø\, Norwegen. Sie schloß das in dieser Zeit entwickelte Projekt 2022 mit einem PhD in künstlerischer Forschung an der Universität in Bergen ab. Ihre Videoarbeiten werden über das Arsenal – Institut für Film und Videokunst\, Berlin\, distribuiert. Ihr Künstlerbuch artistic research\, wurde im März 2021 von Argobooks\, Berlin herausgegeben. \nJuliane Zelwies lebt und arbeitet in Berlin und Tromsø\, Norwegen.\nwww.juliane.de\nhttps://www.instagram.com/julianezelwies/ \nThilo Droste beschäftigt sich in seiner künstlerischen Arbeit mit vorgefundenen Situationen und Kontexten und thematischen Fragestellungen um Originalität und Authentizität. Dabei setzt er der Komplexität in der Bearbeitung von Inhalten eine eulenspiegelhafte Leichtigkeit in der Realisation entgegen – Witz und Nachdenklichkeit\, abgründige Einfachheit und Sinnlichkeit kennzeichnen neben medienübergreifender handwerklichen Expertise das Erscheinungsbild seiner Arbeiten.\nNach einer Ausbildung zum Stuckateursgesellen (2001)\, schloss Thilo Droste das Studium der Freien Kunst an der HBK Braunschweig 2007 mit Auszeichnung ab.\nThilo Droste lebt und arbeitet in Berlin.\nwww.thilodroste.de\nhttps://www.instagram.com/thilo.droste/
URL:https://www.projektraeume-berlin.net/termin/fragen-ueber-fragen-thilo-droste-juliane-zelwies-2/
LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung,Drawing,partizipatoriches Projekt
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SUMMARY:Eröffnung "FRAGEN ÜBER FRAGEN" Thilo Droste / Juliane Zelwies
DESCRIPTION:Ausstellung: 2. September – 30. September 2023\nEröffnung am Freitag\, den 1. September 2023\, 19-22 Uhr \nIst Glück wirklich messbar? Welche Entscheidungen bestimmen unsere Lebensläufe und Lebensentwürfe? Durch welche äußeren Faktoren wird unser Leben beeinflusst?\nThilo Droste und Juliane Zelwies suchen in ihrer gemeinsamen Ausstellung FRAGEN ÜBER FRAGEN nach Antworten.\nSie laden die Besucher*innen ein\, sich Fragen aus dem World Happiness Report zu stellen und damit Teil einer Versuchsanordnung zur Bestimmung des Glückfaktors im Kontext von Kunst und Leben auf der Berliner Brunnenstraße zu werden. \nExhibition: September 2-30\, 2023\nPrivate View: Friday\, Sept 1st\, 2023\, 7-10pm \nIs happiness in fact measurable? What decisions determine the course of our lives and our life plans? What external factors influence our lives?\nThilo Droste and Juliane Zelwies are looking for answers in their collaborative exhibition FRAGEN ÜBER FRAGEN.\nThey invite visitors to ask themselves questions from the World Happiness Report and thus become part of an experimental arrangement to define the happiness factor in the context of art and life on Berlin’s Brunnenstraße.
