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SUMMARY:A trans feat. Elgin Willigerodt_ Wächter
DESCRIPTION:The title of the new series 2024 is A Beast City. Let’s have a look to the absurd\, the beast\, the living world! \nElgin Willigerodt lives and works as an artist in Berlin. Her sculptures are delicate\, abstract and have the human being as their scale. For her\, the concentration on pure form is also an ordering of thoughts\, or even better: a limiting\, condensing of the diffuse\, drifting and unsorted. \nIn her installation Wächter\, she overlays the narrative night-time perspective of the Zoological Garden with brightly colored sculptures made of metal\, Plexiglas and glossy painted kappa board. The ´Wächter´ enter into a dialog with the light reflections and function as abstract hybrid beings that lead us unquestioningly into other worlds. \nhttps://www.atrans.org  | https://www.elgin-willigerodt.de \nFacebook: atransorg  | elginw \nInstagram: @atrans  |  @elginwilligerodt
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LOCATION:Vitrine U-Zoologischer Garten (U9)\, Hardenbergplatz\,\, Berlin\, Berlin\, 10787\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung,Installation,Projekt im öffentlichen Raum,Vernissage
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SUMMARY:Exhibition set up/Opening: Die Obiger Galaxis – compiling Caspar David
DESCRIPTION:A group exhibition with work by: \nMarleen Andreev I Cristina Barroso I Charlotte Bastian I Antje Blumenstein I Betty Boehm I Bretz/Holliger I Susanne Britz I Frank Bubenzer I Stefanie Bühler I Caroline Corleone I Mathias Deutsch I Ulrike Dornis I Thilo Droste I Daniela Ehemann I Lara Faroqhi I Michael Fetzer I Saeed Foroghi I Nicolas Freitag I Nathalie Grenzhaeuser I Harriet Groß I Andrea Grote I Maxim Gunga I Jens Hanke I Anna Heidenhein I Norbert W. Hinterberger I Mia Hochrein I Alexandra Hopf I Iris Hurthe I Cordula Jäger I Thomas Judisch I Franz Jyrch I Rachel Kohn I Edith Kollath/Anne Brannys I Gabriele Künne I Birgit Krause I Marta Leite I Moritz Liebig I Peter Jap Lim I Jorge Lopes I Wolfgang Matzat/Alke Brinkmann I Isabell Alexandra Meldner I Matthias Moravek I Andrea Morein I Enrico Niemann I NN I Antonio Panetta I Lisa Peters/Lisa Drost I Veronika Pfaffinger I Mona Pourebrahim I Torsten Prothmann I Thomas & Renée Rapedius I Ilka Raupach I Florian Richter I Maja Rohwetter I Nait Rosenfelder I Christoph Roßner I Hansjörg Schneider I Anita Stöhr Weber I Jiří Surůvka I Dagmar Tränkle I Clemens Tremmel I Mathias Völcker I Wiebke Maria Wachmann I Yvonne Wahl I Daniel Wiesenfeld I Left Winter I Melanie Wiora I Gabriele Worgitzki I Linhan Yu I Frank Zitzsmann I Oliver Zwink \nExhibition set up / Opening\nFriday\, Dec 15\, 2023\, 6 -10 pm \nOn View\nDec 16\, 2023 – Jan 13\, 2024 \nChristmas break\nDec 23\, 2023 – Jan 5\, 2024 \n  \nHow should we think about the unity and at the same time the difference between nature and spirit\, as was already the case in the 18th century\, and what consequences does this have for the way we deal with nature today? According to Bruno Latour\, Caspar David Friedrich can be called a visionary of the Anthropocene. His relevance remains unbroken and represents an ideal starting point for a variety of artistic references\, which will engage in a process-orientated critical discourse on the opening evening. Let’s celebrate his 250th birthday together. \nAXEL OBIGER . Brunnenstraße 29 . 10119 Berlin\nThu – Sa 3–7 pm\, and by appointment\nwww.axelobiger.com
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LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung,Drawing,Fotografie,Malerei,partizipatoriches Projekt,Skulptur,Vernissage
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SUMMARY:„geometric bodies\, kitsch and aspects of power“ Katharina Reich / Saeed Foroghi
DESCRIPTION:11. November – 8. Dezember 2023\nAXEL OBIGER . Brunnenstraße 29 . 10119 Berlin\nDo – Sa 15 – 19 Uhr\, und nach Vereinbarung \nStatements \nKatharina Reich baut Soziale Plastiken. Ihr Material: Sammlungen verschiedener Art – Gegenstände\, ihre Verwendung\, ihre Sprache\, ihre Geschichte\, beschafft durch Tausch\, Leihgabe\, Fund. Das Sammeln\, Ordnen und Umordnen schafft einen Raum\, um eine neue Auseinandersetzung mit Herkunft und Geschichte anzustoßen. \nFür die Arbeit Grabvasen ersetzt sie auf Friedhöfen stark beanspruchte alte Vasen durch neue. Erstere stellt sie aus. Einige stehen in Steckschaum\, andere liegen gespiegelt darauf. Öffnung auf Öffnung\, Nutzungsspuren und Erinnerungen eingeschrieben. \nSaeed Foroughi ging es in seiner künstlerischen Arbeit immer darum\, die Künstlichkeit und Konstruktion der Dinge sichtbar zu machen: von geografischen Grenzen\, Flaggen\, Nationalitäten\, Hautfarben und sogar ästhetischen Prinzipien. Das Medium seiner Werke definiert sich nicht nur nach der Ausgangsidee des jeweiligen Werkes\, sondern stets auch nach dem Ort seiner Umsetzung. \n„Gibst du mir einen künstlerischen Kuss?“ Diese Frage stellte ihm seine Mutter\, als er fünf war. Für sie begann die Kunst im Film – nämlich dort\, wo das wirkliche Leben endet. In seiner künstlerischen Praxis setzt er sich mit der Frage „Wann ist Kunst“ statt „Was ist Kunst“ auseinander und dabei erforscht er das Verhältnis zwischen „Kunst“ und der „Wirklichkeit“. \nBiografien \nKatharina Reich (* 1987 in Tjumen\, Westsibirien) ist 1996 nach Deutschland umgesiedelt und zählt zu den sogenannten Russlanddeutschen. Mit Elementen aus Kitsch\, Machtphänomenen und geometrischen Körpern baut sie raumgreifende Soziale Plastiken. Sie studierte von 2010 bis 2016 Bildende Kunst an der Kunsthochschule Kassel bei Prof. Norbert Radermacher\, von dem sie zur Meisterschülerin ernannt wurde. Sie lebt und arbeitet in Berlin. \nWebseite: https://katharinareich.de \nSaeed Foroghi wurde im Jahr 1977 in Kerman / Iran geboren. Nach seinem Studium der Architektur an der IUST in Teheran (1996-2003) begann er 2005 an der HfBK Dresden sein zweites Studium im Bereich Malerei und Grafik und schloss dort mit dem Sommersemester 2014 sein Meisterschülerstudium im Fachbereich Bildende Künste in der Fachklasse von Professor Martin Honert erfolgreich ab. In seiner Klasse der künstlerischen Praxis des dreidimensionalen Gestaltens arbeitete er zunächst als Tutor und nach seinem Abschluss auch als Lehrbeauftragter. \nWebseite: http://www.saeed-foroghi.com/
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SUMMARY:Katharina Reich / Saeed Foroghi "geometric bodies\, kitsch and aspects of power"
DESCRIPTION:geometric bodies\, kitsch and aspects of power\nKatharina Reich / Saeed Foroghi \nAusstellungsdauer\n11. November – 8. Dezember 2023 \nEröffnung\nFreitag\,10. November 2023\, 18 – 22 Uhr \nStatements \nKatharina Reich baut Soziale Plastiken. Ihr Material: Sammlungen verschiedener Art – Gegenstände\, ihre Verwendung\, ihre Sprache\, ihre Geschichte\, beschafft durch Tausch\, Leihgabe\, Fund. Das Sammeln\, Ordnen und Umordnen schafft einen Raum\, um eine neue Auseinandersetzung mit Herkunft und Geschichte anzustoßen. Saeed Foroghi: „Gibst du mir einen künstlerischen Kuss?“ Diese Frage stellte mir meine Mutter\, als ich fünf war. Für sie begann die Kunst im Film – nämlich dort\, wo das wirkliche Leben endet. In meiner künstlerischen Praxis setze ich mit der Frage „Wann ist Kunst“ statt „Was ist Kunst“ auseinander und dabei erforsche ich das Verhältnis zwischen „Kunst“ und der „Wirklichkeit“. \nEnglish \nKatharina Reich makes “social sculptures”. Her métier is all manner of collections: objects whose use\, language and stories are drawn from swaps\, loans and refuse. By gathering\, arranging and rearranging\, she creates spaces that prompt new forms of engaging with origins and histories. \nSaeed Foroghi: “Would you give me an artistic kiss?” my mother asked when I was five. For her\, art began in films – namely there\, where real life ends. In my own practice of art\, I have addressed the question “When is art?” instead of “What is art?”\, and thereby examined the relationship between “art” and “reality”. \n  \nBiografien \nKatharina Reich (* 1987 in Tjumen\, Westsibirien) ist 1996 nach Deutschland umgesiedelt und zählt zu den sogenannten Russlanddeutschen. Mit Elementen aus Kitsch\, Machtphänomenen und geometrischen Körpern baut sie raumgreifende Soziale Plastiken. Sie studierte von 2010 bis 2016 Bildende Kunst an der Kunsthochschule Kassel bei Prof. Norbert Radermacher\, von dem sie zur Meisterschülerin ernannt wurde. Sie lebt und arbeitet in Berlin. \nWebseite: katharinareich.de \nSaeed Foroghi wurde im Jahr 1977 in Kerman / Iran geboren. Nach seinem Studium der Architektur an der IUST in Teheran (1996-2003) begann er 2005 an der HfBK Dresden sein zweites Studium im Bereich Malerei und Grafik und schloss dort mit dem Sommersemester 2014 sein Meisterschülerstudium im Fachbereich Bildende Künste in der Fachklasse von Professor Martin Honert erfolgreich ab. In seiner Klasse der künstlerischen Praxis des dreidimensionalen Gestaltens arbeitete er zunächst als Tutor und nach seinem Abschluss auch als Lehrbeauftragter. \nWebseite: www.saeed-foroghi.com \nAXEL OBIGER . Brunnenstraße 29 . 10119 Berlin Do – Sa 15 – 19 Uhr\, und nach Vereinbarung
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SUMMARY:Eröffnung "geometric bodies\, kitsch and aspects of power"
