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SUMMARY:Opening TALES FROM A THIRD SPACE “Desterritorialización del Poder”
DESCRIPTION:Tales from a THIRD SPACE Chapter 2: versa “Desterritorialización del Poder” \nOpening: June 7\, 2024\, 7 pm\nArtist Talk: June 9\, 2024\, 6.30 pm\nExhibition: June 8 – June 22\, 2024 \nBerlin / Mexico City \nArturo Hernández Alcázar Katya Gardea Browne Sandra Contreras Miguel Ángel Cordera Alejandro Moncada Arturo Ortíz Struck Alejandro Mondría Berlin / Mexico City Arturo Hernández Alcázar / Katya Gardea Browne / Sandra Contreras / Miguel Ángel Cordera / Alejandro Moncada / Arturo Ortíz Struck / Alejandro Mondría \nTALES FROM A THIRD SPACE is an intercultural dialogue between the project spaces El Palmar (Mexico City) and Axel Obiger – space for contemporary art (Berlin)\, intending to enable artists of both places to meet at eye level in a non-commercial environment; to introduce production and living conditions on site and to gain insights into art and culture-related differences\, perspectives\, and perceptions. \nThe project`s main idea is based on the theory of the so-called “Third Space” by theorist Homi K. Bhabha\, meaning that exchange creates a common ideal place in which new content can be developed collaboratively without any hierarchical structure. This place is as dynamic as it is changeable and limited in time. \nTALES FROM A THIRD SPACE is divided into Chapters; It all starts with Chapter 1: vice\, which was combining a 14-day artist residency of six members of Axel Obiger with a presentation and an artist talk at El Palmar Gallery. Chapter 1: vice\, introduced the Berlin based artists into the local art scene of Mexico City. \nChapter2: versa\, “Desterritorialización del Poder”\, aims to create a critical narrative of the territory through artistic pieces that individually show sites of atomized power. It builds a narrative that reveals a society beyond what it imagines of itself\, acknowledging its own precarious understandings of gender\, race and class relations and their complicity and involvement (conscious or unconscious) on some questionable power dynamics that unfold everywhere. \nIn Chapter2: versa\, individual stories (TALES) will be traveling from Mexico\, across the Atlantic\, while some are permanently situated in Europe\, the dialog between them will also become a cross point in order to draw a direct link to Berlin as a city of immigration with its countless memories and power histories\, they are all including their individual narratives and projections connected to Mexico and else where\, not only to the power dynamic of a space of a territory but to its relationship to associate to time and its limits to the medium as actual. The show at Axel Obiger Gallery in Berlin will be containing these imported narratives and memories in order to bring all aspects together\, both historical and fictional. \nChapter2: versa\, will feature works by Mexican Artists: Arturo Hernández Alcázar\, Katya Gardea Browne\, Sandra Contreras\, Miguel Ángel Cordera\, Alejandro Moncada\, Arturo Ortíz Struck\, Alejandro Mondría. They will all show selected works\, part of them being site specific\, realized during their stay in Berlin\, Germany. \nVenue: Axel Obiger\, Brunnenstr. 29\, 10119 Berlin\, Th – Sa 3–7 pm and by appointment I www.axelobiger.com
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SUMMARY:CREATURES IN CRITICAL ZONES - Nathalie Grenzhaeuser / Stefanie Zoche
DESCRIPTION:CREATURES IN CRITICAL ZONES\nNathalie Grenzhaeuser I Stefanie Zoche \nAusstellungsdauer\n27.1.24 – 17.2.2024 \nEröffnung am Freitag\, den 26. Januar 2024\, 19 – 22 Uhr \nRahmenprogramm\n9. Februar 2024 partizipative Sound-Performance Circuit for Sea von Sebastian Giussani und Daniel Mohr (München)\, 19- 22 Uhr \n17. Februar 2024 Künstlerinnen-Gespräch mit der Kuratorin Dr. Jule Reuter (Berlin)\, 19 Uhr \n  \nCreatures in Critical Zones \nNathalie Grenzhaeuser und Stefanie Zoche arbeiten in einem interdisziplinären Feld zwischen Kunst und Wissenschaft\, wobei sie sich auf sehr unterschiedliche Weise mit der Beziehung des Menschen zur Natur im Zeitalter des Anthropozäns auseinandersetzen. Beide waren 2006 in der Ausstellung „Gletscherdämmerung“ vertreten\, der ersten Kunstausstellung zum