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SUMMARY:Writings – Achim Kobe
DESCRIPTION:Ausstellung: 15. Juli – 25. August 2023\nÖffnungszeiten: 15.-22. Juli: Do-Fr 15-19 Uhr\, Sa 14-19 Uhr.\nAb dem 23. Juli bis zum 25. August 24h/7 Ausstellung nur im Schaufenster. \nWritings ist eine Serie wechselnder Bild- Schrift- Arbeiten im Schaufenster der Galerie während der Sommerpause. Die Arbeiten auf Papier\, eigens hierfür angefertigt\, nehmen Bezug auf das allgegenwärtige Phänomen des writens im öffentlichen Raum. Die Ausstellung wird zum experimentellen Projekt auf der Straße. Dabei ziehen gerade die Schriften die Aufmerksamkeit der Passanten an und lenken den Blick auf die Bilder. \nSo gibt es den Blockbuster\, der in großer Distanz erst zu lesen ist und von nahem betrachtet fast ein minimalistisches Gemälde sein könnte. Das Silverpiece\, ein klassischer Style\, meist in Kombination mit Schwarz\, früher Rot\, wird hinter Glas zur gerahmten Papierarbeit. Abstrakte Schriften deuten Botschaften nur an\, während die Bildhaftigkeit in den Vordergrund rückt. Zuletzt steht womöglich noch das Geisterbild\, das manchmal bleibt\, wenn das Graffiti längst entfernt wurde. \nInnerhalb der Street Art gibt es Regeln\, die hinter der geschützten Glasscheibe der Galerie eigentlich keine Rolle mehr spielen\, weil das „Piece“ dort nicht „gewreckt“\, also kommentiert\, zerstört\, oder übermalt werden kann. Provokationen könnten aber auch hier zu Vandalismus führen\, wenn die Szene darauf reagiert. Allerdings geht es bei dem Projekt nicht um Burner (besonders gelungene Pieces)\, oder Bites (Nachahmung von Tags\, unbeliebt). \nEs ist ein Versuch der Annäherung an die Optik\, die Ästhetik und die Bildstrategien der in den Straßen praktizierten Typo-Graffiti von heute.It is an attempt to approach the optics\, aesthetics and image strategies of typo-graffiti practiced in the streets of today. \n  \nAchim Kobe\, *1963 in Gießen\,studierte 1985 – `92 bildende Kunst an der Hochschule der Künste Berlin\, bei Henning Kürschner\, Frank Badur und Karl-Horst Hödicke. \n2002 – `06 Gastlehrer für Malerei an der Bauhaus Universität Weimar\,\nHfbK Braunschweig\, und Kunsthochschule Mainz.\n2020 Stipendium Stiftung Kunstfonds Bonn.\n2013 Grafikstipendium im Künstlerhaus München.\n2001 Arbeitsstipendium des Berliner Senats.\nEinzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen u.a.\nin den Galerien loop-raum für aktuelle kunst\, Berlin\,\nMichael Cosar\, Düsseldorf\, Eigen+Art\, Leipzig\, ICA\, London\,\nChristopher Grimes\, Los Angeles\, Thomassen\, Göteborg.\nAchim Kobe lebt und arbeitet in Berlin.
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CATEGORIES:Malerei,Projekt im öffentlichen Raum,Site specific Installation
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SUMMARY:Achim Kobe - Writings
DESCRIPTION:Ausstellung: 15. Juli – 25. August 2023​\nÖffnungszeiten: 15.-22. Juli: Do-Fr 15-19 Uhr\, Sa 14-19 Uhr.\nAb dem 23. Juli bis zum 25. August 24h/7 Ausstellung nur im Schaufenster. \n(English text below) \nWritings ist eine Serie wechselnder Bild- Schrift- Arbeiten im Schaufenster der Galerie während der Sommerpause. Die Arbeiten auf Papier\, eigens hierfür angefertigt\, nehmen Bezug auf das allgegenwärtige Phänomen des writens im öffentlichen Raum. Die Ausstellung wird zum experimentellen Projekt auf der Straße. Dabei ziehen gerade die Schriften die Aufmerksamkeit der Passanten an und lenken den Blick auf die Bilder. \nSo gibt es den Blockbuster\, der in großer Distanz erst zu lesen ist und von nahem betrachtet fast ein minimalistisches Gemälde sein könnte. Das Silverpiece\, ein klassischer Style\, meist in Kombination mit Schwarz\, früher Rot\, wird hinter Glas zur gerahmten Papierarbeit. Abstrakte Schriften deuten Botschaften nur an\, während die Bildhaftigkeit in den Vordergrund rückt. Zuletzt steht womöglich noch das Geisterbild\, das manchmal bleibt\, wenn das Graffiti längst entfernt wurde. \nInnerhalb der Street Art gibt es Regeln\, die hinter der geschützten Glasscheibe der Galerie eigentlich keine Rolle mehr spielen\, weil das „Piece“ dort nicht „gewreckt“\, also kommentiert\, zerstört\, oder übermalt werden kann. Provokationen könnten aber auch hier zu Vandalismus führen\, wenn die Szene darauf reagiert. Allerdings geht es bei dem Projekt nicht um Burner (besonders gelungene Pieces)\, oder Bites (Nachahmung von Tags\, unbeliebt). \nEs ist ein Versuch der Annäherung an die Optik\, die Ästhetik und