DESCRIPTION:Katharina Reich / Saeed Foroghi\n„geometric bodies\, kitsch and aspects of power“ \nAusstellungsdauer\n11. November – 9. Dezember 2023 \nEröffnung\nFreitag\, 10. November 2023\, 18 – 22 Uhr \nStatements \nKatharina Reich baut Soziale Plastiken. Ihr Material: Sammlungen verschiedener Art – Gegenstände\, ihre Verwendung\, ihre Sprache\, ihre Geschichte\, beschafft durch Tausch\, Leihgabe\, Fund. Das Sammeln\, Ordnen und Umordnen schafft einen Raum\, um eine neue Auseinandersetzung mit Herkunft und Geschichte anzustoßen. \nSaeed Foroghi: „Gibst du mir einen künstlerischen Kuss?“ Diese Frage stellte mir meine Mutter\, als ich fünf war. Für sie begann die Kunst im Film – nämlich dort\, wo das wirkliche Leben endet. In meiner künstlerischen Praxis setze ich mit der Frage „Wann ist Kunst“ statt „Was ist Kunst“ auseinander und dabei erforsche ich das Verhältnis zwischen „Kunst“ und der „Wirklichkeit“. \nEnglish \nKatharina Reich makes “social sculptures”. Her métier is all manner of collections: objects whose use\, language and stories are drawn from swaps\, loans and refuse. By gathering\, arranging and rearranging\, she creates spaces that prompt new forms of engaging with origins and histories. \nSaeed Foroghi: “Would you give me an artistic kiss?” my mother asked when I was five. For her\, art began in films – namely there\, where real life ends. In my own practice of art\, I have addressed the question “When is art?” instead of “What is art?”\, and thereby examined the relationship between “art” and “reality”. \n  \nBiografien \nKatharina Reich (* 1987 in Tjumen\, Westsibirien) ist 1996 nach Deutschland umgesiedelt und zählt zu den sogenannten Russlanddeutschen. Mit Elementen aus Kitsch\, Machtphänomenen und geometrischen Körpern baut sie raumgreifende Soziale Plastiken. Sie studierte von 2010 bis 2016 Bildende Kunst an der Kunsthochschule Kassel bei Prof. Norbert Radermacher\, von dem sie zur Meisterschülerin ernannt wurde. Sie lebt und arbeitet in Berlin. \nWebseite: katharinareich.de \nSaeed Foroghi wurde im Jahr 1977 in Kerman / Iran geboren. Nach seinem Studium der Architektur an der IUST in Teheran (1996-2003) begann er 2005 an der HfBK Dresden sein zweites Studium im Bereich Malerei und Grafik und schloss dort mit dem Sommersemester 2014 sein Meisterschülerstudium im Fachbereich Bildende Künste in der Fachklasse von Professor Martin Honert erfolgreich ab. In seiner Klasse der künstlerischen Praxis des dreidimensionalen Gestaltens arbeitete er zunächst als Tutor und nach seinem Abschluss auch als Lehrbeauftragter. \nWebseite: www.saeed-foroghi.com \nAXEL OBIGER . Brunnenstraße 29 . 10119 Berlin Do – Sa 15 – 19 Uhr\, und nach Vereinbarung
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SUMMARY:Live Event Music / Finissage „soft manifolds”
DESCRIPTION:Live Event Music / Finissage \nSOFT MANIFOLDS\nAnne Jungjohann / Enrico Niemann \nSamstag\, den 4. November 2023\, 16 – 21 Uhr \n20 – 21 Uhr Sondermueller – „Loop-basierte Klanglandschaften“ – live \n​\nIn der Ausstellung von Anne Jungjohann und Enrico Niemann haben wir es mit vielschichtigen Prozessen zu tun\, die durch Ein- und Entfaltungen taktile Bildobjekte erzeugen. Sie zeigen und verbergen in ihrer ganz eigenen Herangehensweise die Subtilität gemalter und gefalteter Flächen. Hierdurch entstehen Bildobjekte\, die sich zwischen Zwei- und Dreidimensionalität bewegen.\nMannigfaltigkeit\, die auf unterschiedliche sinnliche Eindrücke und gleichfalls auf komplexe Flächen und Räume verweist\, steht bei Enrico Niemann und Anne Jungjohann für das Verformen und Herausfordern von Materialien\, um vielfältige Formen entstehen zu lassen. \nIn the exhibition by Anne Jungjohann and Enrico Niemann we are dealing with complex processes that create tactile image objects through folding and unfolding. In their own unique approach\, both artists show and hide the subtlety of painted and folded surfaces. This creates image objects that move between two- and three-dimensionality. In this context\, the term ‘manifolds’\, otherwise referring to a variety of sensual impressions and likewise to complex surfaces and spaces\, means to deform and challenge material to create an unexpected variety of shapes and motives.\n​ \nBiografische Notizen zu Anne Jungjohann und Enrico Niemann\n​\nAnne Jungjohann lebt und arbeitet in Berlin.\n2008- 2017 Studium Freie Kunst\, Universität der Künste Berlin\n2016 Diplom Bildende Kunst\, Universität der Künste Berlin\n2016 Stipendium Dorothea Konwiarz Foundation\, Berlin\n2017 Meisterschüler Professor Robert Lucander\, UdK Berlin\nHelmut- Thoma Prize\, Helmut- Thoma- Foundation\, Berlin.\n​\n​\nEnrico Niemann *1978\, lebt und arbeitet in Berlin\n2001-07 Studium Freie Kunst\, Bauhaus Universität Weimar\n2022 Stipendium Stiftung Kunstfond Bonn\n2021 Stipendium des MWFK Brandenburg\n2014 Residenz Künstlerhaus Schloss Wiepersdorf\, Stipendium Land Brandenburg\n2007/08 Graduiertenstipendium der Bauhaus-Uni Weimar und des Freistaates Thüringen.
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SUMMARY:A trans feat. Carola Rümper_ KICK BOXING
DESCRIPTION:Eröffnung /Opening \nDonnerstag / Thursday\, 26.10.2023       19:00 – 19:30 \nPerformance mit/by Sreymao Sao (Phnom Penh) \nDas Projekt Kick Boxing zeigt die kambodschanische Kickboxerin LyLy. Die Originalaufnahmen der jungen Frau entstanden 2023 in einem Boxstudio in Phnom Penh\, wo Lyly seit Jahren als einzige Frau trainiert und unterrichtet. Carola Rümper interessierte Pose und Haltung der Kickboxerin und nicht nur das Portrait einer einzelnen Person. Durch die digitale Bearbeitung zum Avatar ist ein übergeordnetes Abbild in Siegerinnen- und Kampfpose entstanden. Die künstlerische Gestaltung und Präsentation greift das Produktionsverfahren `Starschnitt´ der westdeutschen Jugendzeitschrift BRAVO auf. \nCarola Rümper lebt und arbeitet als Künstlerin und Projektraumbetreiberin von mp43-projektraum für das periphere (Berlin) in Berlin. \nThe Kick Boxing project features Cambodian kickboxer LyLy. The original footage of the young woman was taken in 2023 in a boxing studio in Phnom Penh\, where Lyly has been training and teaching for years as the only woman. Carola Rümper was interested in the pose and posture of the kickboxer and not just the portrait of a single person. Through the digital processing to the avatar\, a superior image in winning and fighting pose was created. The artistic design and presentation takes up the production process ’star cut‘ of the West German youth magazine BRAVO. \nCarola Rümper lives and works as an artist and project space operator of mp43-projektraum for the peripheral in Berlin. \nWeitere Informationen: | For further informations: \nhttps://www.atrans.org  |  https://www.carola-ruemper.eu \nFacebook/Instagram: @atrans  |  @carolarumper \nhttps:// www.facebook.com/atransorg | https://www.instagram.com/atrans/ \nhttps://www.facebook.com/carola.ruemper | https://www.instagram.com/carolarumper/ \n  \nEin Teil von DRAUSSENSTADT\, \ngefördert von der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftliche Zusammenarbeit\, der Stiftung für Kulturelle Weiterbildung und Kulturberatung\, s \nsowie vom Bezirksamt Charlottenburg-Wilmersdorf Fachbereich Kultur
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CATEGORIES:Ausstellung,Installation
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SUMMARY:"soft manifolds" Anne Jungjohann / Enrico Niemann
DESCRIPTION:Ausstellung: 7. Oktober – 4. November 2023\nEröffnung am Freitag\, den 6. Oktober 2023\, 18-22 Uhr \nEnglish text below\n​\nIn der Ausstellung von Anne Jungjohann und Enrico Niemann haben wir es mit vielschichtigen Prozessen zu tun\, die durch Ein- und Entfaltungen taktile Bildobjekte erzeugen. Sie zeigen und verbergen in ihrer ganz eigenen Herangehensweise die Subtilität gemalter und gefalteter Flächen. Hierdurch entstehen Bildobjekte\, die sich zwischen Zwei- und Dreidimensionalität bewegen.\nMannigfaltigkeit\, die auf unterschiedliche sinnliche Eindrücke und gleichfalls auf komplexe Flächen und Räume verweist\, steht bei Enrico Niemann und Anne Jungjohann für das Verformen und Herausfordern von Materialien\, um vielfältige Formen entstehen zu lassen. \nIn the exhibition by Anne Jungjohann and Enrico Niemann we are dealing with complex processes that create tactile image objects through folding and unfolding. In their own unique approach\, both artists show and hide the subtlety of painted and folded surfaces. This creates image objects that move between two- and three-dimensionality. In this context\, the term ‘manifolds’\, otherwise referring to a variety of sensual impressions and likewise to complex surfaces and spaces\, means to deform and challenge material to create an unexpected variety of shapes and motives.\n​ \nBiografische Notizen zu Anne Jungjohann und Enrico Niemann\n​\nAnne Jungjohann lebt und arbeitet in Berlin.\n2008- 2017 Studium Freie Kunst\, Universität der Künste Berlin\n2016 Diplom Bildende Kunst\, Universität der Künste Berlin\n2016 Stipendium Dorothea Konwiarz Foundation\, Berlin\n2017 Meisterschüler Professor Robert Lucander\, UdK Berlin\nHelmut- Thoma Prize\, Helmut- Thoma- Foundation\, Berlin.\n​\n​\nEnrico Niemann *1978\, lebt und arbeitet in Berlin\n2001-07 Studium Freie Kunst\, Bauhaus Universität Weimar\n2022 Stipendium Stiftung Kunstfond Bonn\n2021 Stipendium des MWFK Brandenburg\n2014 Residenz Künstlerhaus Schloss Wiepersdorf\, Stipendium Land Brandenburg\n2007/08 Graduiertenstipendium der Bauhaus-Uni Weimar und des Freistaates Thüringen.
