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SUMMARY:BY EAR / Berlin
DESCRIPTION:Artist reception: May 13\, 6 – 10 pm\nExhibition Part 2 in Berlin: May 14\, 2022 – May 28\, 2022 \nEvents accompanying the exhibition:\nArtist Talk and Singalong: May 18\, 7pm\nInstagram Live Streaming via @axelobiger account \nGuided tour to the exhibition By Ear\nSaturday\, May 21\, 2022\, 6 – 7 pm\, free of charge\nThis event is part of the new Axel Obiger exhibition concept for 2022 \nWork by: Johanna Braun\, Vanessa Chow\, Vita Eruhimovitz\, Jacob Feige\, Laura Greengold\, Kirstin Lamb\, Michael Neimitz\, Liz Nurenberg\, Kari Reardon\, Jackie Rines & Chris Ulivo. \nConcepts by: Alke Brinkmann\, Thilo Droste\, Juliane Duda\, Nathalie Grenzhaeuser\, Harriet Groß\, Gabriele Künne\, Matthias Moravek\, Enrico Niemann\, Maja Rohwetter. \nA cooperation between Tiger Strikes Asteroid (LA) and Axel Obiger. \nIn music\, playing by ear is a term for performing a piece from memory and intuition rather than from a proper score. By Ear takes inspiration from this concept and uses it as a model for collaboration between visual artists from Berlin and Los Angeles/New York. \nDelayed for almost two years\, the exhibition at Axel Obiger Gallery will showcase works created by Los Angeles and New York based artists following concepts from Berlin based artists in the orbit of Axel Obiger. \nEach artist in the exhibition has made a new artwork based solely on audio descriptions of an existing artwork created by artists from the other city. It is an exercise in interpretation and imagination and willfully limited communication in an age defined by fluid and constant contact. It is a way for artists to be generous with their ideas\, diminish their ego and try to harmonize with a fellow artist from another culture. \nThis project has been generously supported by the Checkpoint Charlie Foundation.
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CATEGORIES:Ausstellung,Drawing,Fotografie,Malerei,Vernissage
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SUMMARY:Unfolding
DESCRIPTION:Unfolding \nEli Cornejo and Marcos Mangani \nEröffnung: Freitag\, 06.05. 2022\, 18-22 h \n06.05 – 15.05.2022 \n  \nDas Spiel \nBDSM als\nWeg der Befreiung.\nStatt zu verstecken\, sich entfalten.\nDas Studio als Bühne.\nRaum um sich im\nVertrauen ganz hinzugeben.\nWir kreieren zusammen das Drehbuch.\nEine Art Symbiose wird gebildet.\nStatt ungestillten Sehnsüchte\, gelebte Fantasie.\nNeckend\, verspielt und nahezu unschuldig.\nStimulation der Sinne.\nProvokation des Geistes.\nIn Ehrlichkeit und\nAuthentizität.\nKommunikation auf allen Ebenen.\nWir dürfen sein.\nEinfach frei.\nFrei von Einschränkung.\nVerliere die Kontrolle\, ich halte Dich. \nLass Dich verführen\, in aufrechter Führung.\nSei angenommen\, niemand verurteilt Dich.\nZeige Dich mir in all deiner\nVielfalt.\nDenn du bist wunderschön. \nVerfasst von einer Domina aus Berlin © \n– \nHilbert Raum präsentiert Unfolding\, eine Duo-Ausstellung von Marcos Mangani und Eli Cornejo\, die Arbeiten präsentiert\, die Sensibilitäten berühren\, intime Räume öffnen\, mit der Vorstellungskraft spielen und den Besucher einladen\, ihre Grenzen und Strukturen loszulassen.
URL:https://www.projektraeume-berlin.net/termin/unfolding/
LOCATION:HilbertRaum\, Reuterstr. 31\, Berlin\, Berlin\, 12047\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung,Fotografie
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SUMMARY:Die Obiger Galaxis Finissage - Happening
DESCRIPTION:Finissage am Freitag\, den 29. April 2022\, 18 – 23 Uhr\nAlle Künstler werden bei der Finissage anwesend sein.\nSpecial: pre-release der App „appARition“ von Maja Rohwetter \nDie Obiger Galaxis als artistisches Wimmelbild.\nJeder von der Stammbesatzung hat befreundete bildende Art-Genossinnen zu dieser Gruppenausstellung eingeladen. \nAm 25.03. sollten alle Künstler erscheinen unter Beibringung eines eigenen Werks\, welches dann vor Ort persönlich platziert und präsentiert wurde\, in friedlicher und dynamischer Koexistenz mit den anderen. Die Vernissage als Event chaotischer\, kontaktfreundlicher Kuration. Die Finissage dann ebenso nur andersrum. \nAusmaß und Beschaffenheit dieses künstlerischen Kosmos wurden vergnüglich sichtbar oder wie schon eine Werbe-Prophetie im vorigen Jahrtausendend es trefflich formulierte: Milky Way – so locker und leicht – schwimmt sogar in Milch… \nMaria Anwander • Ruben Aubrecht • Claudia Balsters und Hannah Goldstein • Antje Blumenstein • Anne Brannys • Alke Brinkmann • Claudia Busching • Martin Dörbaum • Cécile Dupaquier • Lara Faroqhi • Saeed Foroghi • Anne Gathmann • Nathalie Grenzhaeuser • Harriet Groß • Philipp Hennevogl • Peter Hock • Katrin Jaquet • Anne Kaminsky • Petra Karadimas • Julia Kissina • Achim Kobe • Andreas Koch • Gabriele Künne • Leyre Lassierra Viguri • Jorge Lopes • Wolfgang Matzat • Alexander Menegotto • Thomas Monses • Matthias Moravek • Rainer Neumeier • Oliver Neumann • Enrico Niemann • Jennifer Oellerich • Kristina Popov • Frederik Poppe • Mariel Poppe • Heinz Pranter • Maja Rohwetter • Stefan Roigk • Miguel Rothschild • Nadja Schöllhammer • Stefan Schwarzmüller • Zuzanna Zita Skiba • Hans-Peter Stark • Craig Stewart • Petra Tödter • Dagmar Tränkle • Lukas Troberg • Anke Voelk • Nicole Wendel • Elmar Zimmermann • Christof Zwiener
URL:https://www.projektraeume-berlin.net/termin/die-obiger-galaxis-finissage-happening/
LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung,Finissage,Finnisage,partizipatoriches Projekt,Performance
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SUMMARY:Tracing Roots
DESCRIPTION:Tracing Roots\nFeriel Bendjama \n08.04. – 17.04.2022 \nOpening: Friday\, 08.04.2022\, 18 – 22 h \nFeriel Bendjama untersucht in Tracing Roots die komplexe Herkunft ihrer Familie\, und den kontinuierlichen Vorgang des Verwurzelns. Die mehrteilig konzipierte Ausstellung vermittelt einen Einblick in das diasporische Leben einer Familie zwischen Algerien\, der DDR und Westdeutschland. \nIm ersten Teil der Ausstellung liegt der Fokus auf alte Familienfotografien. Feriel Bendjama sammelte alte private Polaroids\, fotografierte diese neu\, bearbeitete\, vergrößerte und arrangierte sie in einem neuen Kontext. Die überwiegend aus den 80er-Jahren stammenden Fotografien dokumentieren ein Leben zwischen drei Welten. Aufnahmen in Farbe zeigen typische Alltagsszenen wie Familientreffen\, Feste\, Ausflüge und Kinder. Die Fotos thematisieren Aspekte des Erinnerns\, nostalgische Empfindungen und sind ein Abbild von gelebter kultureller Diversität. \nDer zweite Teil widmet sich Landschaftsfotografien und flüchtigen Momentaufnahmen aus Algerien\, welche Feriel Bendjama während Ihrer Reisen aufnahm. Bendjama fotografierte im Vorbeifahren vom Auto aus\, die Landschaften\, die an ihr vorbeirauschten. Die Fotografien reflektieren die Fluidität des Verwurzelns. \nFeriel Bendjamas Arbeiten behandeln verschiedene Fragestellungen wie die Wahrnehmung hybrider Identitäten\, die Fragilität zwischenmenschlicher Beziehungen und die eigene Definition von Zugehörigkeit. \nFeriel Bendjamas wurde 1980 nahe Dresden geboren. Sie ist zwischen Offenbach am Main und Algerien aufgewachsen und lebt seit 2003 in Berlin. Aktuelle Themenschwerpunkte ihrer Foto- und Videoarbeiten sind kulturelle und religiöse Identitäten. \nFeriel Bendjama examines in Tracing Roots the complex origins of her family and the ongoing process of rooting. The multi-part exhibition provides an insight into the diasporic life of a family between Algeria\, the GDR and West Germany. \nThe first part of the exhibition focuses on old family photographs. Feriel Bendjama collected old private Polaroids\, re-photographed them\, edited them\, enlarged them and arranged them in a new context. The photographs\, most of which date from the 1980s\, document life between three worlds. Color shots show typical everyday scenes such as family reunions\, parties\, trips and children. The photos address aspects of remembering\, nostalgic feelings and are an image of lived cultural diversity. \nThe second part is dedicated to landscape photographs and fleeting snapshots from Algeria\, which Feriel Bendjama photographed during her travels. Bendjama photographed the landscapes that rushed past her from the car as she drove past. The photographs reflect the fluidity of rooting. \nFeriel Bendjama’s works deal with various issues such as the perception of hybrid identities\, the fragility of interpersonal relationships and one’s own definition of belonging. \nFeriel Bendjamas was born near Dresden in 1980. She grew up between Offenbach am Main and Algeria and has lived in Berlin since 2003. Current focal points of her photo and video works are cultural and religious identities. \nOpening times \nOpening Friday: 08.04.2022\, 18 – 22 h\nOther Friday: 16 – 19 h\nSaturdays & Sundays: 14 – 19 h \nAddress \nHilbertraum\nReuterstr. 31\n12047 Berlin-Neukölln \nNearest Subway: U7 & U8 Hermannplatz \nwww.hilbertraum.org \n  \n 
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CATEGORIES:Ausstellung,Fotografie,Vernissage
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SUMMARY:A trans feat. Ellinor Euler _AUS DER TRAUM!