die Bildstrategien der in den Straßen praktizierten Typo-Graffiti von heute. \n  \nWritings is a series of image/writing works in the gallery window during the summer break. The works on paper\, especially made for this purpose\, refer to the ubiquitous phenomenon of writing in public space. This makes the exhibition an experimental project on the street. \nIt is the legibility of the letters that attract the attention of passers-by and points to the pictures. \nSo there is the Blockbuster\, which can only be read from a great distance and could be almost a minimalist painting from close up. The Silverpiece\, a classic style\, mostly in combination with black\, red in former times\, becomes a framed paperwork behind glass. Abstract lettering hints at messages\, while pictoriality comes to the fore. And at a far end is the Ghost Image\, which sometimes remains when the graffiti has been removed long since. \nWithin Street Art\, there are rules that don’t really matter anymore behind the protected glass pane of the gallery. The „Piece“ cannot be „wrecked“ there\, thus commented\, destroyed\, or painted over. Provocations could anyway lead to vandalism here\, if the scene reacts on it. However\, the project is not about burners (particularly successful pieces)\, nor bites (imitation of tags\, unpopular). \nIt is an attempt to approach the optics\, aesthetics and image strategies of typo-graffiti practiced in the streets of today. \n  \nAchim Kobe\, *1963 in Gießen\,studierte 1985 – `92 bildende Kunst an der Hochschule der Künste Berlin\, bei Henning Kürschner\, Frank Badur und Karl-Horst Hödicke. \n2002 – `06 Gastlehrer für Malerei an der Bauhaus Universität Weimar\,\nHfbK Braunschweig\, und Kunsthochschule Mainz.\n2020 Stipendium Stiftung Kunstfonds Bonn.\n2013 Grafikstipendium im Künstlerhaus München.\n2001 Arbeitsstipendium des Berliner Senats.\nEinzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen u.a.\nin den Galerien loop-raum für aktuelle kunst\, Berlin\,\nMichael Cosar\, Düsseldorf\, Eigen+Art\, Leipzig\, ICA\, London\,\nChristopher Grimes\, Los Angeles\, Thomassen\, Göteborg.\nAchim Kobe lebt und arbeitet in Berlin.
URL:https://www.projektraeume-berlin.net/termin/achim-kobe-writings/
LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung,Malerei,Projekt im öffentlichen Raum,Site specific Installation
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SUMMARY:Writings - Achim Kobe
DESCRIPTION:Ausstellungseröffnung:\nFreitag\, 14.07.2023\, 18-21 Uhr \nAusstellungszeitraum:\n15.07. – 25.08. 2023 \n(English text below) \nWritings ist eine Serie wechselnder Bild- Schrift- Arbeiten im Schaufenster der Galerie während der Sommerpause. Die Arbeiten auf Papier\, eigens hierfür angefertigt\, nehmen Bezug auf das allgegenwärtige Phänomen des writens im öffentlichen Raum. Die Ausstellung wird zum experimentellen Projekt auf der Straße. Dabei ziehen gerade die Schriften die Aufmerksamkeit der Passanten an und lenken den Blick auf die Bilder. \nSo gibt es den Blockbuster\, der in großer Distanz erst zu lesen ist und von nahem betrachtet fast ein minimalistisches Gemälde sein könnte. Das Silverpiece\, ein klassischer Style\, meist in Kombination mit Schwarz\, früher Rot\, wird hinter Glas zur gerahmten Papierarbeit. Abstrakte Schriften deuten Botschaften nur an\, während die Bildhaftigkeit in den Vordergrund rückt. Zuletzt steht womöglich noch das Geisterbild\, das manchmal bleibt\, wenn das Graffiti längst entfernt wurde. \nInnerhalb der Street Art gibt es Regeln\, die hinter der geschützten Glasscheibe der Galerie eigentlich keine Rolle mehr spielen\, weil das „Piece“ dort nicht „gewreckt“\, also kommentiert\, zerstört\, oder übermalt werden kann. Provokationen könnten aber auch hier zu Vandalismus führen\, wenn die Szene darauf reagiert. Allerdings geht es bei dem Projekt nicht um Burner (besonders gelungene Pieces)\, oder Bites (Nachahmung von Tags\, unbeliebt). \nEs ist ein Versuch der Annäherung an die Optik\, die Ästhetik und die Bildstrategien der in den Straßen praktizierten Typo-Graffiti von heute. \n  \nWritings is a series of image/writing works in the gallery window during the summer break. The works on paper\, especially made for this purpose\, refer to the ubiquitous phenomenon of writing in public space. This makes the exhibition an experimental project on the street. \nIt is the legibility of the letters that attract the attention of passers-by and points to the pictures. \nSo