Klimawandel im deutschsprachigen Raum (ERES Stiftung München). Seitdem haben sie mehrmals zusammen ausgestellt\, zuletzt im MaximilliansForum München\, für das sie ihre erste solo Ausstellung „Tales of Water and Sand“ konzipiert haben. \n„Creatures in Critical Zones“ ist ihre zweite gemeinsame Ausstellung\, in der sie sich mit dem maritimen Ökosystem und unterschiedlichen Meeresbewohnern befassen. \nNathalie Grenzhaeusers Fotografien und Videoarbeiten entstehen seit 2015 auf wissenschaftlichen Forschungsstationen. Zwischen 2018 und 2021 hat sie in Karelien\, Russland am weißen Meer Meeresbiologen bei ihren Forschungsroutinen begleitet und sich mit der Morphologie wirbelloser Meerestiere und deren Lebenszyklen auseinandergesetzt. Ein weiterer Aspekt ihrer Arbeit widmet sich den Räumen wissenschaftlicher Präsentation\, Aufbewahrung und Forschung\, wie das Zoologische Museum in Sankt Petersburg\, ein naturkundliches Museum\, das sie oft besucht hat. In einem mehrmonatigen Prozess hat sie aus dem fotografischen Material des Museums neue Räume entwickelt\, die von den „Carceri“ Giovanni Batista Piranesis inspiriert sind. Die entstandenen Bilder verbinden die museale Architektur mit dem Meeresraum und werden von Grenzhaeuser auch „Tales of Water“ genannt. Sie erinnern an Traumsequenzen\, die den Betrachtenden einen mehrdeutigen\, assoziativen Raum eröffnen\, in dem das Verhältnis zwischen Natur und Kultur ausgelotet wird\, die sich aber dennoch einer eindeutigen Lesbarkeit entziehen. \nStefanie Zoche beschäftigt sich seit vielen Jahren nahezu ausschließlich mit ökologischen Fragestellungen. Neben der Klimakrise und dem Umgang mit Ressourcen – insbesondere dem schwindenden Rohstoff Sand – liegt ihr Fokus aktuell auf ozeanischen Ökosystemen.\nFür ihre Arbeit „Heliodiscus und andere Akteure“ hat sie phototaktische Mikroalgen zum Akteur\, zum Zeichner von Bildern gemacht: Sie platzierte Petrischalen mit phototaktischen Algen auf Leuchtkästen\, auf denen Mikroskopieaufnahmen von Kieselalgen lagen. Um Fotosynthese zu betreiben\, schwammen die Algen zu den hellen Stellen der Vorlagen und bildeten so die Formen der Kieselalgen durch ihr Wachstum nach. Diese Bilder verdichtete die Künstlerin zu einer fotografischen Gesamtkomposition. Außerdem zeigt Stefanie Zoche neue Arbeiten\, die sie während einer Künstlerresidenz im Herbst 2023 auf Island entwickelt hat\, wie „Unspecified Critters in the Critical Zone“\, eine skulpturale Installation aus Braunalgen\, und die Videoarbeit „Requiem“. \nIm Ausstellungsraum treten die Fotografien\, Videoarbeiten und Skulpturen der beiden Künstlerinnen in einen unmittelbaren Dialog zueinander\, der eine vielschichtige Reflexion über das komplexe Verhältnis des Menschen zur Natur entstehen lässt.
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LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
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SUMMARY:Opening -> CREATURES IN CRITICAL ZONES - Nathalie Grenzhaeuser I Stefanie Zoche
DESCRIPTION:CREATURES IN CRITICAL ZONES\nNathalie Grenzhaeuser I Stefanie Zoche \nAusstellung: 27.01.24 – 17.02.2024\nEröffnung\, Freitag 26. Januar 2024\, 19 – 22 Uhr \nNathalie Grenzhaeuser and Stefanie Zoche work in an interdisciplinary field between art and science and explore our relation to nature in the age of the Anthropocene in very different ways. Creatures in Critical Zones is their second joint exhibition. Their photographs\, video works and sculptures\, which deal with the maritime ecosystem and various sea creatures\, enter into a direct dialogue with each other in the exhibition space. The result is a multi-layered reflection on the complex relationship between humans and nature. \nNathalie Grenzhaeuser und Stefanie Zoche arbeiten in einem interdisziplinären Feld zwischen Kunst und Wissenschaft und befassen sich auf sehr unterschiedliche Weise mit der Natur im Zeitalter des Anthropozäns. Creatures in Critical Zones ist ihre zweite gemeinsame Ausstellung. Ihre Fotografien\, Videoarbeiten und Skulpturen\, die sich mit dem maritimen Ökosystem und unterschiedlichen Meeresbewohnern beschäftigen\, treten im Ausstellungsraum in einen unmittelbaren Dialog zueinander. Es entsteht eine vielschichtige Reflexion über das komplexe Verhältnis des Menschen zur Natur.