DESCRIPTION:Ellinor Euler:  AUS DER TRAUM ! (The Dream is over.) \nA situation set to zero. Is the dream over? \nEllinor Euler presents us with delicate hints at possible modes of survival.     A weightless domestic artifact rests in a transparent net structure. Lines made of Indian fabric remnants and old neckties create new distribution structures. Glitter and glamour broaden the horizon. …The future is feminine. \nEllinor Euler lives and works in Berlin and at Kunsthaus Dosse Park in Wittstock. She studied architecture and at the same time developed her artistic oeuvre. Since 2006 she has regularly traveled to India on guest fellowships and for work trips. \nExhibition \n07.04.2022 – 26.06.2022    \n24 hours\n  \nVitrine U-Zoologischer Garten (U9) in 10787 Berlin \nFinissage:  Saturday\, 25.06.2022      7 pm
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LOCATION:Vitrine U-Zoologischer Garten (U9)\, Hardenbergplatz\,\, Berlin\, Berlin\, 10787\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung,Finissage,Installation,Projekt im öffentlichen Raum
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SUMMARY:Die Obiger Galaxis - Gruppenausstellung
DESCRIPTION:Eröffnung am Freitag\, den 25. März 2022\, 17 – 22 Uhr\nAusstellung 26. März – 29. April 2022 \nBegleitveranstaltungen zur Ausstellung:\nAusstellungsführungen am 16. und 23. April 2022\, 18 – 19 Uhr\nFinissage am Freitag\, den 29. April 2022\, 18 – 23 Uhr \n  \nDie Obiger Galaxis als artistisches Wimmelbild.\nJeder von der Stammbesatzung hat befreundete bildende Art-Genossinnen zu dieser Gruppenausstellung eingeladen. \nAm 25.03. ab 17 Uhr ist Erscheinen für alle Pflicht\, unter Beibringung eines eigenen Werks\, welches dann vor Ort persönlich platziert und präsentiert werden wird\, in friedlicher und dynamischer Koexistenz mit den anderen. Die Vernissage als Event chaotischer\, kontaktfreundlicher Kuration. Die Finissage dann ebenso nur andersrum. \nAusmaß und Beschaffenheit dieses künstlerischen Kosmos werden vergnüglich sichtbar oder wie schon eine Werbe-Prophetie im vorigen Jahrtausendend es trefflich formulierte: Milky Way – so locker und leicht – schwimmt sogar in Milch… \nMaria Anwander • Ruben Aubrecht • Claudia Balsters und Hannah Goldstein • Antje Blumenstein • Anne Brannys • Alke Brinkmann • Claudia Busching • Martin Dörbaum • Cécile Dupaquier • Lara Faroqhi • Saeed Foroghi • Anne Gathmann • Nathalie Grenzhaeuser • Harriet Groß • Philipp Hennevogl • Peter Hock • Katrin Jaquet • Anne Kaminsky • Petra Karadimas • Julia Kissina • Achim Kobe • Andreas Koch • Gabriele Künne • Leyre Lasierra Viguri • Jorge Lopes • Wolfgang Matzat • Alexander Menegotto • Thomas Monses • Matthias Moravek • Rainer Neumeier • Oliver Neumann • Enrico Niemann • Jennifer Oellerich • Kristina Popov • Frederik Poppe • Mariel Poppe • Heinz Pranter • Maja Rohwetter • Stefan Roigk • Miguel Rothschild • Nadja Schöllhammer • Stefan Schwarzmüller • Zuzanna Zita Skiba • Hans-Peter Stark • Craig Stewart • Petra Tödter • Dagmar Tränkle • Lukas Troberg • Anke Voelk • Nicole Wendel • Elmar Zimmermann • Christof Zwiener
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SUMMARY:un-structured . Kuratorenführung + Finissage
DESCRIPTION:Kuratorenführung und Künstler*innengespräch mit Enrico Niemann und Harriet Groß am Samstag\, den 12. März 2022 um 17 Uhr beides via Instagram Live Story (Kanal @dada4art) oder via Teilnahme vor Ort. \nFinissage 18 – 21 Uhr \nun-structured\, Gruppenausstellung mit Werke von Harriet Groß\, Sarah Loibl\, Enrico Niemann\, Keren Shalev. Kuratiert von Daniela von Damaros. \n 
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SUMMARY:Workshop zu Sol LeWitts „Open Cubes“
DESCRIPTION:Workshop zu Sol LeWitts „Open Cubes“\nmit Daniela von Damaros\, Kuratorin der Ausstellung  „un-structured“ \nSamstag\, 12. Februar 2022\, 10 – 15 Uhr\nDauer: ca. 3 Stunden\nTreffpunkt: Axel Obiger\, Brunnenstrasse 29\, 10119 Berlin-Mitte\nIn deutscher Sprache\, für Erwachsene. Max 8 Teilnehmer \nDie Teilnahme an der Veranstaltung ist kostenlos\, eine Anmeldung ist jedoch obligatorisch.\nAnmeldeschluss ist der 10. Februar 2022 (Donnerstag) 19:00 Uhr\nDer Workshop findet unter 2G+Regeln statt \nBESCHREIBUNG \nDie aktuelle Ausstellung „un-structured“ bei Axel Obiger wird begleitet von einem Workshop.\nUnter der Überschrift „Sol LeWitt’s „Open Cubes““ erkunden die Teilnehmer*innen im Rahmen des Workshops die Skulptur des Künstlers am Halleschen Ufer in Berlin-Kreuzberg. \nDer US-amerikanische Künstler Sol LeWitt (1928-2007) bezeichnet seine minimalistischen Arbeiten nicht als Skulpturen\, sondern als „Strukturen“. Seine Würfelstruktur von 1993 am Halleschen Ufer in Berlin-Kreuzberg nimmt mit dem gestalterischen Baustein des Würfels Bezug auf die quadratischen Fenster der Hausfassade des Familiengerichts. Im Gegensatz zur Architektur bleibt die vermeintlich statische Arbeit LeWitts dynamisch. Mit jeder Bewegung des Betrachtenden verändert sich die Struktur des Würfels. Der Künstler nennt solche Strukturen „Open cubes“\, denn sie fragen nach einer vervollständigenden Geste durch die Art und Weise wie das Auge und der Geist des Betrachtenden mit der Struktur interagieren. \nIm Workshop\, der für jung und alt konzipiert ist\, nähern sich die Teilnehmer*innen dem Strukturprinzip des Künstlers vor Ort spielerisch und zurück im Ausstellungsraum über eine eigene kreative Arbeit. \nAufgrund der begrenzten Teilnahme (8 Personen) wird um Anmeldung gebeten. Die Teilnahme ist kostenlos und der Treffpunkt ist am Samstag\, 12. Februar 2022\, 10 Uhr in der Brunnenstr. 29\, 10119 Berlin.\nZutrittsbedingung ist ein 2G+ Nachweis.
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SUMMARY:Satellit#14 / un-structured. Kuratiert von Daniela von Damaros
DESCRIPTION:Ausstellung mit Werken von Harriet Groß\, Sarah Loibl\, Enrico Niemann\, Keren Shalev \nEröffnung am Freitag\, den 28. Januar 2022\, ab 17 Uhr\nAusstellungszeiten 29. Januar – 12. März 2022 \nBegleitveranstaltungen zur Ausstellung: \nAusstellungsführung am Samstag\, 5. Februar 2022\, 18–19 Uhr \nWorkshop zu Sol LeWitt’s „Open Cubes“ am Samstag\, 12. Februar 2022\, 10–13 Uhr \nFinissage am Samstag\, den 12. März 2022\, 18–21 Uhr \nIn der Gruppenausstellung mit dem Titel „un-structured“ werden Arbeiten der vier Künstler*innen Harriet Groß\, Sarah Loibl\, Enrico Niemann und Keren Shalev zu sehen sein. Alle Exponate sprengen mittels einer installativen Geste die Grenzen ihres Mediums\, wie das der Malerei\, Skulptur und Zeichnung. In der Gleichzeitigkeit von strukturellen Prinzipien wie Chaos und Ordnung findet sich ihre Bildsprache. Der Betrachtende kann in der Ausstellung in die Dynamiken zwischen den beiden scheinbar konträren Prinzipien eintauchen. \n– English Text –\nThe group exhibition entitled “un-structured” will feature works by the four artists Harriet Groß\, Sarah Loibl\, Enrico Niemann and Keren Shalev. By means of an installative gesture\, all exhibits break the boundaries of their medium\, such as painting\, sculpture and drawing. Their visual language is found in the simultaneity of structural principles such as chaos and order. In the exhibition\, the viewer can immerse in the dynamics between the two seemingly contrary principles.
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SUMMARY:A trans feat. ICONOCLASTS 3: Concha Argüeso
DESCRIPTION:Why not a rhinoceros? \nSometimes a good question can be answered calmly. Sometimes the question involves a confrontation and we can only hope that we will be able to come up with something. \nLothar Frenz claims in his book „Nashörner. Ein Porträt.“ that this animal appears again and again in the history of art when a new age is in the making. \nIn the light and sound installation by Concha Argüeso sited in Zoologischer Garten vitrine\, we come face-to-face with the drawing of a stampeding rhinoceros. The illuminated animal shows its beautiful skin made of wax\, while at the same time making sounds. The rhinoceros seems to be in a hurry to jump from the past into the future. \nBut is it afraid\, is it angry? Can we make contact with it\, is the rhinoceros our only chance to escape into the unknown? \nConcha Argüeso lives and works as an artist in Berlin and Bilbao\, Spain. \nFor further information: \nhttps://www.atrans.org \nFacebook: atransorg \nInstagram: @atrans \nhttps://www.conchaargüeso.eu \nFacebook: conchargueso \nInstagram: #conchargueso \nSupported by | Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa\, Stiftung für Kulturelle Weiterbildung und Kulturberatung und ist ein Teil von DRAUSSENSTADT 
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SUMMARY:Wir verlängern unsere aktuelle Ausstellung!
DESCRIPTION:Aufgrund der aktuellen Covid-Situation konnten die US-Künstler von Tiger Strikes Asteroid (Los Angeles) nicht zum für Dezember geplanten Austauschprojekt „BY EAR“ anreisen. \nDie Ausstellung „seit wir letztens über zukunft sprachen“ mit Werken von Juliane Duda und Hanna-Mari Blencke wird jetzt bis zum 22. Januar 2022 (mit einer Winterpause vom 20. Dezember 2021 bis 12. Januar 2022) zu sehen sein.\nFür einen Besuch gelten die aktuellen Corona-Auflagen. Eine Übersicht der Regeln gibt es hier. \nÖffnungszeiten:\nDo-Fr\, 15–19 Uhr. Sa\, 14–19 Uhr und nach Vereinbarung.
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SUMMARY:Finissage - seit wir letztens über zukunft sprachen
DESCRIPTION:seit wir letztens über zukunft sprachen – Juliane Duda und Hanna-Mari Blencke\nFinissage am Samstag\, den 4. Dezember 2021\, 18–21 Uhr \nÖffnungszeiten: Donnerstag bis Freitag\, 15 – 19 Uhr. Samstag\, 14 – 19 Uhr und nach Vereinbarung.