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SUMMARY:Eröffnung  SOFT MANIFOLDS  Anne Jungjohann / Enrico Niemann
DESCRIPTION:Ausstellung: 7. Oktober – 4. November 2023\nEröffnung am Freitag\, den 6. Oktober 2023\, 18-22 Uhr \n​In der Ausstellung von Anne Jungjohann und Enrico Niemann haben wir es mit vielschichtigen Prozessen zu tun\, die durch Ein- und Entfaltungen taktile Bildobjekte erzeugen. Sie zeigen und verbergen in ihrer ganz eigenen Herangehensweise die Subtilität gemalter und gefalteter Flächen. Hierdurch entstehen Bildobjekte\, die sich zwischen Zwei- und Dreidimensionalität bewegen. \nMannigfaltigkeit\, die auf unterschiedliche sinnliche Eindrücke und gleichfalls auf komplexe Flächen und Räume verweist\, steht bei Enrico Niemann und Anne Jungjohann für das Verformen und Herausfordern von Materialien\, um vielfältige Formen entstehen zu lassen.
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LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung,Malerei,Skulptur
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SUMMARY:FRAGEN ÜBER FRAGEN - Thilo Droste / Juliane Zelwies
DESCRIPTION:Ausstellung: 2. September – 30. September 2023\nEröffnung am Freitag\, den 1. September 2023\, 19-22 Uhr \nIst Glück wirklich universell messbar? Welche unserer Entscheidungen führen zu innerer Befriedigung und Hochstimmung? Hat unser Bedürfnis nach Glück Einfluß auf unsere individuellen Lebensentwürfe? Werden unsere Lebensläufe nicht vielmehr durch äußere\, kulturelle und strukturelle Faktoren bestimmt? \nThilo Droste und Juliane Zelwies suchen in ihrer Ausstellung FRAGEN ÜBER FRAGEN nach Antworten. Sie laden die Besucher*innen ein\, die Welt der Bilanzierung\, Kartografierung und statistischen Erhebung zu betreten und sich persönlich Fragen aus dem World Happiness Report zu stellen. Der Besuch der Ausstellung wird damit Teil einer Versuchsanordnung zur Bestimmung des Glücksfaktors im Kontext von Kunst und Leben auf der Berliner Brunnenstraße. \nAuch in den anderen Arbeiten\, die in der Ausstellung gezeigt werden\, setzen sich die beiden Künstler*innen mit dem Aufzeichnen von Höhen und Tiefen auseinander: \nJuliane Zelwies fragt danach\, wie wir unser Leben subjektiv erleben\, und wie wir unsere Erfahrungen anderen beschreiben. Gibt es Narrative\, auf die wir auf Grund unserer Sozialisation instinktiv zurückgreifen\, reproduzieren wir in diesem Prozess möglicherweise sogar bekannte Mythen? Für Turning Points bat Zelwies Personen in Kanada\, den USA und Deutschland darum\, Situationen zu schildern\, die sie im Nachhinein als Wendepunkte in ihrem Leben interpretierten. Die während der Gespräche entstandenen fragmentarischen Notizen\, die bei Axel Obiger erstmals öffentlich gezeigt werden\, wirken überraschend zeitlos und universell. \nDie Zeichnungen Die Natur des Geldes (Kapitalistische Landschaften) von Thilo Droste basieren auf Chartdarstellungen\, die die Wertentwicklung verschiedener Unternehmen\, Rohstoffe oder Währungen an der Börse abbilden. Diese Graphen sind uns aus dem Alltag bekannt und geben auch immer wieder Anlaß zu Sorgen und Ängsten: Erholt sich die Wirtschaft nun\, oder zeichnet sich die nächste Krise bereits am Horizont ab? Verliere ich nächstes Jahr meinen Job? Was passiert mit meinen Ersparnissen in Zeiten von hoher Inflation? \nFRAGEN ÜBER FRAGEN bietet den Besucher*innen die Gelegenheit\, den persönlichen Status quo fragend zu erkunden\, in Relation zu anderen zu diskutieren und die Verlässlichkeit der eigenen Antworten zu überprüfen. \nBiografien \nIn ihren Audio- und Videoinstallationen\, Kurzfilmen und lecture performances untersucht Juliane Zelwies die Psychologie sozialer Interaktionen\, insbesondere die der (menschlichen) Kommunikation.\nVisuell verortet im Grenzland zwischen Dokumentation und Inszenierung\, arbeitet sie immer wieder eng mit Expertengruppen bzw. Einzelpersonen zusammen\, mit denen sie die Konstruktion und Dekonstruktion bestehender Narrative überprüft. \nJuliane Zelwies hat in Stockholm und Philadelphia Bildhauerei und Film studiert und ihr Studium an der UdK Berlin in der Klasse Medienkunst abgeschlossen (Meisterschülerin 2005). Von 2017 – 2020 war sie Stipendiatin für künstlerische Forschung an der Kunstakademie in Tromsø\, Norwegen. Sie schloß das in dieser Zeit entwickelte Projekt 2022 mit einem PhD in künstlerischer Forschung an der Universität in Bergen ab. Ihre Videoarbeiten werden über das Arsenal – Institut für Film und Videokunst\, Berlin\, distribuiert. Ihr Künstlerbuch artistic research\, wurde im März 2021 von Argobooks\, Berlin herausgegeben. \nJuliane Zelwies lebt und arbeitet in Berlin und Tromsø\, Norwegen.\nwww.juliane.de\nhttps://www.instagram.com/julianezelwies/ \nThilo Droste beschäftigt sich in seiner künstlerischen Arbeit mit vorgefundenen Situationen und Kontexten und thematischen Fragestellungen um Originalität und Authentizität. Dabei setzt er der Komplexität in der Bearbeitung von Inhalten eine eulenspiegelhafte Leichtigkeit in der Realisation entgegen – Witz und Nachdenklichkeit\, abgründige Einfachheit und Sinnlichkeit kennzeichnen neben medienübergreifender handwerklichen Expertise das Erscheinungsbild seiner Arbeiten.\nNach einer Ausbildung zum Stuckateursgesellen (2001)\, schloss Thilo Droste das Studium der Freien Kunst an der HBK Braunschweig 2007 mit Auszeichnung ab.\nThilo Droste lebt und arbeitet in Berlin.\nwww.thilodroste.de\nhttps://www.instagram.com/thilo.droste/
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LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung,Drawing,partizipatoriches Projekt
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SUMMARY:Eröffnung "FRAGEN ÜBER FRAGEN" Thilo Droste / Juliane Zelwies
DESCRIPTION:Ausstellung: 2. September – 30. September 2023\nEröffnung am Freitag\, den 1. September 2023\, 19-22 Uhr \nIst Glück wirklich messbar? Welche Entscheidungen bestimmen unsere Lebensläufe und Lebensentwürfe? Durch welche äußeren Faktoren wird unser Leben beeinflusst?\nThilo Droste und Juliane Zelwies suchen in ihrer gemeinsamen Ausstellung FRAGEN ÜBER FRAGEN nach Antworten.\nSie laden die Besucher*innen ein\, sich Fragen aus dem World Happiness Report zu stellen und damit Teil einer Versuchsanordnung zur Bestimmung des Glückfaktors im Kontext von Kunst und Leben auf der Berliner Brunnenstraße zu werden. \nExhibition: September 2-30\, 2023\nPrivate View: Friday\, Sept 1st\, 2023\, 7-10pm \nIs happiness in fact measurable? What decisions determine the course of our lives and our life plans? What external factors influence our lives?\nThilo Droste and Juliane Zelwies are looking for answers in their collaborative exhibition FRAGEN ÜBER FRAGEN.\nThey invite visitors to ask themselves questions from the World Happiness Report and thus become part of an experimental arrangement to define the happiness factor in the context of art and life on Berlin’s Brunnenstraße.