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SUMMARY:polished / RAW
DESCRIPTION:A groupshow with artists from Luxembourg and Berlin \nHilbertRaum\nwww.hilbertraum.org \n24 February to 5 March 2023\nOpening Reception Friday 24.2 from 18 to 22 Uhr \nArtist talk with Neckel Scholtus Saturday 4.3 from 17 to 18 Uhr \nIvana Cekovic\, Frederic Spreckelmeyer\, Franck Miltgen\, Tobias Sternberg\, Neckel Scholtus\, Nat Tafelmacher-Magnat\, Philip Topolovac. \nPolished/Raw brings together three artists from Luxembourg with four from Berlin\, all advancing material strategies of representing nature and artificiality in human culture. The group show is part of an exchange between HilbertRaum and Musel Link and is curated by Tobias Sternberg and Ivana Cekovic\, who invited the participants from Luxembourg. In Cekovic’s preceding project Agenda 22/XXI – Extracts from intimate diaries of the 21st century at Gallery CAW in Walferdange\, Luxembourg\, the invited artists were asked to condense their impressions of the already lived first part of the 21st Century in extremely small artworks. By confronting such a large theme with the miniature format\, Cekovic forced the viewers to observe closely which led them to immerse themselves in an intimate moment of perception. \nTaking over the baton from Luxembourg and considering how to formulate the next part of the project\, Sternberg focused on the strategies of presenting materiality which could be perceived in the artistic positions. With technology and material knowledge more easily available to the artists of the 21st Century than to any generation before\, could it be that the poetic truth of our times is most easily spotted in those micro choices about varnishes\, hardeners\, alloys\, cutters and mounts made in the artists studio? Or about color ranges\, depth of field\, motion blur and shutter priority in the case of a photographer? \nThe access to a seemingly endless array of options and materials can seduce us to believe perfection is possible\, but this is an illusion. A speck of dust will always fall on the hyper glossy epoxy before it hardens\, the best of lenses produce chromatic aberrations under weak light\, and the CNC-cut edges are only smooth as long as you don’t look close enough. Plastic dries out and crumbles\, coats and varnishes scratch and even titanium will eventually corrode. Knowing this\, many artists forego permanence and cause the breaks and blisters themselves. Is this dilemma not a telling metaphor for our current times – so vastly able and yet so miserably failing? \nBoth Franck Miltgen visiting from Luxembourg and Philip Topolovac here in Berlin carefully recreates\, highlights and preserves totally banal everyday surfaces – in their Extrusions and Mappings series respectively – using unreasonable amounts of effort and resources to turn a bit of ground or a painted wall into museum worthy objects. By someone lacking in understanding it could almost be confused with a misplacement of resources and labor. \n\n  \nMiltgen also creates from scratch\, smoothly shaped crumbled entities in metal and paint\, here matched by Frederic Spreckelmeyer’s faux high-tech compositions in color and material\, evoking an era neither past nor future but definitely imagined. Equally utopian are Ivana Cekovic’s sculptural gems floating freely in the air\, spinning gently around their own axis inside the universe of their own macro projection calling for us all to get in closer. This tension between utopian and dystopian visions\, between constructed and broken\, between polished and raw\, pops up again and again in the work of the invited artists. \nNeckel Scholtus \nAnd it is captured as well by the astute lens of Luxembourg photographer Neckel Scholtus\, allowing us to see it from the sidelines as if we were simply passing by\, not involved and definitely not invested. Yet the formal composition of her images makes us suspect that they could all be highly staged. Berlin based filmmaker Nat Tafelmacher-Magnat takes this staging to absurd heights\, by deconstructing the camera itself\, tinkering her own image making devices and allowing abstract film landscapes to emerge seemingly beyond her control but clearly within her plans. In this she is almost the conceptual mirroring or opposite of Spreckelmeyer whose nonfunctional constructions looks so highly intentional. \nAvec le soutien de Kultur | lx – Arts Council Luxembourg \nMit freundlicher Unterstützung der Botschaft des Großherzogtums Luxemburg in Deutschland
URL:https://www.projektraeume-berlin.net/termin/polished-raw/
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SUMMARY:ZIMMER frei - Jetzt buchen!