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SUMMARY:Black Hole
DESCRIPTION:Black Hole \nEva Pedroza \n3.12.-12.12.2021 \nOpening: Friday 3.12.2021 17-21 h \nSunday 12.12. 17 h: Performance by Rosanna Graf with Gosia Lehmann \nFor her first solo exhibition at HilbertRaum\, Eva Pedroza is presenting 10 works from her new eponymously-titled series\, Black hole\, as well as watercolour paintings from her ongoing animation project Tako Tsubo – a collaboration with author Fanny Sorgo which started in 2017. \nThe Black hole works comprise a series of 10 ink drawings on paper\, and one large-scale digital print. Dramatizing zoomed-in\, intimate encounters\, an interweaving of darkness and light reveals bodies engaged in sex as much as mutual strangulation. Pedroza’s handling of positive and negative space creates a sense of movement. These bodies are spilling past an event horizon – toward a singularity bereft of pain\, where an intimate connection between living beings is nevertheless possible. \nThe paradoxes implied by singularity are intuitively recast by these ambiguous forms. The figures depicted intertwine\, dissolve\, and find their own autonomous rhythm at the cusp of drops of black ink. Pedroza’s chosen medium points back to the presence of the artist\, whose subconscious and intuition filters into these swirling bodies. \nTako Tsubo also reflects on our instinctual need for darkness. These watercolor on paper works\, with their striking color schemes and narrative qualities\, became used as frames for a stop-motion animation video made in collaboration with Fanny Sorgo. Several scenes depict Ham\, the protagonist of the series\, holding his own heart\, which he cuts out to lessen the burden of emotions. Despite undergoing this surgery intentionally\, he finds himself frequenting a dark forest where a hole delineates where his heart once was. The mingling of stillness and vacuum-like tranquility that Ham seeks out corresponds to the fate of Pedroza’s ink figures\, silently pushing past the limits of the known universe. \nIn both series\, Pedroza deals with Nothingness not in a negative sense\, but as a quiet place which is essential for growth: … on every occasion when the state of a thing is altered\, then the abyss of Nothingness is spanned and made visible for a mystic instant\, for nothing can change without making contact with that region of absolute being which the oriental mystics call Nothingness…1 In this way\, the works on view\, whether colorful or black and white\, encourage viewers to look past the limits of their perception toward what might exist outside our human condition. Past love\, nobility\, and magnanimity\, but also beyond hostility\, deception\, and anxiety. \nText by Lotta Pick / Jeffrey Grunthaner \nInvited by Eli Cornejo \nEva Pedroza\, born 1982 in Buenos Aires\, Argentina\, is a multidisciplinary artist based in Berlin. She studied at the National University of the Arts in Buenos Aires and at the Berlin University of the Arts. Her work has recently been shown at feldfünf\, Berlin (solo\, 2021)\, with Goldrausch Künstlerinnenprojekt at Kunstraum Kreuzberg/Bethanien\, Berlin (2020)\, at Literaturhaus Berlin (2018) and at Haus der Kulturen der Welt\, Berlin (2016). From 2013-2017\, she was awarded the Rosa-Luxemburg-Stiftung study scholarship\, and the VG Bild-Kunst fellowship in 2021. \nwww.evapedroza.com \nOpening times: Saturdays and Sundays 14-19 h\, Friday 16-19 h
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SUMMARY:Invocations of Remembrance
DESCRIPTION:TUESDAYS @HILBERTRAUM \n30. NOVEMBER 2021 18-21 UHR \nInvocations of Remembrance \nA video performance work and installation by Paola Bascón \nThey say\, if memory had a body it would be a body of water crossing the ground\, like a woven fabric of water strings that constantly interweave. Always opening\, expanding\, new channels of water emerging\, ramifying\, opening up and merging again. A flowing network of expanding and simultaneously constricting edges. \nMemories\, like subterranean rivers\, irrigate life from below. They communicate in silent language. They infiltrate their whispers through the earth reaching to our bones. \n‚Invocations of Remembrance‘ is a video performative journey alongside magical objects. Evoking sacred objects across time and space\, they are inhabited by underground rivers and mountains. Human bodies interact with them in an unfolding dialogue through a deep memory of gestures. \nIn this ritual\, inner and outer landscapes merge\, as human hands grasp a long lost language beyond the spoken word. \nCredits: \nText\, stage\, performance\, video editing: Paola Bascón \nPerformance: Areli Morán\, Sharon Mercado Nogales\, Thomas Proksch \nPerformance scores: Areli Morán\, Paola Bascón \nMusik / Soundscapes: Thomas Proksch \nCostumes: Carlotta Scholz\, Luise Schumacher \nAssistance: Sharon Mercado Nogales \nCinematography: Esra Tanriverdi\, Froilán Urzagasti Montero \nVideo postproduction: Froilán Urzagasti Montero \nWebsite: Shuaitong Zong \nInvited by Eli Cornejo \nWith the kind support of PSR / Heizhaus \nGefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien (kulturstaatsministerin.de) \n 
URL:https://www.projektraeume-berlin.net/termin/invocations-of-remembrance/
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SUMMARY:Verwandlungen
DESCRIPTION:Verwandlungen \nFlorian Lenz\nKiran Dahlmanns\nLaura Burkhardt\nSebastian Drab \nAsako Fujimoto\nJing\nThomas Proksch \nOpening: Friday 12.11.2021 from 17 – 21 h\nDuration: 12.11 – 14.11.2021 \nFriday 12.11 from 17 – 21 h\nSaturday 13.11 from 14 – 19 h\nSunday 14.11 from 14 – 19 h \nVerwandlungen is about personal transformation\, and invites you to not only be a spectator\, but to be transformed through the artwork\, that is a mix of a performance\, a discurse\, an experience and an ancient ritual\, constantly converting itself. \nYou arrive. You meet the Portal. You enter the womb. \nWe meet in a space that alters between a gallery\, a temple\, a theatre\, a bar\, and a living room\, as it’s rules withstand any kinds of defintions. There is no truth nor reality. \nThis is a laboratory. Florian shares distilled glimpses of roles\, dances and situations within his multiple performing arts background\, and colides them with personal experiences\, traumata and dreams. In communication with music\, and in communication with you. Don’t think it’s about him. It is about something transpersonal. You can be the example. \nVerwandlungen is a discovery tour inspired by sound\, movement and word\, morphing through known and unknown landscapes of our beings\, expanding the screens of reality\, exploring worlds and underworlds\, pasts and possible futures\, obeying to endless transformation. \nMusic: Asako Fujimoto (Saturday)\, Thomas Proksch (Sunday)\, Jing (Friday)\nVisuals: Sebastian Drab\nSet Design: Laura Burkhardt\nDas Portal: Kiran Dahlmanns\nConcept\, Performance\, Drawings\, Videos: Florian Lenz \nGefördert durch die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien im Programm\nNEUSTART KULTUR\, Hilfsprogramm DIS-TANZEN des Dachverband Tanz Deutschland.
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SUMMARY:Dreieck
DESCRIPTION:Dreieck\nwith Delfina Carmona\, Justina Leston and Lucía Szych \n05.11.2021 – 07.11.2021\nOpening: Friday 05.11.2021 18h to 22h \nPerformances – Special Events: \nFriday 05.11: 18 h\nOpening: DJ set by Blume \nSaturday 06.11: 19 h\nLive Music Un Fantasma Feliz \nSunday 07.11: 19 h\nFinissage: Live Music John Babylon \nOpening times:\nFriday 05.11.2021 17h to 21h\nSaturday 06.11.2021 14h to 19h\nSunday 07.11.2021 14h to 19h \nThree points as part of three convergent lines\, these are the minimum amount of elements for the creation of a distinguishable area.\nThis exhibition suggests a subjective cutting through time and space of the work of three Argentine artists\, whose paths intersect at the city of Berlin. Here they find and observe each other\, they study their ways\,techniques and their relationship. As a result they offer us a universe of reinterpretations. Their work accounts for the forces of the collective\, for the importance of one Other\, who would help us rediscover and thus resignify ourselves. Always.\nBecause there are no isolated points in space\, but an infinite network of relationships. And from each encounter results a possibility of new hybrids that refuse to be crystalized in a permanent form.\nThis dialogue is ephemeral. It offers us a moment of pause and observation.The gestures of the artists converse and contribute to trace new forms\, which were not visible nor possible until then. The microcosmos created by the images of Carmona\, Leston and Szych combines the rigurosity of shapes with the fragility of time.\nDreieck is an ode to geometry and its many times ignored underlying sensitivity. \nCuratorial text by Florencia Giudici \nParticipating Artists: \nDelfina Carmona www.instagram.com/delfinacarmona – delficarmona.com \nDigital Photographer\, Art Director and Content Creator from Buenos Aires\, Argentina living in Berlin\, Germany. \nWith a background in the world of theater and a career in professional photography she is dedicated to creating scenes to photograph almost daily. Small scenarios and visual performances\, self-portraits\, compositions with objects\, light and shadows\, colors and shapes became a form of expression that synthesizes who she is. \nJustina Leston www.instagram.com/jusleston – www.justinaleston.com \nJustina Leston is a visual artist that works with analog and digital photography. Her work is full of mundane\, absurd and arbitrary things that emphasize error\, humor and beauty. In this opportunity she is presenting Ukrainian urban landscapes\, snapshots of her life in Berlin and a first approach to installation. \nLucía Szych www.instagram.com/lu_s_z/ – luciaszych.com \nVisual artist. Through drawings and installations she tries to grasp the space that surrounds us. Her work predominantly deals with traces\, she is intrigued by capturing minimal moments to reflect on time\, memory and fragility. In a dialogue between what she calls “drawings in the air” and “spaces on paper”\, she explores the interaction between the 2D and the volumetric\, the morphology of abstraction and the confrontation with the unexpected. \nInvited by Eli Cornejo.