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LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
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SUMMARY:Writings – Achim Kobe
DESCRIPTION:Ausstellung: 15. Juli – 25. August 2023\nÖffnungszeiten: 15.-22. Juli: Do-Fr 15-19 Uhr\, Sa 14-19 Uhr.\nAb dem 23. Juli bis zum 25. August 24h/7 Ausstellung nur im Schaufenster. \nWritings ist eine Serie wechselnder Bild- Schrift- Arbeiten im Schaufenster der Galerie während der Sommerpause. Die Arbeiten auf Papier\, eigens hierfür angefertigt\, nehmen Bezug auf das allgegenwärtige Phänomen des writens im öffentlichen Raum. Die Ausstellung wird zum experimentellen Projekt auf der Straße. Dabei ziehen gerade die Schriften die Aufmerksamkeit der Passanten an und lenken den Blick auf die Bilder. \nSo gibt es den Blockbuster\, der in großer Distanz erst zu lesen ist und von nahem betrachtet fast ein minimalistisches Gemälde sein könnte. Das Silverpiece\, ein klassischer Style\, meist in Kombination mit Schwarz\, früher Rot\, wird hinter Glas zur gerahmten Papierarbeit. Abstrakte Schriften deuten Botschaften nur an\, während die Bildhaftigkeit in den Vordergrund rückt. Zuletzt steht womöglich noch das Geisterbild\, das manchmal bleibt\, wenn das Graffiti längst entfernt wurde. \nInnerhalb der Street Art gibt es Regeln\, die hinter der geschützten Glasscheibe der Galerie eigentlich keine Rolle mehr spielen\, weil das „Piece“ dort nicht „gewreckt“\, also kommentiert\, zerstört\, oder übermalt werden kann. Provokationen könnten aber auch hier zu Vandalismus führen\, wenn die Szene darauf reagiert. Allerdings geht es bei dem Projekt nicht um Burner (besonders gelungene Pieces)\, oder Bites (Nachahmung von Tags\, unbeliebt). \nEs ist ein Versuch der Annäherung an die Optik\, die Ästhetik und die Bildstrategien der in den Straßen praktizierten Typo-Graffiti von heute.It is an attempt to approach the optics\, aesthetics and image strategies of typo-graffiti practiced in the streets of today. \n  \nAchim Kobe\, *1963 in Gießen\,studierte 1985 – `92 bildende Kunst an der Hochschule der Künste Berlin\, bei Henning Kürschner\, Frank Badur und Karl-Horst Hödicke. \n2002 – `06 Gastlehrer für Malerei an der Bauhaus Universität Weimar\,\nHfbK Braunschweig\, und Kunsthochschule Mainz.\n2020 Stipendium Stiftung Kunstfonds Bonn.\n2013 Grafikstipendium im Künstlerhaus München.\n2001 Arbeitsstipendium des Berliner Senats.\nEinzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen u.a.\nin den Galerien loop-raum für aktuelle kunst\, Berlin\,\nMichael Cosar\, Düsseldorf\, Eigen+Art\, Leipzig\, ICA\, London\,\nChristopher Grimes\, Los Angeles\, Thomassen\, Göteborg.\nAchim Kobe lebt und arbeitet in Berlin.
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CATEGORIES:Malerei,Projekt im öffentlichen Raum,Site specific Installation
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SUMMARY:Achim Kobe - Writings
DESCRIPTION:Ausstellung: 15. Juli – 25. August 2023​\nÖffnungszeiten: 15.-22. Juli: Do-Fr 15-19 Uhr\, Sa 14-19 Uhr.\nAb dem 23. Juli bis zum 25. August 24h/7 Ausstellung nur im Schaufenster. \n(English text below) \nWritings ist eine Serie wechselnder Bild- Schrift- Arbeiten im Schaufenster der Galerie während der Sommerpause. Die Arbeiten auf Papier\, eigens hierfür angefertigt\, nehmen Bezug auf das allgegenwärtige Phänomen des writens im öffentlichen Raum. Die Ausstellung wird zum experimentellen Projekt auf der Straße. Dabei ziehen gerade die Schriften die Aufmerksamkeit der Passanten an und lenken den Blick auf die Bilder. \nSo gibt es den Blockbuster\, der in großer Distanz erst zu lesen ist und von nahem betrachtet fast ein minimalistisches Gemälde sein könnte. Das Silverpiece\, ein klassischer Style\, meist in Kombination mit Schwarz\, früher Rot\, wird hinter Glas zur gerahmten Papierarbeit. Abstrakte Schriften deuten Botschaften nur an\, während die Bildhaftigkeit in den Vordergrund rückt. Zuletzt steht womöglich noch das Geisterbild\, das manchmal bleibt\, wenn das Graffiti längst entfernt wurde. \nInnerhalb der Street Art gibt es Regeln\, die hinter der geschützten Glasscheibe der Galerie eigentlich keine Rolle mehr spielen\, weil das „Piece“ dort nicht „gewreckt“\, also kommentiert\, zerstört\, oder übermalt werden kann. Provokationen könnten aber auch hier zu Vandalismus führen\, wenn die Szene darauf reagiert. Allerdings geht es bei dem Projekt nicht um Burner (besonders gelungene Pieces)\, oder Bites (Nachahmung von Tags\, unbeliebt). \nEs ist ein Versuch der Annäherung an die Optik\, die Ästhetik und die Bildstrategien der in den Straßen praktizierten Typo-Graffiti von heute. \n  \nWritings is a series of image/writing works in the gallery window during the summer break. The works on paper\, especially made for this purpose\, refer to the ubiquitous phenomenon of writing in public space. This makes the exhibition an experimental project on the street. \nIt is the legibility of the letters that attract the attention of passers-by and points to the pictures. \nSo there is the Blockbuster\, which can only be read from a great distance and could be almost a minimalist painting from close up. The Silverpiece\, a classic style\, mostly in combination with black\, red in former times\, becomes a framed paperwork behind glass. Abstract lettering hints at messages\, while pictoriality comes to the fore. And at a far end is the Ghost Image\, which sometimes remains when the graffiti has been removed long since. \nWithin Street Art\, there are rules that don’t really matter anymore behind the protected glass pane of the gallery. The „Piece“ cannot be „wrecked“ there\, thus commented\, destroyed\, or painted over. Provocations could anyway lead to vandalism here\, if the scene reacts on it. However\, the project is not about burners (particularly successful pieces)\, nor bites (imitation of tags\, unpopular). \nIt is an attempt to approach the optics\, aesthetics and image strategies of typo-graffiti practiced in the streets of today. \n  \nAchim Kobe\, *1963 in Gießen\,studierte 1985 – `92 bildende Kunst an der Hochschule der Künste Berlin\, bei Henning Kürschner\, Frank Badur und Karl-Horst Hödicke. \n2002 – `06 Gastlehrer für Malerei an der Bauhaus Universität Weimar\,\nHfbK Braunschweig\, und Kunsthochschule Mainz.\n2020 Stipendium Stiftung Kunstfonds Bonn.\n2013 Grafikstipendium im Künstlerhaus München.\n2001 Arbeitsstipendium des Berliner Senats.\nEinzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen u.a.\nin den Galerien loop-raum für aktuelle kunst\, Berlin\,\nMichael Cosar\, Düsseldorf\, Eigen+Art\, Leipzig\, ICA\, London\,\nChristopher Grimes\, Los Angeles\, Thomassen\, Göteborg.\nAchim Kobe lebt und arbeitet in Berlin.