there is the Blockbuster\, which can only be read from a great distance and could be almost a minimalist painting from close up.The Silverpiece\, a classic style\, mostly in combination with black\, red in former times\, becomes a framed paperwork behind glass. Abstract lettering hints at messages\, while pictoriality comes to the fore. And at a far end is the Ghost Image\, which sometimes remains when the graffiti has been removed long since. \nWithin Street Art\, there are rules that don’t really matter anymore behind the protected glass pane of the gallery. The „Piece“ cannot be „wrecked“ there\, thus commented\, destroyed\, or painted over. Provocations could anyway lead to vandalism here\, if the scene reacts on it. However\, the project is not about burners (particularly successful pieces)\, nor bites (imitation of tags\, unpopular). \nIt is an attempt to approach the optics\, aesthetics and image strategies of typo-graffiti practiced in the streets of today. \n  \nAchim Kobe\, *1963 in Gießen\,studierte 1985 – `92 bildende Kunst an der Hochschule der Künste Berlin\, bei Henning Kürschner\, Frank Badur und Karl-Horst Hödicke. \n2002 – `06 Gastlehrer für Malerei an der Bauhaus Universität Weimar\,\nHfbK Braunschweig\, und Kunsthochschule Mainz.\n2020 Stipendium Stiftung Kunstfonds Bonn.\n2013 Grafikstipendium im Künstlerhaus München.\n2001 Arbeitsstipendium des Berliner Senats.\nEinzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen u.a.\nin den Galerien loop-raum für aktuelle kunst\, Berlin\,\nMichael Cosar\, Düsseldorf\, Eigen+Art\, Leipzig\, ICA\, London\,\nChristopher Grimes\, Los Angeles\, Thomassen\, Göteborg.\nAchim Kobe lebt und arbeitet in Berlin.
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LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung,Digital Art,Projekt im öffentlichen Raum,Site specific Installation,Vernissage
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SUMMARY:A trans feat. Murat Haschu_ Joanna Stingray says
DESCRIPTION:The artist Murat Haschu is at home in several disciplines and combines graphics\, painting\, textile art\, animation and video. He is creating a kind of graffiti wall with image and text messages out of tufted tapestries and an animation in black and white. Current political topics such as climate change or media overload are dealt with in a subtly ironic way. Murat Haschu points us to the choice between head cinema and the Way of the Samurai. \nMurat Haschu lives and works in Halle /Saale. \nExhibition  14.07.2023 – 21.10.2023  24 hours \nFor further information:  https://www.atrans.org  |  https://www.murathaschu.com  | Facebook/Instagram: atransorg  |  @atrans  |  @murathaschu.com \nEin Teil von DRAUSSENSTADT gefördert von der  Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftliche Zusammenarbeit und Stiftung für Kulturelle Weiterbildung und Kulturberatung
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LOCATION:Vitrine U-Zoologischer Garten (U9)\, Hardenbergplatz\,\, Berlin\, Berlin\, 10787\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung,Installation,Projekt im öffentlichen Raum,Vernissage
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SUMMARY:"Phasen" Konzert / Finissage
DESCRIPTION:am Sonntag\, den 9. Juli um 16 Uhr „Phasen“ von Julia Yoo Soon Gröting\, Violine und Luise Rau\, Violoncello des Ensemles Quillo mit Werken von Kaija Saariaho\, Henrik Ajax\, Hanns Eisler\, Philip Glass und B.A. Zimmermann. Finissage der Ausstellung Artefakt und Interferenz – Harriet Groß | Susanne Piotter mit einem Konzert zum Thema der Phasenverschiebung (kostenlos). \nStörung als Impulsgeber.  Die Kleinplastiken der Serie Artefakte von Susanne Piotter haben eine Anmutung von Architektur\, erinnern an Rohbauten und architektonische Fehlschläge ohne Funktion. Als eigenständige Objekte sind sie ein Plädoyer für die Unvollkommenheit. Harriet Groß’ Installation Interferenz zeichnet Phänomene der Verstärkung und Auslöschung auf. Wie Wellen\, die auf Hindernisse treffen\, versetzen konkurrierende Ereignisse den Raum in rhythmische Schwingungen und werden zu Saiten eines Instruments. \nAusstellungsdauer: 10. Juni – 9. Juli 2023\nÖffnungszeiten: Do-Fr 15-19 Uhr\, Sa 14-19 Uhr. Termine nach Vereinbarung.
URL:https://www.projektraeume-berlin.net/termin/phasen-konzert-finissage/
LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
CATEGORIES:Finissage,Finnisage,Musik
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