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SUMMARY:seit wir letztens über zukunft sprachen - Juliane Duda und Hanna-Mari Blencke
DESCRIPTION:Kunstwerk-Namen sind im besten Fall auch Kunst. Beziehungsweise Schall und autonom. So bei Juliane Duda\, deren Titel nicht Bildinhalt und -bedeutung soufflieren. \nNiedrige Beweggründe\, Mac Reality\, Nichts Neues\, unpolitisch relevant und Eigenbedarf heißen ihre neuen fotografische Arbeiten\, in denen\, wie so oft\, gebaute Natürlichkeit schön scheitert. \nIn der Dialog-Ausstellung mit dem Titel (!) seit wir letztens über zukunft sprachen treffen sie auf drei skulpturale Gefüge von Hanna-Mari Blencke\, zu denen einige affirmative Kommentare überliefert sind: \nWenn Hilma af Klints Bilder mit Verkehrsschildern bumsen würden\, gliche der Nachwuchs wohl den Plastiken Blenckes. Die bis zu zwei Meter großen Objekte mit organischer Anmutung postulieren einen eigenweltlichen Konstruktivismus auf Basis farbintensiver Abstraktion. \nDas kuratorische Bauchgefühl verspricht sich Dialog bzw. Konfrontation durch gewisse Ähnlichkeiten im ästhetisierenden Zugang: \nBeider Arbeiten spielen mit Abnormitäten\, gewollten Defekten\, die ein hermetisches Außen provozieren. \nEs geht auch um die Relativierung der Wertigkeit des Moments. \nAb 5.11.2021 bei Axel Obiger.\, \,
URL:https://www.projektraeume-berlin.net/termin/seit-wir-letztens-ueber-zukunft-sprachen-juliane-duda-und-hanna-mari-blencke/
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SUMMARY:DIGITAL DIVIDE
DESCRIPTION:DIGITAL DIVIDE II\nNICK FUDGE | ANDREAS LAU | ENDA O´DONOGHUE | RÖMER + RÖMER | SANDRA SCHLIPKOETER \n08.10-17.10.2021\nSOFT OPENING 08.10.2021\, 18 – 22 UHR\nSOFT FINISSAGE 17.10.2021\, UM 15 UHR \nEINGELADEN VON SANDRA SCHLIPKOETE \nDie Ausstellung DIGITAL DIVIDE\, die Atomisierung der Welt\, ist die zweite gemeinsame Ausstellung vonAndreas Lau\, Römer + Römer und Nick Fudge. Im Hilbertraum erweitern Sie die gezeigten Künstler mit Arbeiten von Enda o`Donoghue und Sandra Schlipkoeter. \nAlle Positionen gehen der Frage nach\, wie Malerei heutzutage noch zeitgemäß funktionieren kann. Gibt es noch einen Platz für das analoge Medium\, für die Malerei? Die Bejahung dieser Frage fällt leicht\, wenn man das malerische Werk dieser Künstler betrachtet. Die Fotografie mit deren Folgemedien Film und Fernsehen\, bis hin zu Computerbildschirmen und Smartphone-Displays beherrschen heute unsere visuelle Kultur. Das sich die Malerei dennoch als starkes künstlerisches Medium behaupten konnte\, liegt nicht zuletzt an genau dieser kreativen Auseinandersetzung und Abarbeitung mit der neuen Technik. \nDurch Codierung von Motiven\, Wiederholung serieller Zeichen\, Zerlegung in Pixel oder der Nutzung digitaler Möglichkeiten ergeben sich vollig neue optische Möglichkeiten. Mit der Aneignung dieser optischer Einflüsse und Reize entstehen völlig neue\, eigenständige Malereien. \nDas braucht Zeit uns Disziplin. Dadurch stellen sich die Künstler mit ihrer Malerei der Schnelllebigleit der digitalen Moderne entgegen\, entschleunigen sich und ihre Arbeit und bewahren sich dadurch ihre Sensibilität. \nDiese Ausstellung läd ein\, in Zeiten der Bilderflut unbedingt in Ruhe genauer hinzusehen. \nNick Fudge spricht über seine Arbeit als „painted pixelation“ also gemalte Pixel. Tatsächlich ist er der Einzige der fünf Künstler\, der direkt mit dem Computer seine Bildwerke entwickelt\, programmiert und malt. Er bezeichnet seine Kunst als „post-digital“. \nAndreas Lau beschäftigt sich seit gut 25 Jahren mit dem Thema der Vielschichtigkeit. Die Bildmittel der Zeichen und Linien\, Punkte und Strukturen werden als auflösende Elemente benutzt. \nO’Donoghues Werke setzen sich mit dem Aufbau\, der Sprache und der vermittelten Welt digitaler Bilder auseinander. Diese stehen für ihn im ständig fortlaufenden Dialog mit dem Medium der Malerei und des Malprozesses. Die Bilderwelt des Künstlers entspringt fast ausschließlich digitaler Fotografen aus dem Internet\, wobei O’Donoghue mit zufälligen Augenblicken des Alltags experimentiert\, diese miteinander verknüpft und zu einem Themenkomplex verschmelzen lässt. \nBei dem Künstlerpaar Römer + Römer bilden ausgiebige Fotorecherchen auf verschiedensten Festivals und Großereignissen den Ausgangspunkt der leicht gestischen\, farbintensiven Ölmalerei. Aus diesem Bilderfundus wählen sie einzelne Motive aus\, die als Grundlage für ihre malerischen\, fast abstrakt wirkenden Bilderserien dienen. \nSandra Schlipkoeter´s Arbeiten haben ihren Ursprung im digitalen Licht und fotografischen Störungen\, vor allem Störungen in Form des physikalischen Phänomens der Interferenzen. Das sind Überlagerungen von Wellen im optischen Raum\, die komplexe Linienmuster erzeugen.Diese Muster übersetzt sie in Malerei\, Scherenschnitte\,Skulpturen und Installationen. Ihre Arbeiten sind poetisch\, ästhetisch und sphärisch zugleich. Physikalische Gesetze treffen auf künstlerische Konzepte. \nnickfudge.net\ngaleriesupper.de\nendaodonoghue.com\nroemerandroemer.com\nsandraschlipkoeter.com
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SUMMARY:A trans feat. Concha Argüeso_Why not a rhinoceros?
DESCRIPTION:Why not a rhinoceros? \nSometimes a good question can be answered calmly. Sometimes the question involves a confrontation and we can only hope that we will be able to come up with something. \nLothar Frenz claims in his book „Nashörner. Ein Porträt.“ that this animal appears again and again in the history of art when a new age is in the making. A TRANS’ concept for this year’s exhibition program An iconic-city as a visionary space for a city of the future seems to anticipate this wave of change. \nIn the light and sound installation by Concha Argüeso sited in Kleistpark vitrine\, we come face-to-face with the drawing of a stampeding rhinoceros. The illuminated animal shows its beautiful skin made of wax\, while at the same time making sounds. The rhinoceros seems to be in a hurry to jump from the past into the future. \nBut is it afraid\, is it angry? Can we make contact with it\, is the rhinoceros our only chance to escape into the unknown? \nConcha Argüeso lives and works as an artist in Berlin and Bilbao\, Spain. \n  \nFor further information: \nhttps://www.atrans.org \nFacebook: atransorg \nInstagram: @atrans \nhttps://www.conchaargüeso.eu \nFacebook: conchargueso \nInstagram: #conchargueso \n  \nSupported by | Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa
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SUMMARY:DIGITAL DIVIDE
DESCRIPTION:DIGITAL DIVIDE II\nNICK FUDGE | ANDREAS LAU | ENDA O´DONOGHUE | RÖMER + RÖMER | SANDRA SCHLIPKOETER \n08.10-17.10.2021\nSOFT OPENING 08.10.2021\, 18 – 22 UHR\nSOFT FINISSAGE 17.10.2021\, UM 15 UHR \nEINGELADEN VON SANDRA SCHLIPKOETE \nDie Ausstellung DIGITAL DIVIDE\, die Atomisierung der Welt\, ist die zweite gemeinsame Ausstellung vonAndreas Lau\, Römer + Römer und Nick Fudge. Im Hilbertraum erweitern Sie die gezeigten Künstler mit Arbeiten von Enda o`Donoghue und Sandra Schlipkoeter. \nAlle Positionen gehen der Frage nach\, wie Malerei heutzutage noch zeitgemäß funktionieren kann. Gibt es noch einen Platz für das analoge Medium\, für die Malerei? Die Bejahung dieser Frage fällt leicht\, wenn man das malerische Werk dieser Künstler betrachtet. Die Fotografie mit deren Folgemedien Film und Fernsehen\, bis hin zu Computerbildschirmen und Smartphone-Displays beherrschen heute unsere visuelle Kultur. Das sich die Malerei dennoch als starkes künstlerisches Medium behaupten konnte\, liegt nicht zuletzt an genau dieser kreativen Auseinandersetzung und Abarbeitung mit der neuen Technik. \nDurch Codierung von Motiven\, Wiederholung serieller Zeichen\, Zerlegung in Pixel oder der Nutzung digitaler Möglichkeiten ergeben sich vollig neue optische Möglichkeiten. Mit der Aneignung dieser optischer Einflüsse und Reize entstehen völlig neue\, eigenständige Malereien. \nDas braucht Zeit uns Disziplin. Dadurch stellen sich die Künstler mit ihrer Malerei der Schnelllebigleit der digitalen Moderne entgegen\, entschleunigen sich und ihre Arbeit und bewahren sich dadurch ihre Sensibilität. \nDiese Ausstellung läd ein\, in Zeiten der Bilderflut unbedingt in Ruhe genauer hinzusehen. \nNick Fudge spricht über seine Arbeit als „painted pixelation“ also gemalte Pixel. Tatsächlich ist er der Einzige der fünf Künstler\, der direkt mit dem Computer seine Bildwerke entwickelt\, programmiert und malt. Er bezeichnet seine Kunst als „post-digital“. \nAndreas Lau beschäftigt sich seit gut 25 Jahren mit dem Thema der Vielschichtigkeit. Die Bildmittel der Zeichen und Linien\, Punkte und Strukturen werden als auflösende Elemente benutzt. \nO’Donoghues Werke setzen sich mit dem Aufbau\, der Sprache und der vermittelten Welt digitaler Bilder auseinander. Diese stehen für ihn im ständig fortlaufenden Dialog mit dem Medium der Malerei und des Malprozesses. Die Bilderwelt des Künstlers entspringt fast ausschließlich digitaler Fotografen aus dem Internet\, wobei O’Donoghue mit zufälligen Augenblicken des Alltags experimentiert\, diese miteinander verknüpft und zu einem Themenkomplex verschmelzen lässt. \nBei dem Künstlerpaar Römer + Römer bilden ausgiebige Fotorecherchen auf verschiedensten Festivals und Großereignissen den Ausgangspunkt der leicht gestischen\, farbintensiven Ölmalerei. Aus diesem Bilderfundus wählen sie einzelne Motive aus\, die als Grundlage für ihre malerischen\, fast abstrakt wirkenden Bilderserien dienen. \nSandra Schlipkoeter´s Arbeiten haben ihren Ursprung im digitalen Licht und fotografischen Störungen\, vor allem Störungen in Form des physikalischen Phänomens der Interferenzen. Das sind Überlagerungen von Wellen im optischen Raum\, die komplexe Linienmuster erzeugen.Diese Muster übersetzt sie in Malerei\, Scherenschnitte\,Skulpturen und Installationen. Ihre Arbeiten sind poetisch\, ästhetisch und sphärisch zugleich. Physikalische Gesetze treffen auf künstlerische Konzepte. \nnickfudge.net\ngaleriesupper.de\nendaodonoghue.com\nroemerandroemer.com\nsandraschlipkoeter.com