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CATEGORIES:Ausstellung,Malerei,Projekt im öffentlichen Raum,Site specific Installation
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SUMMARY:Writings - Achim Kobe
DESCRIPTION:Ausstellungseröffnung:\nFreitag\, 14.07.2023\, 18-21 Uhr \nAusstellungszeitraum:\n15.07. – 25.08. 2023 \n(English text below) \nWritings ist eine Serie wechselnder Bild- Schrift- Arbeiten im Schaufenster der Galerie während der Sommerpause. Die Arbeiten auf Papier\, eigens hierfür angefertigt\, nehmen Bezug auf das allgegenwärtige Phänomen des writens im öffentlichen Raum. Die Ausstellung wird zum experimentellen Projekt auf der Straße. Dabei ziehen gerade die Schriften die Aufmerksamkeit der Passanten an und lenken den Blick auf die Bilder. \nSo gibt es den Blockbuster\, der in großer Distanz erst zu lesen ist und von nahem betrachtet fast ein minimalistisches Gemälde sein könnte. Das Silverpiece\, ein klassischer Style\, meist in Kombination mit Schwarz\, früher Rot\, wird hinter Glas zur gerahmten Papierarbeit. Abstrakte Schriften deuten Botschaften nur an\, während die Bildhaftigkeit in den Vordergrund rückt. Zuletzt steht womöglich noch das Geisterbild\, das manchmal bleibt\, wenn das Graffiti längst entfernt wurde. \nInnerhalb der Street Art gibt es Regeln\, die hinter der geschützten Glasscheibe der Galerie eigentlich keine Rolle mehr spielen\, weil das „Piece“ dort nicht „gewreckt“\, also kommentiert\, zerstört\, oder übermalt werden kann. Provokationen könnten aber auch hier zu Vandalismus führen\, wenn die Szene darauf reagiert. Allerdings geht es bei dem Projekt nicht um Burner (besonders gelungene Pieces)\, oder Bites (Nachahmung von Tags\, unbeliebt). \nEs ist ein Versuch der Annäherung an die Optik\, die Ästhetik und die Bildstrategien der in den Straßen praktizierten Typo-Graffiti von heute. \n  \nWritings is a series of image/writing works in the gallery window during the summer break. The works on paper\, especially made for this purpose\, refer to the ubiquitous phenomenon of writing in public space. This makes the exhibition an experimental project on the street. \nIt is the legibility of the letters that attract the attention of passers-by and points to the pictures. \nSo there is the Blockbuster\, which can only be read from a great distance and could be almost a minimalist painting from close up.The Silverpiece\, a classic style\, mostly in combination with black\, red in former times\, becomes a framed paperwork behind glass. Abstract lettering hints at messages\, while pictoriality comes to the fore. And at a far end is the Ghost Image\, which sometimes remains when the graffiti has been removed long since. \nWithin Street Art\, there are rules that don’t really matter anymore behind the protected glass pane of the gallery. The „Piece“ cannot be „wrecked“ there\, thus commented\, destroyed\, or painted over. Provocations could anyway lead to vandalism here\, if the scene reacts on it. However\, the project is not about burners (particularly successful pieces)\, nor bites (imitation of tags\, unpopular). \nIt is an attempt to approach the optics\, aesthetics and image strategies of typo-graffiti practiced in the streets of today. \n  \nAchim Kobe\, *1963 in Gießen\,studierte 1985 – `92 bildende Kunst an der Hochschule der Künste Berlin\, bei Henning Kürschner\, Frank Badur und Karl-Horst Hödicke. \n2002 – `06 Gastlehrer für Malerei an der Bauhaus Universität Weimar\,\nHfbK Braunschweig\, und Kunsthochschule Mainz.\n2020 Stipendium Stiftung Kunstfonds Bonn.\n2013 Grafikstipendium im Künstlerhaus München.\n2001 Arbeitsstipendium des Berliner Senats.\nEinzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen u.a.\nin den Galerien loop-raum für aktuelle kunst\, Berlin\,\nMichael Cosar\, Düsseldorf\, Eigen+Art\, Leipzig\, ICA\, London\,\nChristopher Grimes\, Los Angeles\, Thomassen\, Göteborg.\nAchim Kobe lebt und arbeitet in Berlin.
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CATEGORIES:Ausstellung,Digital Art,Projekt im öffentlichen Raum,Site specific Installation,Vernissage
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SUMMARY:A trans feat. Murat Haschu_ Joanna Stingray says
DESCRIPTION:The artist Murat Haschu is at home in several disciplines and combines graphics\, painting\, textile art\, animation and video. He is creating a kind of graffiti wall with image and text messages out of tufted tapestries and an animation in black and white. Current political topics such as climate change or media overload are dealt with in a subtly ironic way. Murat Haschu points us to the choice between head cinema and the Way of the Samurai. \nMurat Haschu lives and works in Halle /Saale. \nExhibition  14.07.2023 – 21.10.2023  24 hours \nFor further information:  https://www.atrans.org  |  https://www.murathaschu.com  | Facebook/Instagram: atransorg  |  @atrans  |  @murathaschu.com \nEin Teil von DRAUSSENSTADT gefördert von der  Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftliche Zusammenarbeit und Stiftung für Kulturelle Weiterbildung und Kulturberatung
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CATEGORIES:Ausstellung,Installation,Projekt im öffentlichen Raum,Vernissage
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SUMMARY:"Phasen" Konzert / Finissage
DESCRIPTION:am Sonntag\, den 9. Juli um 16 Uhr „Phasen“ von Julia Yoo Soon Gröting\, Violine und Luise Rau\, Violoncello des Ensemles Quillo mit Werken von Kaija Saariaho\, Henrik Ajax\, Hanns Eisler\, Philip Glass und B.A. Zimmermann. Finissage der Ausstellung Artefakt und Interferenz – Harriet Groß | Susanne Piotter mit einem Konzert zum Thema der Phasenverschiebung (kostenlos). \nStörung als Impulsgeber.  Die Kleinplastiken der Serie Artefakte von Susanne Piotter haben eine Anmutung von Architektur\, erinnern an Rohbauten und architektonische Fehlschläge ohne Funktion. Als eigenständige Objekte sind sie ein Plädoyer für die Unvollkommenheit. Harriet Groß’ Installation Interferenz zeichnet Phänomene der Verstärkung und Auslöschung auf. Wie Wellen\, die auf Hindernisse treffen\, versetzen konkurrierende Ereignisse den Raum in rhythmische Schwingungen und werden zu Saiten eines Instruments. \nAusstellungsdauer: 10. Juni – 9. Juli 2023\nÖffnungszeiten: Do-Fr 15-19 Uhr\, Sa 14-19 Uhr. Termine nach Vereinbarung.
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CATEGORIES:Finissage,Finnisage,Musik
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SUMMARY:"Phasen": Ensemble Quillo with Julia Yoo Soon Gröning\, violin and Luise Rau\, cello
DESCRIPTION:„Phasen“ on July 9\, 2023 at 4pm: Ensemble Quillo with Julia Yoo Soon Gröning\, violin and Luise Rau\, cello \nArtefakt und Interferenz\nHarriet Groß | Susanne Piotter \nDisorder as stimulation. The small sculptures in Susanne Piotter’s Artefakt series evoke an impression of architecture\, reminiscent of building shells and architectural failures without function. As autonomous objects\, they are a plea for imperfection. Harriet Groß’s installation Interferenz records phenomena of amplification and extinction. Like waves hitting obstacles\, competing ideas set the space into rhythmic oscillations and turn into strings of an instrument. \nExhibition Dates: June 10 – July 9\, 2023\nOpening hours: Th-Fr 3-7pm\, Sa 2-7pm\, and by appointment.\nAdmission FREE
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SUMMARY:Artefakt und Interferenz - Harriet Groß | Susanne Piotter
DESCRIPTION:Ausstellung: 10. Juni – 9. Juli 2023.\nÖffnungszeiten: Do-Fr 15-19 Uhr\, Sa 14-19 Uhr und nach Vereinbarung \n  \nStörung als Impulsgeber. \nDie kleinen\, fast handlichen\, aus Beton gegossenen Objekte von Susanne Piotter\, die den Titel Artefakte tragen\, lassen an Miniaturen utopisch-futuristischer Architekturen denken\, deren Originale heute vielleicht verlassen sind oder nicht mehr existieren\, die vielleicht nie existiert haben. Ihre ins Nichts führenden Treppen\, die offenen Dächer\, die verschlossenen oder zerklüfteten Fassaden erinnern gleichsam an Architekturen\, die im Entwurfsprozess verworfen wurden\, da sie sich als unrealisierbar entpuppten.\nDas Prozessuale und Wandelbare\, das die Anschauung der Objekte kennzeichnet\, bestimmt auch den Prozess ihrer Entstehung. Susanne Piotter denkt ihre Objekte nicht ausgehend von der finalen Erscheinung\, sondern von der Negativform her\, die sie aus Bausteinen und Styropor konstruiert und später mit flüssigem Beton ausgießt. Aus der Gussform löst sich nicht zwangsweise das fertige Objekt. Vielmehr sind viele der Artefakte aus zwei oder drei in Beton gegossenen Einzelteilen zusammengesetzt. Die Künstlerin probiert dabei so lange verschiedene Möglichkeiten aus\, bis sie eine zufrieden stellende Lösung gefunden hat. Ihr Vorgehen ist eines\, das Fehlschläge in Kauf nimmt\, diese sogar von vornherein bewusst mit einplant. (Auszug aus dem Katalogtext „Wie Grüße aus einer vergangenen Zukunft – Susanne Piotters Artefakte als Reflexionen über Architektur und städtebaulichen Wandel“\, von Rahel Schrohe\, 2022). \nHarriet Groß’ Installation Interferenz zeichnet Phänomene der Verstärkung und Auslöschung auf\, wie sie durch Phasenverschiebung bei visuellen und akustischen Wellen entstehen sobald diese auf Hindernisse treffen. Durch jede Art von Ordnungsraster – hier der aus Linien gewebten Metallgaze – werden nicht nur im physikalischen Bereich „Störungen“ erzeugt\, sie beeinflussen alle unsere Wahrnehmungs- und Lernprozesse. Welche Rasterfilter durchlaufen unsere Eindrücke? Welche sintern bis in unser Gedächtnis? Welche Überlagerungen prägen unser Begreifen der Welt und unser zukünftiges Handeln? Die Interferenz von Ereignissen fordert eine Veränderung des Blickwinkels\, wie es auch im Spiel mit den Lentikulardrucken thematisiert wird.\nDas scheinbar starre System des Metallgitters wird hier bewußt widersprüchlich zur ersten Materialerwartung in weichen sich überlagernden Falten an der Wand befestigt. Die darauf locker gezeichneten Liniensysteme erzeugen je nach Perspektive und Lichteinfall eine Vertiefung ihrer Farbwirkung\, wie Obertöne mit einem gewissen Rauschanteil. Ein visueller Rhythmus\, ein Flirren entsteht und verwandelt die Gebilde zu Klanglandschaften. Im gesamten Ausstellungsraum wird so eine mehrstimmige Textur konkurrierender Ereignisse geschaffen. Drahtzeichnungen und Wellenschwingungen erzeugen wie die Saiten eines Instrumentes die Polyphonie eines dreidimensionalen Klangbildes im Betrachter. Interferenz als Partitur für Neues. \n  \nSusanne Piotter mit Ausbildungshintergrund Grafik- und Multimediadesign\, hat an der Akademie der Bildenden Künste Maastricht (NL) Bühnenbild studiert. Ihre Arbeiten sind in öffentlichen Sammlungen wie der Kunstsammlung der Artothek der Landesbibliothek Berlin (ZLB)\, der Collection Otra feria de arte\, Argentinien\, Sammlung Mag. Alexandra Hanzl\, MBA\, Lichtenstein – The Princely Collections und der Sammlung ukb Unfallkrankenhaus Berlin vertreten und waren in zahlreichen Ausstellungen in Deutschland und Europa zu sehen. \nHarriet Groß hat Medizin an der Freien Universität Berlin und Bildenden Kunst an der Hochschule der Künste Berlin und dem Royal College of Art in London studiert. Ihre Zeichnungen\, Cutouts und Rauminstallationen sind in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen vertreten (u.a. dem Kupferstichkabinett Berlin\, dem CGAC Santiago de Compostela\, der Herzogin Amalia Bibliothek Weimar\, dem Haus des Rundfunks Berlin). Regelmäßig werden sie in Einzel- und Gruppenausstellungen international gezeigt.