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DESCRIPTION:DIGITAL DIVIDE II\nNICK FUDGE | ANDREAS LAU | ENDA O´DONOGHUE | RÖMER + RÖMER | SANDRA SCHLIPKOETER \n08.10-17.10.2021\nSOFT OPENING 08.10.2021\, 18 – 22 UHR\nSOFT FINISSAGE 17.10.2021\, UM 15 UHR \nEINGELADEN VON SANDRA SCHLIPKOETE \nDie Ausstellung DIGITAL DIVIDE\, die Atomisierung der Welt\, ist die zweite gemeinsame Ausstellung vonAndreas Lau\, Römer + Römer und Nick Fudge. Im Hilbertraum erweitern Sie die gezeigten Künstler mit Arbeiten von Enda o`Donoghue und Sandra Schlipkoeter. \nAlle Positionen gehen der Frage nach\, wie Malerei heutzutage noch zeitgemäß funktionieren kann. Gibt es noch einen Platz für das analoge Medium\, für die Malerei? Die Bejahung dieser Frage fällt leicht\, wenn man das malerische Werk dieser Künstler betrachtet. Die Fotografie mit deren Folgemedien Film und Fernsehen\, bis hin zu Computerbildschirmen und Smartphone-Displays beherrschen heute unsere visuelle Kultur. Das sich die Malerei dennoch als starkes künstlerisches Medium behaupten konnte\, liegt nicht zuletzt an genau dieser kreativen Auseinandersetzung und Abarbeitung mit der neuen Technik. \nDurch Codierung von Motiven\, Wiederholung serieller Zeichen\, Zerlegung in Pixel oder der Nutzung digitaler Möglichkeiten ergeben sich vollig neue optische Möglichkeiten. Mit der Aneignung dieser optischer Einflüsse und Reize entstehen völlig neue\, eigenständige Malereien. \nDas braucht Zeit uns Disziplin. Dadurch stellen sich die Künstler mit ihrer Malerei der Schnelllebigleit der digitalen Moderne entgegen\, entschleunigen sich und ihre Arbeit und bewahren sich dadurch ihre Sensibilität. \nDiese Ausstellung läd ein\, in Zeiten der Bilderflut unbedingt in Ruhe genauer hinzusehen. \nNick Fudge spricht über seine Arbeit als „painted pixelation“ also gemalte Pixel. Tatsächlich ist er der Einzige der fünf Künstler\, der direkt mit dem Computer seine Bildwerke entwickelt\, programmiert und malt. Er bezeichnet seine Kunst als „post-digital“. \nAndreas Lau beschäftigt sich seit gut 25 Jahren mit dem Thema der Vielschichtigkeit. Die Bildmittel der Zeichen und Linien\, Punkte und Strukturen werden als auflösende Elemente benutzt. \nO’Donoghues Werke setzen sich mit dem Aufbau\, der Sprache und der vermittelten Welt digitaler Bilder auseinander. Diese stehen für ihn im ständig fortlaufenden Dialog mit dem Medium der Malerei und des Malprozesses. Die Bilderwelt des Künstlers entspringt fast ausschließlich digitaler Fotografen aus dem Internet\, wobei O’Donoghue mit zufälligen Augenblicken des Alltags experimentiert\, diese miteinander verknüpft und zu einem Themenkomplex verschmelzen lässt. \nBei dem Künstlerpaar Römer + Römer bilden ausgiebige Fotorecherchen auf verschiedensten Festivals und Großereignissen den Ausgangspunkt der leicht gestischen\, farbintensiven Ölmalerei. Aus diesem Bilderfundus wählen sie einzelne Motive aus\, die als Grundlage für ihre malerischen\, fast abstrakt wirkenden Bilderserien dienen. \nSandra Schlipkoeter´s Arbeiten haben ihren Ursprung im digitalen Licht und fotografischen Störungen\, vor allem Störungen in Form des physikalischen Phänomens der Interferenzen. Das sind Überlagerungen von Wellen im optischen Raum\, die komplexe Linienmuster erzeugen.Diese Muster übersetzt sie in Malerei\, Scherenschnitte\,Skulpturen und Installationen. Ihre Arbeiten sind poetisch\, ästhetisch und sphärisch zugleich. Physikalische Gesetze treffen auf künstlerische Konzepte. \nnickfudge.net\ngaleriesupper.de\nendaodonoghue.com\nroemerandroemer.com\nsandraschlipkoeter.com
URL:https://www.projektraeume-berlin.net/termin/digital-divide/
LOCATION:HilbertRaum\, Reuterstr. 31\, Berlin\, Berlin\, 12047\, Deutschland
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SUMMARY:A trans feat. ICONOCLASTS 2: Marcus Golter
DESCRIPTION:Within DRAUSSENSTADT program BERLIN \nA trans feat. ICONOCLASTS 2\nMarcus Golter_SELFIESANALOG \nExhibition 08.10.2021 – 05.12.2021   Show-window 24h\nVitrine U – Zoologischer Garten (U9) in 10787 Berlin \nSmall sized portraits\, modeled and formed by hand and thereby based on cell phone photos – these are SELFIESANALOGUE. In this increasingly digital age\, these sculptures set an analogue counterpoint. The small sized format allows the artist to approach his counterpart in a very playful way. Because that is exactly what a portrait in art should try to achieve: to come as close as possible to the essence of a person. \nMarcus Golter lives and works as a sculptor in Potsdam. \nFor further information:\nhttps://www.marcus-golter.de \nFacebook: marcusgolter\nInstagram: @marcusgolter \nSupported by Senatsverwaltung für Kultur und Europa\,\nStiftung für Kulturelle Weiterbildung und Kulturberatung\nund ein Teil von DRAUSSENSTADT
URL:https://www.projektraeume-berlin.net/termin/a-trans-feat-iconoclasts-2-marcus-golter/
LOCATION:Vitrine U-Zoologischer Garten (U9)\, Hardenbergplatz\,\, Berlin\, Berlin\, 10787\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung,Projekt im öffentlichen Raum,Vernissage
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SUMMARY:Auf lange Sicht
DESCRIPTION:(English text below) \nAuf lange Sicht \nAnne Brannys\, Mirja Busch\, Flavio de Marco\, Thilo Droste\, Henning Kappenberg\, Hartmut Stockter\, Ulrich Vogl \nEröffnung am Freitag\, den 1. Oktober 2021\, 16–22 Uhr \nAusstellung 2. Oktober 2021 – 30. Oktober 2021 \nBegleitveranstaltungen zur Ausstellung: \n22.10.2021\nPUDDLE WATCHING – Künstlerischer Walk mit Mirja Busch zu ausgewählten Pfützen in Berlin \n23.10.2021\n16-18 Uhr Workshop KinderKulturMonat „Die Karte vom Land meiner Träume“ \n30.10.2021\n14-19 Uhr Lesung mit Meike Droste / Finissage \nAuf lange Sicht…\n…geht es um Perspektiven. Nach vorn oder zurück? Ins weite Feld oder in die eigenen Untiefen? Mit Adlerblick oder Augen zu und durch?\nSind alle Aussichten schöner\, wenn sie nur weit genug weg sind? \nWie wir auf Dinge und Situationen blicken und sie einordnen\, ist vom wo\, und vor allem wann abhängig. Gilt das auch für die Betrachtung von Landschaft?\nDie Ausstellung zeigt Arbeiten verschiedener Medien\, die sich dem Thema Landschaft\, ihrer Wahrnehmung und Veränderung durch den Menschen nähern und damit auch dem traditionellen und vielleicht anachronistischen Sujet der Landschaftsdarstellung. \nÖffnungszeiten:\nDonnerstag bis Freitag\, 15 – 19 Uhr. Samstag\, 14 – 19 Uhr und nach Vereinbarung. \n. . . . . \nEnglish text \nAuf lange Sicht / In the long term\nwith Anne Brannys\, Mirja Busch\, Flavio de Marco\, Thilo Droste\, Henning Kappenberg\, Hartmut Stockter\, Ulrich Vogl \nOpening on Friday\, October 1\, 2021\, 4–10 p.m.\nDuration of the exhibition October 2\, 2021 – October 30\, 2021 \nAccompanying event to the exhibition: \nOctober 22\, 2021\nPUDDLE WATCHING – Artistic walk with Mirja Busch to selected puddles in Berlin \nOctober 23\, 2021\n4-6 p.m. Workshop KinderKulturMonat „The map of the land of my dreams“ \nOctober 30\, 2021\n2-7 p.m. reading with Meike Droste / Finissage \nIn the long-term… \n… it’s about perspectives. Forward or backward? Into the wide field or into your own shallows? With eagle eyes or eyes closed and through? Are all prospects better if they are just far enough away? \nHow we look at things and situations and classify them depends on where and\, above all\, when. Does that also apply to the observation of landscapes?\nThe exhibition shows works from various media that approach the topic of landscape\, its perception and change by people and thus also the traditional and perhaps anachronistic subject of landscape representat
URL:https://www.projektraeume-berlin.net/termin/auf-lange-sicht/
LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
CATEGORIES:Audio-visual installation,Ausstellung,Drawing,Fotografie,Malerei,partizipatoriches Projekt,Rauminstallation,Vernissage
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SUMMARY:Podiumsgespräch und Katalogpräsentation: HEART FACTS mothers in art - Alke Brinkmann und Ines Doleschal
DESCRIPTION:Achtung! Aufgrund des großen Interesses an dieser Veranstaltung verlegen wir die Veranstaltung in der Inselgalerie\, Petersburger Str. 76 A\, 10249 Berlin \nAm 11. September um 17.30 Uhr Podiumsgespräch und Katalogpräsentation: \n„Wer Kinder kriegt\, ist selbst schuld! Warum der Kunstbetrieb elternfreundlicher werden muss“ \nmit: Gabi Blum\, Künstlerin\, Kuratorin\, Aktivistin (München) // Signe Theill\, Künstlerin\, Kuratorin (Berlin) // Prof. Dr. Julia Voss\, Kunsthistorikerin\, Kuratorin\, Journalistin (Berlin) // Moderation: Cornelia Renz\, Künstlerin\, Cofounder SALOON Tel Aviv (Tel Aviv/Berlin). Teilnahme nur mit Anmeldung\, wir bieten eine Kinderbetreuung an. \nGefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien \nAnti-Corona-Maßnahmen\nAnlässlich der Katalogpräsentation gilt die 3G-Regel – damit ist der Eintritt nur für Covid-19-Genesene\, Geimpfte oder Getestete gestattet. Ein entsprechender Nachweis muss am Eingang vorgezeigt werden. Kinder unter sechs Jahren sowie Schüler\, die regelmäßigen Testungen im Rahmen des Schulbesuchs unterliegen\, stehen getesteten Personen gleich.
URL:https://www.projektraeume-berlin.net/termin/podiumsgespraech-und-katalogpraesentation-heart-facts-mothers-in-art-alke-brinkmann-und-ines-doleschal/
LOCATION:Berlin
CATEGORIES:Artists Talk,Buchvorstellung,Künstlergespräch,Lesung,Malerei,Vortrag
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SUMMARY:Exist-Resist-Repeat
DESCRIPTION:EN below \nDiese Ausstellung\, die als ein visuelles Tagebuch gedacht ist\, ist ein Tribut an einige der Künstler\, Initiativen oder Kooperationen\, mit denen ich seit der „Covid-Ära“ zusammengearbeitet habe. Während sich jedes einzelne der ausgewählten Fotos und digitalen Kunstwerke auf bestimmte Momente bezieht\, die mich inspiriert oder beeinflusst haben\, sowohl auf persönlicher Ebene als auch als Kurator\, spiegelt diese kollektive Ausstellung den Akt des kreativen Widerstands\, mit dem sich viele Kunstschaffende mit dem aktuellen globalen Problem auseinandersetzen. \nDas Ziel von „Exist\, Resist\, Repeat“ ist es\, eine facettenreiche Vision der Suche nach Kunst im Widerstand zu bringen und wird durch diese erste persönliche Ausstellung gefeiert\, die seit 2 Jahren ermöglicht ist! \nAhmet Talha Gürol: Ich lernte Ahmet vor einem Jahr während meiner ersten Reise in die Türkei kennen. Das war\, als das Reisen zum ersten Mal während der Pandemie erlaubt wurde. Er lebt in Bursa – bekannt als die „grüne Stadt“ – und ich fühle mich sofort mit seiner großen Sensibilität\, seiner Liebe zur Natur und seinen Idealen für eine bessere Welt\, in deren Mittelpunkt die Kunst steht\, verbunden.Wir haben bald darüber gesprochen\, mit der Zusammenarbeit zu beginnen\, jedoch ist Ahmed leider vor ein paar Wochen verstorben. Diese Ausstellung ist ihm gewidmet. \nStellungnahme und Kunstwerk mit freundlicher Genehmigung von Ilknur Candan\, der Partnerin des Künstlers:  \n„Meine Geschichte begann in einem kleinen Dorf in Anatolien. Wann genau ich von der Malerei verzaubert wurde\, übersteigt den Rahmen meiner Erinnerung. Immer\, wenn ich in schlechter Stimmung war\, belastet oder überströmt von Emotionen war\, suchte ich die Gesellschaft von Farben. Es dauerte nicht lange\, bis ich mit jedem mir zur Verfügung stehenden Material Kunst schuf\, zuweilen auch wann immer ich glücklich\, hoffnungsvoll und aufgeregt war\, so dass das Zeichnen zu einer Form des Ausdrucks\, des inneren Denkens\, des Lebens selbst wurde. Der Prozess der Formung meiner Weltanschauung umfasste ein Grundstudium in Soziologie\, Wirtschaft und Philosophie sowie unabhängige Studien. Stets ein Student des Lebens und der Kunst habe ich die Freiheit\, die mir der Autodidaktismus gewährt\, dem Akademismus vorgezogen. Ich bin motiviert zu malen\, mit dem Gefühl\, dass die Darstellung meiner persönlichen Kritik an den Weltmechanismen mein Unbehagen zu lindern vermag. Das Bestreben ist es\, die Seelen anzusprechen und gleichzeitig Unruhe zu stiften. Sobald die Unruhe gut genährt ist\, erfreue ich mich am inneren Diskurs oder vergnüge mich visuelle und konzeptionelle Spielplätze zu errichten\, die dynamisch sind und sich durch Interaktion verwirklichen. Durch Formen mit unbestimmten Grenzen hoffe ich\, einzigartige und selbstbestimmte Erfahrungen im Sehen\, Fühlen und Empfinden zu stimulieren. \nDie Definition der Kunst führt zu einem Dilemma durch Aufteilung. Das Lob ihrer Grenzenlosigkeit ist ebenfalls einschränkend. Kunst ist manchmal eine umherfliegende Plastiktüte\, der man begegnet\, sowie auch ein Lächeln in einem Gesicht oder eine Idee. Anstatt sich in einer einzigen Methode und einem einzigen Stil zu verankern\, entfaltet sich meine Reise daher durch den Wechsel von verschiedenen visuellen Sprachen und durch kontinuierliche Aufgabenstellungen die ich mit der Moral der Pflicht und verschiedener visueller Sprachen antrete\, die zeitweise mit der Kultur\, die ich bewohne\, koexistieren. Dies geschieht hauptsächlich durch traditionelle oder lokale Ornamente und Motive\, die mir durch ihre Vertrautheit Geborgenheit geben. \nDie Dialekte sind ebenso in Bewegung wie die Vitalität und Vielfalt unseres Seins und haben jeweils ihre eigene Art\, Technik und Stimmung. Die Vielfalt\, die dadurch entsteht\, macht mich lebendiger und erlaubt mir\, innerhalb der Vielfalt des Lebens zu existieren.“ \nÜber das Kunstwerk: \nWillkommen im Wunderland der Existenz. \nWillkommen im Mythos des Seins. \nWillkommen im unvergleichlichen Märchen des Lebens. Äpfel\, Schlangen\, Liebe\, Intrigen und vieles mehr in den Märchen über unser Sein.  \nLassen Sie uns gemeinsam in den Mythen der Antike versinken um nie wieder herauszufinden. \n2. El3o (Algerien): Omar ‚El3o‘ Siakhene bietet einzigartige Interpretationen algerischer Songklassiker\, wobei er die Originale in einen Trip-Hop-Rahmen einbettet. Er integriert Poesie und politische Reden in seine Remixe ein und komponiert regelmäßig für die algerische Filmindustrie. \nSalam‘ wurde für Shubbak in Auftrag gegeben\, Großbritanniens größtes Festival für zeitgenössische Kunst aus der MENA-Region (Juni 2021)\, das dafür bekannt ist\, eklektische Live-Events in London zu veranstalten. \nAufgrund von Covid fand die diesjährige Festivalausgabe hauptsächlich online statt. Während die Produktion von El3o auf eine Reihe von Problemen wie Internetkürzungen und Beschränkungen beim Zugang zu einem Aufnahmeort stieß; hat die Perspektive\, diese Vorstellung vor Publikum im öffentlichen Raum zu präsentieren jedoch\, eine mutigere Aussage zu seiner Arbeit gebracht. \n3. Marouane Joubba (Marokko-Spanien): Marouane war der einzige in London lebende Künstler den ich während des Covid im Sommer 2020 treffen konnte. Zu dieser Zeit wollte der Künstler nach Spanien zurückkehren\, aber die Pandemie hat seine Pläne geändert. Er lebt jetzt dauerhaft im Vereinigten Königreich. \nDas „Fehler“-Selbstporträt entstand ursprünglich durch eine falsche Manipulation der Tinte auf dem Spachtelbrett während des Lockdowns. Der Künstler beschloss\, seine Frustration zu dokumentieren und das Ergebnis zu überarbeiten. Indem er sein Lieblingsgedicht von Darwish zitiert: „Ich bin von dort\, ich bin von hier\, aber ich bin nicht von dort\, ich bin nicht von hier“ spiegelt diese Installation das wiederkehrende Dilemma der kulturellen Koexistenz und die daraus resultierenden Inspirationen seiner Gesellschaft\, wie zum Beispiel die Black Lives Matter Bewegung. \n4. Gil Moualem Doron (UK-Israel): Ich lernte Gil vor ein paar Jahren über die palästinensische Galerie P21 in London kennen. Der arabisch-israelische Künstler war damals auf der Suche nach einem Kurator\, der ein retrospektives Projekt in ihren Ausstellungsräumen präsentieren sollte. Aufgrund einiger logistischer Komplikationen die dazu führten\, dass das Projekt einige Male verschoben werden musste (Geldmittel\, Zensur und dann Covid usw.)\, ist es uns jedoch gelungen\, 2018 und 2020 eine Reihe weiterer Kooperationen einzugehen. \n„Die neue Unionsmaske ist ein weiteres Kapitel des Projekts ‚New Union Flag‘ [NUF]\, das das 2015 im Anschluss an den wachsenden Zuspruch für die Brexit-Partei UKIP begann. Das Projekt stellt die britische Flagge neu dar und feiert die Gemeinschaften\, die zum zum kulturellen Erbe des Vereinigten Königreichs beigetragen haben. \nDie mit Stoffdesigns aus aller Welt neu gestaltete neue Unionsflagge verwandelt den traditionellen Archetyp der Uniformität in eine dynamische Feier der Vielfalt. Während diese Flagge ursprünglich das koloniale Erbe des Vereinigten Königreichs reflektierte\, ist ihr Design ständig im Wandel\, um den ständigen Wandel in der Zusammensetzung dieser Nation zu widerspiegeln. \nObwohl das Projekt im Vereinigten Königreich sehr erfolgreich war und landesweit ausgestellt wurde\, hat es auch viele negative und rassistische Kommentare im Internet\, darunter Todesdrohungen und ein Online-Neonazi-Angriff während einer Zoom-Veranstaltung erregt. Die New Union Mask wurde während der Covid19-Pandemie entworfen\, um Beschäftigten des britischen Nationalen Gesundheitsdienstes (NHS) zu würdigen\, von denen viele Migranten sind und/oder ethnischen Minderheiten angehören. \nWährend diese Arbeiter von den Medien und Politikern gefeiert wurden\, geht aus den vielen Kommentaren hervor\, die ich nach meinem Beitrag in den sozialen Medien erhielt \, dass nicht jeder mit der Notwendigkeit einer solchen Anerkennung einverstanden ist. Rassismus ist bei weitem umstrittener\, langwieriger und tödlicher als Covid19. Er tötet Tausende von farbigen Menschen in Asien und Afrika\, denen die Impfung verweigert wird. Die Maske kann online erworben werden. Der Erlös geht an das COVAX Programm\, das Menschen in 92 einkommensschwachen Ländern den Zugang zu sicheren und wirksamen\, von Gebern finanzierten COVID-19-Impfstoffen ermöglicht. \n5. Yazan Aboushi (Palästina-U.S.): Yazan begann seine Karriere als Fotograf\, \nals er erkannte\, dass er das Medium nutzen kann\, um die Geschichte seines Volkes zu vermitteln und die Kluft zwischen seiner östlichen und westlichen Identität zu überbrücken. Ich bin mit Yazan virtuell verbunden seit 2019 \, aber unsere Wege kreuzten sich dieses Jahr\, als ich die Berichterstattung von einer Protestnacht\, an der ich in Istanbul teilgenommen hatte entdeckte\, die er in den sozialen Medien veröffentlichte. Obwohl wir es bisher noch nicht geschafft haben\, uns zu treffen\, da Yazan letzten Monat nach Washington gezogen ist\, zeigt diese Triptychon-Serie einen starken Moment der Zusammengehörigkeit\, den wir gemeinsam erlebt haben. \n„Die Ereignisse\, die im Mai 2021 stattfanden (und immer noch stattfinden)\, lösten Massenproteste in der ganzen Welt aus. Zu dieser Zeit lebte ich in Istanbul\, und obwohl die Türkei aufgrund des wegen des Covid-19 unter strenger Abriegelung stand\, kamen die Menschen zu Tausenden vor das besetzte Konsulat\, jeden Tag\, mehrere Tage lang. Das Besondere an diesem Ereignis ist die überwältigende Solidarität\, die überall zu spüren war: \nDie Proteste bestanden aus Menschen von überall her\, aus Menschen\, die sich versammelten\, um für Gerechtigkeit zu kämpfen\, aus Freunden\, die sich nach Monaten der Isolation wieder trafen und die Minderheit der Palästinenser zu ihrer Mehrheit machten. Wir waren alle wütend\, müde\, frustriert\, und nachdem wir monatelang eingesperrt waren\, waren wir froh\, diese Gefühle gemeinsam zu erleben. Wir haben gemeinsam gelitten in einer wunderbaren Aktion der Solidarität. Das am meisten kommentierte Foto\, das ich aufgenommen habe\, ist dieses Bild von syrischen\, irakischen und palästinensischen Jugendlichen\, die ihre Flaggen wie Superhelden um die Schultern gehängt hielten. \nWenn ich eines gelernt habe\, dann\, ist es dass die Ungerechtigkeit in Palästina überall zu spüren ist – und dass die palästinensische Angelegenheit eine globale ist.