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SUMMARY:Vernissage "Artefakt und Interferenz" Harriet Groß | Susanne Piotter
DESCRIPTION:Eröffnung am Freitag\, den 9. Juni 2023\, 19 – 22 Uhr \nStörung als Impulsgeber. Die Kleinplastiken der Serie Artefakte von Susanne Piotter haben eine Anmutung von Architektur\, erinnern an Rohbauten und architektonische Fehlschläge ohne Funktion. Als eigenständige Objekte sind sie ein Plädoyer für die Unvollkommenheit. Harriet Groß’ Installation Interferenz zeichnet Phänomene der Verstärkung und Auslöschung auf. Wie Wellen\, die auf Hindernisse treffen\, versetzen konkurrierende Ereignisse den Raum in rhythmische Schwingungen und werden zu Saiten eines Instruments. \nAusstellung: 10. Juni – 9. Juli 2023.\nÖffnungszeiten: Do-Fr 15-19 Uhr\, Sa 14-19 Uhr und nach Vereinbarung
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SUMMARY:„chapiteau“ Christian Hellmich / Matthias Moravek
DESCRIPTION:Ausstellungsdauer\n6. Mai – 3. Juni 2023 \nEröffnung am Freitag\, den 5. Mai 2023\, 19-22 Uhr \nDer Titel der Ausstellung (Franz. für Zirkuszelt) spannt bereits den gemeinsamen Raum auf\, in dem sich Christian Hellmich und Matthias Moravek künstlerisch die Bälle zuwerfen. Bild und Skulptur als artistische Bühne\, als Raum für Magie\, Imagination und Illusion oder als circensische Inszenierung. \nEnglish Text \nThe exhibition title (French: circus tent) already characterizes the artistic idea Christian Hellmich and Matthias Moravek are playing around with: Their paintings and sculptures are all dealing with aspects of the imaginary and illusionary\, be it misterious or clownesque. Let the magic happen!
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SUMMARY:OBJECTS
DESCRIPTION:OBJECTS \nAusstellung: 31. März – 29. April 2023\nVernissage: Freitag\, 31. März 2023\, 19-22 Uhr \nLouise Bristow / Louisa Chambers / Lisa Denyer / Caitlin Griffiths / David Hancock / Peter Hock / Jeffrey Knopf & Angela Tait / Merja Kokkonen / Gabriele Künne / Niina Lehtonen Braun / Matthew Macaulay / Maja Rohwetter / Ruby Tingle / Lisa Wilkens / Hannah Wooll \nDie Ausstellung “Objects“ setzt Untersuchungen zum Begriff des Stilllebens in einer erneuten Zusammenarbeit zwischen der PAPER Galerie Manchester und Axel Obiger fort. Sie zeigt 16 künstlerische Positionen aus Berlin und dem Vereinigten Königreich\, die das Genre in neuer Art und Weise untersuchen und interpretieren. Galt das Stillleben einst als die am wenigsten geschätzte Bildgattung der Kunst\, lassen sich jedoch gerade in der Komposition von Objekten Fragestellungen zur Härte des täglichen Lebens\, zur Zerbrechlichkeit der menschlichen Existenz und der Bedrohung durch den Tod in ungewohnt eindringlicher Weise vermitteln. Diese Themen durchdringen das Genre und bleiben darin bis heute präsent\, stetig unter der Oberfläche köchelnd. \nPAPER ist eine von Künstler*innen geführte Galerie mit Sitz in Manchester. Sie vertritt junge und etabliertere Künstler*innen\, in deren Arbeit das Medium Papier eine zentrale Rolle spielt. Die Galerie arbeitet regelmäßig mit anderen nationalen und internationalen Projekträumen und Galerien zusammen und hat kürzlich das online Magazin Fourdrinier (www.thefourdrinier.com) mit dem Schwerpunkt auf Kunst auf Papier herausgebracht. \nAxel Obiger ist ein von Künstler*innen geführter Berliner Projektraum\, der Modelle und Mechanismen der Kunstszene und des Kunstmarktes hinterfragt und dessen Schwerpunkt ebenfalls in der Kooperation und Vernetzung mit nationalen und internationalen Künstlern und Projekträumen liegt.
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SUMMARY:Finissage REAGENZIEN - Alke Brinkmann und Wolfgang Matzat
DESCRIPTION:Finissage am Samstag\, den 25. März 2023 ab 16.00 Uhr\nFinissage Saturday\, March 25\, 2023 from 4pm-8pm \nREAGENZIEN / REAGENTS\nAlke Brinkmann und Wolfgang Matzat \n25.Februar 2023 – 25. März 2023 \nReagenzien\nDas wilde Furnier aus den Fehlwüchsen der Bäume bekommt in unseren gemeinsamen Bildern eine neue Bedeutung. Gleich eines mikroskopischen Präparates wird es geschnitten und gefärbt und zum Ausgangspunkt\, um über das Wesen der Natur und die Schönheit des Abnormen nachzudenken. \nWolfgang Matzat ist gelernter Tischler und studierte Kunst in Kassel und Berlin.\nAlke Brinkmann studierte Kunst und Biologie in Berlin. Sie leben und arbeiten in Berlin und haben vier gemeinsame Kinder. \nReagents\nThe wild looking veneer\, sourced from ailing trees\, breathes new life with our collaborative intervention. Cut and stained like a microscopic specimen it becomes the starting point of contemplation about the essence of nature and the beauty of imperfection. \nWolfgang Matzat is a carpenter and studied art in Kassel and Berlin.\nAlke Brinkmann studied art and biology in Berlin. They live and work in Berlin with their four children together.
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SUMMARY:REAGENZIEN  I  Alke Brinkmann und Wolfgang Matzat
DESCRIPTION:25.Februar 2023 – 25. März 2023 \nEröffnung am Freitag\, den 24. Februar 2023 ab 19.00 Uhr \nFinissage am Samstag\, den 25. März 2023 ab 16.00 Uhr \nReagenzien\nDas wilde Furnier aus den Fehlwüchsen der Bäume bekommt in unseren gemeinsamen Bildern eine neue Bedeutung. Gleich eines mikroskopischen Präparates wir es geschnitten und gefärbt und zum Ausgangspunkt\, um über das Wesen der Natur und die Schönheit des Abnormen nachzudenken. \nWolfgang Matzat ist gelernter Tischler und studierte Kunst in Kassel und Berlin.\nAlke Brinkmann studierte Kunst und Biologie in Berlin. Sie leben und arbeiten in Berlin und haben vier gemeinsame Kinder.