“ \n6. Venetia Menzies (Schottland): Ich traf Venetia vor ein paar Jahren während einer algerischen Veranstaltung in London. Ursprünglich wollte ich die Serie 21st Bedouin in Algerien präsentieren\, doch aufgrund der derzeitigen Reisebeschränkungen wurde das Projekt auf Eis gelegt. \nHeute ist die Resonanz auf dieses Werk größer denn je\, da all die Algerier nicht in ihre Heimat zurückkehren können und alle anderen in der Welt in ihrer Bewegungsfreiheit eingeschränkt sind. Die Fotojournalistin Venetia Menzies erzählt die Geschichte der Migration in Algerien durch die Linse einer einzelnen Familie. Beginnend in den 1890er Jahren mit der „Geschichte der Großmutter der Beduinen des 21. Jahrhunderts“\, stellt man fest\, dass jede Generation die Erfahrung der Migration in irgendeiner Form erlebt hat. In einer Zeit\, in der die Massenmigration von Menschen ein und polarisierende Thema ist\, versucht 21st-Century Bedouin\, uns an das Erbe der Migration in ihrer immerwährenden Geschichte\, ihre Präsenz überall in der Natur und ihre Notwendigkeit für das Überleben in der Geschichte der Menschheit. \n7. Tilawin-Projekt (Algerien): Tilawin (was in der Sprache der Amazigh Frauen bedeutet) ist eines der ehrgeizigsten Projekte\, die während des Lockdowns entstanden sind. Von Yasmine Fodil gegründet\, widmet sich diese rein weibliche Mentoring-Plattform der Präsentation von Fotografie-Initiativen und Talente im ganzen Land. Durch die Zusammenarbeit von professionellen etablierten Fotografen und Amateurkünstlern zielt das Projekt darauf ab\, einen gemeinsamen Raum zu schaffen\, der zum Wachstum der Fotografinnenszene in Algerien und seiner Diaspora beiträgt. Kurzbeschreibung der sieben Künstlerinnen\, die für das Pilotprojekt ausgewählt wurden: \n1- Salma Salhi (Algier) \nSalma hat sich schon in jungen Jahren für die Fotografie interessiert. Erst während des letzten Lockdowns hat sie einen Einführungsworkshop für Fotografie besucht. Rote Schuhe ist Teil einer Serie von Geschichten\, in denen die Künstlerin ihre Frustration mit jenen Alltagsgegenständen berichtet\, die man vor Covid gekauft und seitdem nie benutzt hat. eine poetische Perspektive auf das Warten und den Übergang“. \n2- Yasmine Ouali (Algier) \nYasmine\, Absolventin der Schule der bildenden Künste in Algier\, arbeitet derzeit in einem Keramik Atelier und entwickelt gleichzeitig einen kritischen Blick auf meine fotografischen Projekte. Im Jahr 2019 nahm sie an der künstlerischen Residenz Artifariti im Flüchtlingslager der Westsahara teil. Dies ermöglichte es ihr\, sich auf Dokumentarfotografie zukonzentrieren\, insbesondere auf Themen der humanitären Reisen. \n3- Yasmine Belkaid (Oran) \nNachdem sie die berüchtigte „Madonna von Bentalha“ aus den 90er Jahren entdeckt hatte\, erkannte Yasmine die Macht des Festhaltens kritischer Live-Ereignisse. Die beispiellose Präsenz von Frauen während der Hirak-Demonstrationen inspirierte sie dazu\, sich dem Tilawin-Projekt anzuschließen\, um ihre Präsenz in der kreativen und engagierten Sphäre Algeriens zurückzugewinnen. \n4- Loubna Sephora Boghari (Algier-London) \nLoubna\, die sich schon in jungen Jahren für das Kino interessierte\, begann sich mehr für die Fotografie zu interessieren\, als sie an der Universität einem Kreativclub beitrat. Derzeit lebt sie im Vereinigten Königreich. Die Künstlerin möchte das Medium nutzen\, um verschiedene Blickwinkel auf Geschichten und Kulturen zu verbinden. \n5- Hiba Zouane (Algier) \nIhre Leidenschaft für die Fotografie kam erst zum Vorschein\, als sie ihre erste Kamera erwarb. Als ausgebildete Autodidaktin fertigte sie anschließend ihre erste Fotoserie „Allegorie der Eva“ an. Derzeit arbeitet Hiba an einer Serie\, die das Leben ihrer Verwandten dokumentiert\, die die Einsamkeit erleben. \n6- Ikram Bouslim (Laghouat) \nIkram Bouslim erzählt in ihrem Werk Geschichten über das Erbe und die Traditionen ihrer Heimatstadt\, inspiriert von den malerischen \nLandschaften ihrer Heimatstadt. „9 miles“ ist Teil einer Serie\, die erforscht\, wie die Bevölkerung in abgelegenen Regionen während des Covid mit dem Leben umgeht\, und zeigt ein Kind\, das von der einzigen Schule in der Umgebung zurückkehrt\, die 9 Meilen von zu Hause entfernt ist. \n7- Wafaa Soltane (Oran) \nWafaa arbeitet ehrenamtlich für verschiedene lokale Wohltätigkeitsorganisationen\, die ihr geholfen haben\, soziale Kontakte zu knüpfen und neue Perspektiven ihrer komplexen Stadt zu verstehen\, insbesondere im Zusammenhang mit Armut und Widerstandsfähigkeit. Durch ihre Leidenschaft für die Fotografie fängt sie diese kritischen Momente des städtischen Lebens ein. Derzeit arbeitet sie an einem Projekt über die Slums in Oran. \n\nToufik Douib ist ein unabhängiger Kurator und Veranstaltungsleiter. Seine multidisziplinäre Praxis konzentriert sich auf die Frage der algerisch-maghrebinischen Identitäten durch die Linse der eklektischen Szene. \nVon 2012 bis 2014 war er künstlerischer Leiter des „London Algerian Ballet“\, einer von der Gemeinde geleiteten Theatershow\, und 2015 kuratierte er seine erste Ausstellung „Algerianism“. \nIn den Jahren 2017-18 hatte Toufik drei verschiedene Kooperationen mit der P21 Gallery: Soloausstellung ‚Dhikr Pictural‘\, die Serie von Kurzfilmvorführungen ‚{Un}Told Stories‘ und die von der Kritik Gruppenausstellung ‚Pop Art from North Africa‘\, die inzwischen auch in Spanien (2019-2020) Casa Árabe präsentiert wurde. \nToufik arbeitete zweimal mit dem Shubbak Festival zusammen\, dem größten britischen Festival\, das sich der MENA Kultur widmet. 2019 präsentierte er „Belonging Sideways“\, eine Multimedia-Ausstellung zum Thema Territorium und Identität\, und in diesem Jahr mit „Soundclash“\, einer Klang- und visuellen Performance. \nZu seinen weiteren kulturellen Unternehmungen gehören das Forschungsprojekt „Generation Independence“ für die Portsmouth University und die Koordination der Online-Mapping-Forschungsplattform „DIGI-MENA“ für arabische Digitalkünstler\, wofür er mit dem AFAC (Arab Fund for Art and Culture) in der Kategorie Schulungen und regionale Veranstaltungen ausgezeichnet wurde. \nEN \nThis exhibition was imagined as a visual diary that pays tribute to some of the artists\, initiatives or collaborations I have worked or connected with since the ‘Covid Era’. While each of the selected photo/ digital work highlights crucial moments that inspired or affected me\, both on a personal level and as a curator\, this collective show reflects on the act of creative resistance that many art practitioners addressed to tackle the current global issue. Ultimately ‚Exist\, Resist\, Repeat‘ aspires to bring a nuanced vision to the quest for art in resistance\, celebrated through this first in-person exhibition made possible in 2 years! \nAhmet Talha Gürol (Turkey): I met Ahmed a year ago\, during my initial trip to Turkey\, when travelling became allowed for the first time during the pandemic. Based in Bursa – known as the ‘green city’\, I instantly connected with his great sensitivity\, love for nature and ideals for a better world\, placing art at its core. We soon discussed to set sail on collaboration\, however\, Ahmed sadly passed away a few weeks ago. This exhibition is dedicated to him. \nStatement and work courtesy of Iklur\, the artist’s partner: “My tale began in a small village in Anatolia. Precisely when I was enchanted by painting\, is beyond the scope of my memory. Whenever I was in low spirits\, charged or overflowing with emotion\, I would seek the company of colours. Before long I came to create art\, with any material available to me\, at times I was happy\, hopeful and excited\, too\, so that drawing became a form of self expression\, inner reasoning\, life itself. \nThe moulding process of my world view entailed undergraduate education in Sociology\, Economics and Philosophy and independent studies. Always a student of life and art alike\, I preferred the liberty granted by auto-didacticism over academicism. I am sparked to paint with the sentiment that the display of my personal critique of the mechanisms of the world is able to soothe me. \nThe aspiration is to entice souls as well as create discomfort. Once the disturbance upon us all is well-fed and watered\, I delight in internal discourse or enjoy myself setting up visual and conceptual playgrounds that are dynamic and actualize through interaction. Through forms with indefinite boundaries\, I hope to stimulate unique and self-ruling experiences in vision\, sense and emotion. \nDefining art causes a dilemma by division. The praise of its boundlessness is likewise limiting. \nArt is a floating plastic bag you stumble upon\, just as a smile upon a face or an idea can be. Therefore\, instead of solidifying in a singular method and style\, my journey unfolds itself through the flow of various visual languages as well as continuous quests embarked on with the morals of duty as well as the flow of various visual languages\, which at times are in coexistence with the culture I inhabit. This mainly occurs through traditional or local ornaments and motives\, which give me comfort through their familiarity. \nThe dialects are in motion just as the vigour and variety of our being and each hold their own manner\, techniques and spirit. The variety that thus arises makes me feel more alive and allows me to exist within life’s diversity.” \nAbout the artwork: Welcome to the wonderland of existence. Welcome to the myth of being. Welcome to the incomparable fairytale of life. Apples\, snakes\, love\, intrigue and many more in tales about our being. Let’s get lost in the myths of the antique together to never find our way out again. \nEl3o (Algeria): Omar ‘El3o’ Siakhene features unique takes on Algerian song classics specifically vignetting the originals in a trip-hop framework. He includes poetry and political speeches into his remixed tapes and regularly composes for the Algerian indie film industry. \n‘Salam’ was commissioned for Shubbak\, the UK’s largest MENA contemporary art festival (June 2021)\, known for gathering eclectic live events across London. Due to Covid\, this year’s festival edition went mainly online. Whilst El3o’s production met a series of issues\, from Internet cuts and restrictions to access a recording venue; the perspective to present this performance in space audience brings a bolder statement to his work. \nMarouane Joubba (Morocco-Spain): Marouane was the only London-based artist that I managed to meet during Covid\, in summer 2020. At that time\, the artist was waiting due to return to Spain\, but the pandemic situation changed his plans. He now lives permanently in the UK. \nThe “error” self-portrait came initially from a wrong manipulation of ink on the scraperboard during lockdown. The artist decided to capture his frustration and rework the result. While quoting his favourite poem from Darwish: “I am from There\, I am from Here\, But I am not from There\, I am not from Here” this installation reflects the artist’s recurring dilemma of cultural coexistence and inspirations nurtured by current issues of his society\, such as the Black Lives Matter movement. \nGil Moualem Doron (UK-Israel): I connected with Gil a few years ago through the Palestinian gallery P21 in London. The Arab-Israeli artist was then looking for a curator to showcase a retrospective project in their space. Due to some logistic complications that led to postponing the project a few times (funds\, censorship and then Covid etc.)