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SUMMARY:ZIMMER frei? =  Stadt >> Raum >> Kunst  (Talk und Diskussion)
DESCRIPTION:Donnerstag\, 16. Februar 2023\, 19 Uhr \nZIMMER frei?\nStadt >> Raum >> Kunst \nTalk und Diskussion in der Lobby mit \nDr. Martin Schwegmann\nArchitekt und Stadtforscher\, Atelierbeauftragter des BBK \nMatthias Mayer\nKünstler Kurator\, Projektraumbetreiber \nStefano Gualdi\nKunsthistoriker und -vermittler\, Projektraum-Manager bei Axel Obiger \nAxel Obiger als Hotellobby? Als Künstlerische Inszenierung\, touristisches Entrée oder urbanistische Vorahnung?\nDer rote Teppich ist beides: Eine einladende Geste an den Stadtraum\, die Straße und seine Bewohner*innen und zugleich eine düstere Dystopie der Verdrängung künstlerischer Produktionsräume und Experimentierfelder in unserer Stadt. Die Lobby wird einerseits zum Versprechen eines transitorischen Ortes und zur glamourösen Projektionsfläche und andererseits zur Vorahnung einer städtebaulichen Metamorphose\, die die Frage nach der Rolle\, Existenzberechtigung und Dringlichkeit künstlerischer Produktions- und Präsentationsräume im unmittelbaren urbanen Umfeld stellt.\nDie Veranstaltung unternimmt den Versuch einer kurzen Bestandsaufnahme zur Situation künstlerischer Produktions- und Projekträume in Berlin und versucht von hier aus Ideen und Utopien für eine nahe und ferne Zukunft zum Verhältnis von Stadtraumentwicklung und künstlerischem Freiraum\, zu Tourismus und Kunst\, urbanistischer Gestaltung und ökonomischer Realität zu entwickeln.\nDenken Sie mit! \nDr. Martin Schwegmann ist Architekt und Stadtforscher\, Experte für Stadtentwicklung\, Aktivist\, Autor und Moderator von kooperativen urbanen Prozessen. Seit April 2017 arbeitet er als Atelierbeauftragter für Berlin im Kulturwerk des bbk berlin. Als Planer und Experte begleitete er verschiedene städtebauliche Projekte im In- und Ausland. In zahlreichen Publikationen\, Lehraufträgen\, Förderprogrammen und Kulturinitiativen beschäftigt er sich mit den Themen Stadtentwicklung und Gestaltung\, Bürgerbeteiligung\, Transsektorale Zusammenarbeit (Politik\, Kultur\, Wirtschaft\, Zivilgesellschaft)\, Kulturförderung und Urban Commons\, sowie mit dem Zustand\, Potential und Entwicklung künstlerischer Produktionsräume in Berlin. \nMatthias Mayer arbeitet als Künstler\, Kurator und Ausstellungsmacher seit Anfang der 1990er Jahre. 2003 eröffnete er den Projektraum Spor Klübü als Mitglied des Projektraumverbundes Kolonie Wedding. Er engagierte sich kulturpolitisch u.a. im Netzwerk freier Berliner Projekträume und -initiativen und im Sprecher*innenkreis der Koalition der Freien Szene Berlin\, setzt sich für die (infra)strukturellen Belange der Räume und Initiativen ein und beschäftigt sich mit Themen wie Gentrifizierung und räumliche Veränderungsprozesse in Berlin. Zudem co-koordinierte er das Veranstaltungsformat „One Night Stand“ in Kooperation mit den KW Institute for Contemporary Art um die Arbeit von Projekträumen und -initiativen im städtischen Kontext sichtbarer zu machen. \nStefano Gualdi ist promovierter Kunst- und Architekturhistoriker. 1993 begann sein Werdegang als Ausstellungskurator\, Kunstkritiker und künstlerischer Berater für öffentliche und private Kulturinstitutionen in Norditalien. 1998 kam er erstmalig mit Berlins Kunstszene in Berührung und spürte die Dynamik der Stadt. Zwei Jahre später eröffnete er selbst einen Pop-up-Ausstellungsraum in Berlin Mitte. Seitdem lebt und arbeitet er in der deutschen Kulturmetropole und ist als Galeriemanager\, Korrespondent von Kunstzeitschriften und Mitbegründer der Agentur GoArt! tätig. Ab 2010 bietet er Incoming Services für Kulturreisende und ist seit 2020 auch für die Kommunikation und Kunstvermittlung von Axel Obiger zuständig. \nZIMMER frei!\nAusstellung 21.1.-18.2.2023 \nEin Hotelzimmer ist ein Durchgangsort\, ein „Nicht-Ort“ (non-lieu\, nach Marc Augé)\, der jedoch bewohnt und damit personalisiert wird von dem\, der ihn betritt. Kurz gesagt\, eine Grauzone\, die genau wie die zeitgenössische Kunst auf halbem Weg zwischen öffentlichem und privatem Raum angesiedelt ist. Tatsächlich sind Hotelzimmer jedoch oft nur mit Reproduktionen berühmter Werke oder mit dekorativen Bildern ausgestattet. \nMit dem Projekt ZIMMER frei möchte Axel Obiger die Ergebnisse der Verbindung zwischen einem bewohnbaren\, aber unpersönlichen Raum und zeitgenössischer künstlerischer Forschung zeigen. Der Ausstellungsraum verwandelt sich dann in eine Hotellobby\, in der jeder Künstler das Konzept eines Hotelzimmers auf seine eigene Weise neu ausarbeitet. Daher der Name ZIMMER frei: Zimmer als öffentlicher/privater Raum\, frei wie die Kunst. (SG) \nAxel Obiger – Raum für zeitgenössische Kunst Brunnenstraße 29\, 10119 Berlin\nDo-Fr 15-19 Uhr Sa 14-19 Uhr
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SUMMARY:A trans feat. PETER PIEK_ THE END IS IMPORTANT IN ALL THINGS
DESCRIPTION:The new exhibition series is inspired by the film Ghost Dog: The Way of the Samurai by Jim Jarmush from the year 1999 that portrays the story of societal outsiders\, living in a sort of parallel universe and learning of the consequences of absolute dedication to one’s own self as an ideal. \n\n\nA TRANS has invited a selection of protagonists to depict their own (or a chosen) journey through life. \n\n\nPeter Piek is an artist and musician who has developed a very unique artistic visual language. Partly he creates his artistic world while traveling. In the performances he alternates between painting and making music. He finds his freedom in time through repeat and rhythm and in space through colors. \n\n\nIn the A TRANS vitrine Peter Piek starts a new experiment ‘in the underground‘\, directly on the platform and visible to the public. \n\n\nPeter Piek lives and works in Leipzig\, he studied at the Academy of Arts Leipzig. \n\n\n  \n\n\n(German summary) \n\n\nTHE END IS IMPORTANT IN ALL THINGS (Das Ende ist wichtig in allen Dingen) \n\n\nDie neue Ausstellungsserie A Ghost Dog City ist inspiriert von dem Film Ghost Dog–Der Weg des Samurai von Jim Jarmush aus dem Jahr 1999. Der Film schildert die Geschichte von Außenseitern einer Gesellschaft\, die in einer Art Parallelwelt leben und die Konsequenzen einer bedingungslosen Hingabe des eigenen Ichs an ein Ideal erfahren. \n\n\nA TRANS lädt ausgewählte Protagonisten dazu ein\, ihre (oder eine) Lebensreise zu thematisieren. \n\n\nPeter Piek ist Künstler und Musiker\, er hat eine sehr eigene Bildsprache entwickelt. Teilweise erschafft er seine künstlerische Welt auch auf Reisen. Bei den Performances wechselt er zwischen Malerei und Musikmachen. Seine Freiheit findet er in der Zeit durch Wiederholung und Rhythmus und im Raum durch die Farben. \n\n\nIn der A TRANS-Vitrine startet Peter Piek ein neues Experiment ‘in the underground‘\, direkt am Bahnsteig und öffentlich einsehbar für alle. \n\n\nPeter Piek lebt und arbeitet in Leipzig\, er studierte an der Akademie der Künste Leipzig. \n\n\n\nFor further information \n\n\nhttps://www.atrans.org \n\n\nhttps://www.peterpiek.com \n\n\nInstagram: @atrans    \n\n\nInstagram: @peterpiek \n\n\nFacebook: atransorg   \n\n\nFacebook: sayhellotopeterpiek \n  \n\n\n\nIn collaboration with the exhibition space BASEMENT\, Berlin.
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LOCATION:Vitrine U-Zoologischer Garten (U9)\, Hardenbergplatz\,\, Berlin\, Berlin\, 10787\, Deutschland
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SUMMARY:ZIMMER frei - Jetzt buchen!
DESCRIPTION:ZIMMER frei\n11 Künstler*innen – 11 Zimmer (EZ & DZ) \nEröffnung am Freitag\, den 20. Januar 2023 ab 18 Uhr / Performance: Geranium Blonde spielt Lounge-Musik\n21. Januar – 18. Februar 2023 \nbetreute Gruppenreiseführungen am 28.01. und 11.02.2023\, 18–19 Uhr\nund individuelle Beratung zu den Rezeptionszeiten \nVom 20. Januar bis zum 18. Februar 2023 verwandelt sich Axel Obiger in ein Hotel der besonderen Art. Zur Auswahl stehen elf individuell gestaltete Hotelzimmer\, die von elf KünstlerInnen des Projektraumes konzipiert wurden. Unser Concierge Stefano Gualdi empfängt Interessierte zu den Rezeptionszeiten vor Ort. Er berät Dich bei Deiner Reise- und Raum-Entscheidung und nimmt Dich mit auf einen phantastischen und klimaneutralen Kulturtrip. Bei dem kollaborativen und performativen Projekt verschränken sich Ausstellungs- und Hotelraum\, realer und fiktiver sowie privater und öffentlicher Ort.\nSei bereit für eine Reise in 11 Dimensionen! Für welches Zimmer wirst Du Dich entscheiden? \nJetzt buchen\, oder zur feierlichen Einweihung am 20.01.2023 kommen!
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SUMMARY:Ingar Krauss / Obiger LICHTSPIELE
DESCRIPTION:Ingar Krauss / Drei Minuten \nPublic Film Screening: 9.–14. Januar 2023\, \nvon Montag bis Samstag\, 16-20 Uhr \nAm Samstag\, den 14. Januar 2023 von 18-21 Uhr findet in Anwesenheit der Künstler*innen die Finissage des Film Screenings „Obiger Lichtspiele” statt \nIm Jahr 2007 habe ich Männer porträtiert\, die auf brandenburgischen Spargelfeldern im Akkord als Erntehelfer arbeiteten. Sie kamen hauptsächlich aus Polen\, Rumänien und der Slowakei. Nach dem Ende der Saison im Sommer bin ich einigen in ihre Heimatländer hinterhergereist\, weil ich sehen wollte\, wo sie zuhause sind. Aus beiderseitigem Mangel an Sprachkenntnissen haben wir dort wenig miteinander geredet\, aber viel zusammen geraucht. Jeder von ihnen rauchte\, eigentlich rauchten so gut wie alle Erwachsenen\, denen ich auf dieser Reise begegnet bin. Wie in meiner Jugend in Ostberlin\, als das Rauchen eine der Insignien des Erwachsenwerdens war\, gleichbedeutend mit Freiheit. Im Sommer 2007 haben die Wanderarbeiter in ihren Dörfern wie neorealistische Filmhelden vor meiner Kamera geraucht – eine Zigarettenlänge paßt ungefähr auf eine 3-Minuten-Filmspule. Währenddessen traten in Deutschland weitreichende Rauchverbote in Kraft. \nIngar Krauss wurde 1965 in Ost-Berlin geboren. Nach handwerklicher Lehre\, Arbeit als Theatertechniker an der Berliner Volksbühne und als Betreuer in der Psychiatrie kam er Mitte der neunziger Jahre zur Fotografie. Seitdem war er an zahlreichen internationalen Ausstellungen beteiligt\, wie in der Hayward Gallery\, London; dem Musée de l’Elysée\, Lausanne; dem Palazzo Vecchio\, Florenz; und dem ICP in New York. Einzelausstellungen seiner Arbeiten gab es u.a. im Goethe-Institut Paris\, dem Velan Center Turin\, in der Kunsthalle Erfurt und der Guardini Stiftung Berlin; sowie in Galerien in Mailand\, Paris\, New York\, Atlanta\, Berlin und Leipzig. Veröffentlichungen u. a. bei Hatje Cantz\, Thames & Hudson\, Mondadori Electa\, Kerber\, Skira Editore\, Hartmann Books. \n*Obiger Lichtspiele* Public Film Screening vom 1.12.2022 bis 14.01.2023. \nVideokunst im Fenster von Axel Obiger\, jeweils von 16-20 Uhr. \nPROGRAMM: \nDagmar Schürrer 1.-06.12.22 \nSimon Faithfull 8.-13.12.22 \nSusanne Hofer 15.-20.12.22 \nKatya Gardea Browne 26.-31.12.22 \nAchim Kobe 2.-7.01.2023 \nIngar Krauss 9.-14.01.23
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SUMMARY:Achim Kobe / Obiger LICHTSPIELE
DESCRIPTION:Public Film Screening\n2.-7. Januar 2023\nvon Montag bis Samstag\, 16-20 Uhr \n  \ntiffs ist eine Serie abstrakter Animationsfilme\, die aus digitalen Bilddateien entstehen.
Einfache Grundformen werden über Programmfilter schrittweise verändert und deren Einzelbilder\, Tiff-Dateien\, in einer Reihung als frames zum Film zusammengesetzt.\nInspiriert sind die Arbeiten aus der immateriell scheinenden\, klaren Wirkung von Farbe durch Licht. Simple Erzählstruktur ist die schnelle Abfolge grafischer Bilder als formale Progression. Vielmehr sind die Filme eine mögliche Deklination dieser Progressionen innerhalb des Programms und seiner Transformations- und Auflösungsalgorithmen. \nAchim Kobe\ngeboren 1963 in Gießen\, studierte Malerei an der Hochschule der Künste Berlin bei K.H. Hödicke\, Meisterschüler- Abschluss 1992\, Lehraufträge an der Bauhaus Universität Weimar und der HfbK Braunschweig\, 2020 Stipendium Stiftung Kunstfonds Bonn\, Einzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen u.a. bei loop-raum für aktuelle kunst\, Berlin\, Eigen+Art\, Leipzig\, Michael Cosar\, Düsseldorf\, Mark Müller\, Zürich\, Galleri Thomassen\, Göteborg\, Christopher Grimes\, Los Angeles\, ICA\, London\, Arbeiten in privaten und öffentlichen Sammlungen.\nLebt und arbeitet in Berlin. \n  \n*Obiger Lichtspiele* Public Film Screening vom 1.12.2022 bis 14.01.2023. \nVideokunst im Fenster von Axel Obiger\, jeweils von 16-20 Uhr. \nPROGRAMM:\nDagmar Schürrer 1.-06.12.22\nSimon Faithfull 8.-13.12.22\nSusanne Hofer 15.-20.12.22\nKatya Gardea Browne 26.-31.12.22\nAchim Kobe 2.-7.01.2023\nIngar Krauss 9.-14.01.23
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CATEGORIES:Kurzfilme,Projekt im öffentlichen Raum,Screening,Video
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SUMMARY:Katya Gardea Browne / Obiger LICHTSPIELE
DESCRIPTION:Public Film Screening\n26.-31. Dezember 2022\nvon Montag bis Samstag\, 16-20 Uhr \nIn ihrer fotografischen und filmischen Arbeit erforscht Katya Gardea Browne verschiedene Ökosysteme in ihrer mexikanischen Heimat. Als würde sie ein narratives Muster durchbrechen und gegen die chronologische Ordnung arbeiten\, nutzt sie ihre fotografischen Aufzeichnungen ausgewählter Landschaften\, um ein\, wie sie es nennt\, „Panoramabild der Umweltzerstörung“ zu schaffen. Die Gegenüberstellung von historischen Dokumentationen\, alten Filmen und Fotografien mit neuem Bildmaterial ist ein wesentlicher Bestandteil dieser dynamischen künstlerischen Methode. (Rapp\, Art Laboratory Berlin\, 2016).\nIm Hinterfragen der eigenen Beziehung zu Natur und Umwelt\, nutze ich die Kamera\, um das Objektiv zu fokussieren und neu zu fokussieren. Die Verwandlung einer Stadtlandschaft\, Orte dazwischen\, Brüche und Grenzen\, d.h. die festen und nicht festen Punkte. (Katya Gardea Browne) \nKatya Gardea Browne *Mexiko 1971\, mexikanisch-amerikanische multidisziplinäre Künstlerin. Ihre Arbeit umfasst ein Vokabular aus Videoinstallation\, Skulptur und Fotografie und wirft Fragen der Positionierung und Materialität sowie eine ständige Auseinandersetzung mit dem Körper\, der Architektur und interkulturellen Kontexten auf. Sie hat einen Master-Abschluss in Bildender Kunst von der Yale University und hat in internationalen Kontexten sowie in Deutschland ausgestellt\, u. a. in der Arthena Foundation in Düsseldorf und im KINDL Zentrum für zeitgenössische Kunst in Berlin mit der Ausstellung Ruinen der Gegenwart“. Sie lebt und arbeitet in Mexiko-Stadt. \n  \n*Obiger Lichtspiele* Public Film Screening vom 1. Dezember 2022 bis 14. Januar 2023. Videokunst im Fenster von Axel Obiger\, jeweils von 16-20 Uhr. \nPROGRAMM:\nDagmar Schürrer 1.-06.12.22\nSimon Faithfull 8.-13.12.22\nSusanne Hofer 15.-20.12.22\nKatya Gardea Browne 26.-31.12.22\nAchim Kobe 2.-7.01.2023\nIngar Krauss 9.-14.01.23
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SUMMARY:Susanne Hofer / Obiger LICHTSPIELE
DESCRIPTION:Public Film Screening\n15.- 20. Dezember 2022\nvon Donnerstag bis Dienstag\, 16-20 Uhr \nFür die Obiger-Lichtspiele bringt Susanne Hofer das Meer nach Berlin. In einer Serie von fünf kurzen Videos arrangiert sie Plastikmüll\, sie lässt Inseln schwimmen\, erweckt einen Staubsauger zum Leben und betrachtet die bewegende Schönheit einer Muschelsammlung. Und ein eingeklemmter und beschädigter Spiderman-Ballon entwickelt in der Meeresbrise ungeahnte Kräfte. \nSusanne Hofer\, *1970 lebt und arbeitet in Zürich. Studium an der Hochschule Luzern – Design & Kunst. Sie arbeitet seit über 20 Jahren als Künstlerin im Bereich Video und Videoinstallation\, und stellt international aus. Sie erhielt zahlreiche Auszeichnungen und Stipendien für Auslandaufenthalte (z.B in Berlin\, Genua\, New York\, Miami und Ecuador) und für Projekte. Sie entwickelt und hält Workshops in Gestaltung an Kunst- sowie an Mittelschulen. Sie ist Co-Präsidentin des Vereins Kunsthaus Aussersihl und Mitorganisatorin des Projektraums Wall & Stage\, beide in Zürich. \nEnglish \nFor the Obiger-Lichtspiele\, Susanne Hofer brings the sea to Berlin. In a series of five short videos\, she arranges plastic waste\, makes islands float\, brings a vacuum cleaner to life and contemplates the moving beauty of a shell collection. And a trapped and damaged Spiderman balloon develops unexpected powers in the sea breeze. \nObiger LICHTSPIELE\nVideokunst im Fenster von Axel Obiger\nvom 1. Dezember 2022 bis 14. Januar 2023\njeweils von 16-20 Uhr \nPROGRAMM \nDagmar Schürrer\n01.-06.12.2022 \nSimon Faithfull\n08.-13.12.2022 \nSusanne Hofer\n15.-20.12.2022 \nKatya Gardea Browne\n26.-31.12.2022 \nAchim Kobe\n02.-07.01.2023 \nIngar Krauss\n09.-14.01.2023
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