\, we managed a couple of other collaborations in 2018 and 2020. \n“The New Union Mask is another chapter in the project ‘New Union Flag’ [NUF] that began in 2015 in the wake of the rise of support for the Brexit party UKIP. \nThe project re-imagines the British flag and celebrates the communities that have contributed to the UK’s cultural legacy. Re-created with fabric designs from all over the world\, the New Union Flag transforms the traditional archetype of uniformity into a dynamic celebration of diversity. Whilst this flag started as a reflection on the UK’s colonial legacy\, its design is ever-changing to reflect the ongoing changes of the makeup of this nation. \nIf the project has been highly successful in the UK\, being exhibited nationwide\, it also attracted a lot of negative and racist comments online\, including death threats and an online neo-nazi attack during a zoom event. \nThe New Union Mask was created during the Covid19 pandemic to acknowledge and celebrate the British National Health Service (NHS)’s workers\, many of whom are migrants and/or from ethnic minorities. As these workers were celebrated by the media and politicians\, from the many comments I received following my post on social media – it seems not everyone agrees to the necessity of such recognition. Racism is by far more contentious\, long-lasting and deadly than Covid19. It is killing thousands of black and brown people in Asia and Africa who are denied vaccination.” \nThe mask is available for purchase online. The profits will be paid to the COVAX programme that enables people in 92 lower-income economies to access safe and effective donor-funded COVID-19 vaccines. \nYazan Aboushi (Palestinen-U.S.): Yazan began his career in photography when he realized that he could use the medium to tell the story of his people and bridge the gap between his east and west identities. I have been virtually connected with Yazan since 2019\, but our paths crossed this year when I discovered the social media coverage he made from a night of protests I had attended in Istanbul. Although we still have not yet managed to meet\, as Yazan moved to Washington last month\, this triptych series highlights a powerful moment of unity we shared. \n“The events that happened (and continue to happen) in May of 2021 sparked mass protests all around the world. At the time I was living in Istanbul and although in Turkey we were under a strict lockdown due to Covid-19\, people showed up in front of the occupation consulate in the thousands\, every day\, for multiple days. What made this event special is the overwhelming solidarity that was felt throughout: the protests consisted of people from all over\, people gathering to pray for justice\, friends reuniting after months of isolation\, making the Palestinians minority their majority. We were all angry\, tired\, frustrated\, and having been in lockdown for months we were happy to be feeling these emotions together. We were hurting together in a beautiful exercise of solidarity. The most commented photo I captured was this image of Syrian\, Iraqi\, and Palestinian youth holding their flags draped around their shoulders like superheroes. If it was one thing I learned from watching and being part of these events it’s that the injustice faced in Palestine is felt everywhere – and that the Palestinian cause is a global one.“ \nVenetia Menzies (Scotland): I met with Venetia a couple of years ago during an Algerian event in London. Initially\, I planned to present the 21st Bedouin series in Algeria\, however\, due to the current travel restrictions the project has been put on hold. Today\, this works resonates stronger than ever with all the Algerians unable to return home and everyone else in the world restricted to their rights of movement. \nThe photojournalist Venetia Menzies traces the history of migration in Algeria through the lens of a single family’s experience. Beginning in the 1890s with “the story of the 21st Century Bedouin’s” grandmother\, we find each generation shares the experience of migration in some form. In a present time where the mass-movement of people is such a pressing and polarising issue\, 21st-Century Bedouin seeks to remind us of the migration’s legacy in its perpetual history\, its presence everywhere in nature\, and its necessity for survival across human history. \nTilawin Project (Algeria): Tilawin (which means women in Amazigh language) is one of the most ambitious projects that emerged during the lockdown period. Founded by Yasmine Fodil\, this all-female mentoring platform is dedicated to showcasing photography initiatives and talents across the country. By teaming professional- established photographers with amateur-graduate artists\, the project aims to build a common space that contributes to the growth of the women photographers’ scene in Algeria and its Diaspora. Brief about the seven artists-mentees for the project’s pilot: \nSalma Salhi Algiers) \nSalma has been passionate about photography from a young age. It was until during lockdown last year that she took her introductory photography workshop. Red Shoes is part of a storytelling series where the artist narrates her frustration with those everyday objects one had bought before Covid and never used since\, offering a poetic perspective to ‘waiting and transition’. \nYasmine Ouali (Algiers)  \nGraduate from the Fine Arts School of Algiers\, Yasmine currently works in a ceramic studio while developing a more critical eye on my photographic projects. In 2019\, she participated in the Artifariti artistic residency in the refugees’ camp of Western Sahara\, allowing her to focus on documentary photography\, specifically themes of humanitarian journeys. \nYasmine Belkaid (Oran) \nAfter discovering the infamous ‘Madonna of Bentalha’ 90s photography\, Yasmine understood the power of capturing critical live events. The unprecedented presence of women during the Hirak demonstrations inspired her to join the Tilawin project as a statement to reclaim their presence in Algeria’s creative and engaged sphere. \nLoubna Sephora Boghari (Algiers-London)  \nDrawn to cinema from a young age\, Loubna began to have a closer interest in photography when she joined a creative club at university. Currently based in the UK\, the artist aspires to use the medium to connect different angles of story and cultures. \nHiba Zouane (Algiers)  \nHer passion for photography could not materialize until she acquired her first camera. Subsequently\, as a trained autodidact\, she made her first photo series ‚Allegory of Eve‘. Hiba is currently working on a series that documents the life of her relatives who experience loneliness. \nIkram Bouslim (Laghouat)  \nIn her work\, Ikram conveys stories of heritage and traditions; inspired by the scenic landscapes of her hometown. “9 miles” is part of series that explores how the population in remote regions engaged with life during Covid\, depicting a child returning from the only school open in the neighbourhood\, 9 miles away from home. \nWafaa Soltane (Oran)  \nWafaa volunteers for several local charities that helped her to develop social contacts and understand new perspectives of her complex city; namely linked to poverty and resilience. Through her passion for photography\, she captures those critical moments of urban life. She is working on an ongoing project about ’slums in Oran‘. \nToufik Douib is an independent curator and event director. His multidisciplinary practice focuses on the question of Algerian-Maghrebi identities through the lens of its eclectic contemporary art scene. \nFrom 2012 and until 2014\, he was the artistic director for the “London Algerian Ballet”\, a community-led theatrical show\, and then it was in 2015 that he curated his first exhibition ‘Algerianism’. In 2017-18\, Toufik had three distinct collaborations with the P21 Gallery: solo exhibition ‘Dhikr Pictural’\, the series of short movie screening ‘Told Stories’ and critically acclaimed visual group show ‘Pop Art from North Africa’\, which has since also been presented in Spain (2019-2020) Casa Árabe. \nToufik had two collaborations with Shubbak Festival\, UK’s largest festival dedicated to MENA culture. In 2019 he presented ‘Belonging Sideways’\, a multimedia exhibition on the theme of territory and identity\, then this year through ‘Soundclash’ sound and visual performance. \nHis other cultural ventures include the research project “Generation Independence” for Portsmouth University and coordination of ‘DIGI-MENA’ online mapping research platform for Arab digital artists\, for which he has been awarded the AFAC (Arab Fund for Art and Culture) grant in the category Trainings and Regional Events. \n 
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SUMMARY:Prospect Park - Matthias Moravek und Alexander Skorobogatov
DESCRIPTION:Eröffnung am Freitag\, den 2. Juli 2021\, 16–22 Uhr\nAusstellung 3. Juli 2021 – 14. August 2021\, Sommerpause vom 18. Juli – 1. August 2021 \n>> Donnerstag\, 5. August 2021\, ab 18 Uhr: Parklife #SommernachtAxelObiger\n>> Samstag\, 14. August 2021\, ab 18 Uhr: Finissage \nZwei künstlerische Positionen kommen sich ins Gehege. Und zwar im Wortsinn\, denn bereits der Titel verweist auf den Park als Ausstellungsform\, auf eine Kombination aus Aussichten und Blickachsen\, aus Staffelungen und Durchblicken\, auf einen künstlich angelegten Außenraum als Innenraum. Die erste Ausstellung bei Axel Obiger nach der Format der Akutsprechstunde öffnet den Raum wieder in seiner ganzen Tiefe und inszeniert einen visuellen Parcours zwischen Objekt und Farbe\, zwischen Künstlichkeit und Wildnis. Der Begriff Prospekt verweist hier auf die Ansichten und Ebenen eines gemalten Bühnenbildes wie auf das russische Wort für Straßenzug oder Allee gleichermaßen. \nMatthias Moravek (*1976\, lebt und arbeitet in Berlin) setzt sich in seinen oft kulissenhaft gestaffelten Malereien spielerisch mit Inhalt\, Form und Farbe von Räumen und Phänomenen wie Wolken\, Wäldern und Dschungeln auseinander und lotet dabei den weiten Bereich zwischen Abstraktion und Figuration aus. In der Ausstellung zeigt er landschaftlich assoziierte Bildräume\, die zwischen Tiefenräumlichkeit und Fläche hin und her wechseln. Sein Fundus reicht dabei von exotischen Reiselithographien bis hin zu den digitalen Bildräumen der Gegenwart. \nDie Pflanzen-Skulpturen von Alexander Skorobogatov (*1983\, lebt und arbeitet in Berlin) wiederum spielen durch eine spannungsgeladene Balance aus Gegensätzen elementare Aspekte der Bildhauerei durch und bestechen mit ihren Farbkombinationen und ausladenden Gesten\, was sie zu echten Verführe- rinnen macht. Doch auch an ihnen knabbert hier und da die Vergänglichkeit. Skorobogatov geht es dabei keinesfalls darum\, die Natur zu imitieren\, vielmehr handelt es sich um ein Spiel mit Mythen\, um eine originelle Anverwandlung und Transformation eines traditionellen Sujets der Kunstgeschichte in unsere Zeit.
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SUMMARY:Opening A trans feat. Alim Pasht-Han _ yoroi
DESCRIPTION:Opening Friday\, 18.06.2021   7 PM \nExhibition 18.06.2021 – 08.08.2021     Schaufenster 24h \nVitrine U – Kleistpark (U7) in 10783 Berlin \nThe artist is present. \nPlease notice\, we kindly ask you to accept the recent SARS-CoV-2-Infektionsschutzmaßnahmenverordnung of Berlin. \n  \nFor further information: \nFacebook: atransorg \nInstagram: atrans \nhttps://www.pasht-han.com \nInstagram: @alimpashthan \nThe artist Alim Pasht-Han tailors the topic of the Iconic City with a depiction of a suit of armor as an icon\, that at the same time has something iconoclastic about it. \nRepresentations of soldiers\, heroes\, and warriors are evoked. Images of newer omnipresent superheroes or Transformers from contemporary computer games are slipped in. Avatars\, like icons\, exist to be venerated and to create an existential connection between the viewer (or user) and that which is portrayed. One often also uses masks\, shells\, and armor to remain anonymous. \nAlim Pasht-Han explores the Japanese tradition of armor called ō-yoroi. Historians have found parallels between the samurai codex and the traditions of Circassian warriors from his homeland. Despite the relatively light construction of yoroi\, the defensive properties of the armor is highly complex. Most historical martial arts had techniques to defeat an opponent in armor. Armor breaker. These weaponless techniques target breaking the “skeleton” of the armor to unbalance the fighter. \nThe installation is made up of a delicate interplay between attacking\, armor\, defense\, security\, and vulnerability. Alim Pasht-Han’s artificial armor is made out of fragile porcelain. Individual objects\, modules\, handcrafted set pieces\, and industrial prefabricated forms yield an overall artistic composition. The theatrical sacred presentation underlines the character of the glass showcase. \nAlim Pasht-Han engages with sculpture\, installation\, and graphic design and since 2006 has made a number of artworks out of porcelain. He lives and works as an artist in Halle/Saale and Naltschik\, in the Kabardino-Balkarian Republic of the North Caucuses. \nPhoto: Alim Pasht-Han_yoroi © Alim Pasht-Han\, 2021 \n  \nSupported by | Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa
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