DESCRIPTION:ZIMMER frei\n11 Künstler*innen – 11 Zimmer (EZ & DZ) \nEröffnung am Freitag\, den 20. Januar 2023 ab 18 Uhr / Performance: Geranium Blonde spielt Lounge-Musik\n21. Januar – 18. Februar 2023 \nbetreute Gruppenreiseführungen am 28.01. und 11.02.2023\, 18–19 Uhr\nund individuelle Beratung zu den Rezeptionszeiten \nVom 20. Januar bis zum 18. Februar 2023 verwandelt sich Axel Obiger in ein Hotel der besonderen Art. Zur Auswahl stehen elf individuell gestaltete Hotelzimmer\, die von elf KünstlerInnen des Projektraumes konzipiert wurden. Unser Concierge Stefano Gualdi empfängt Interessierte zu den Rezeptionszeiten vor Ort. Er berät Dich bei Deiner Reise- und Raum-Entscheidung und nimmt Dich mit auf einen phantastischen und klimaneutralen Kulturtrip. Bei dem kollaborativen und performativen Projekt verschränken sich Ausstellungs- und Hotelraum\, realer und fiktiver sowie privater und öffentlicher Ort.\nSei bereit für eine Reise in 11 Dimensionen! Für welches Zimmer wirst Du Dich entscheiden? \nJetzt buchen\, oder zur feierlichen Einweihung am 20.01.2023 kommen!
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LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
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SUMMARY:OPEN END - Petra Karadimas / Gabriele Künne
DESCRIPTION:Eröffnung am Freitag\, den 23. September 2022 ab 18 Uhr\n Ausstellung: 24. September – 22. Oktober 2022 \nAmbient Event am Donnersatg\, den 6. Oktober ab 19 Uhr\n„Music With An Open End„ mit Left Winter (Manchester/Berlin)\nzur 150. Axel Obiger Ausstellung ! \nAusstellungsführungen am 30.09. und 14.10.2022\, 18–19 Uhr \nPetra Karadimas und Gabriele Künne befragen mithilfe ihrer jeweiligen Medien eine Wahrnehmung\, die auf scheinbar beiläufig gefundenen Stadtszenarien beruht\, von Details in urbaner Umgebung ausgeht sowie die Natur- und Landschaftsfragmente in den Zwischenräumen der Stadt thematisiert. \nBaustellen\, Brachen und transitorische Räume stehen in Petra Karadimas´ Fotografien im Zentrum der Auseinandersetzung. Hier finden urbane Strukturen flächig zusammen\, überlagern und durchkreuzen einander. Die Bilder erscheinen flüchtig\, teils unspektakulär und brechen doch gezielt mit Konventionen und Sehgewohnheiten. Oft erschließen sie sich erst auf den zweiten Blick. \nFür Gabriele Künne spielen Objekte und Objektsysteme\, deren unbestimmte und unbestimmbare Formen sich aus urbanem Erleben entwickeln\, eine wesentliche Rolle. Im Spannungsfeld von naturhaften und technoid-architektonischen Elementen eröffnen sich dem Betrachter vielfältige Assoziationsmöglichkeiten. Ausgewalzte Flächen aus keramischer Masse werden gefaltet\, geworfen\, geschlagen und an die Grenzen ihrer konstruktiven Möglichkeiten gebracht. \nDie beiden Künstlerinnen teilen einen ähnlich offenen Arbeitsansatz\, der die Bedingungen des jeweiligen Mediums immer mitdenkt und als eigentlichen Ausgangspunkt versteht. Jenseits des Nützlichen oder Pittoresken geben die so entstehenden Arbeiten spielerisch Auskunft über die Prozesse und Möglichkeiten ihrer Entstehung. Der vorangegangene Dialog wird als Präsentationsform mit einbezogen ohne die Autonomie der Kunstwerke zu verletzen. \nPetra Karadimas studierte Bildende Kunst am Hunter College of the City University of New York (M.F.A. 1995). Neben ihrer künstlerischen Tätigkeit war sie u.a als Gast Dozentin am ICP in New York tätig und hat einige Jahre den Projektraum berg19 raum für fotografie in Berlin Mitte geleitet. Sie hat zahlreiche Stipendien erhalten\, zuletzt ein Förderstipendium der Stiftung Kunstfonds Bonn. Sie lebt seit 1997 in Berlin. \nGabriele Künne studierte Freie Kunst an der Hochschule der Künste Berlin (heute Universität der Künste Berlin) und am Royal College of Art London und schloss 1998 mit der Ernennung zur Meisterschülerin ab. Seit 2012 ist sie als Mitglied bei Axel Obiger auch kuratorisch tätig\, zuletzt bei „Amorph“ in der Galerie im Saalbau\, Neukölln (2020) sowie bei „Geduld des Papiers“ in der PAPER gallery Manchester (2022). Sie lebt und arbeitet seit 1988 in B
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SUMMARY:Body Languages of Art – die Wahrnehmung von Kunst als körperliches Phänomen. Vortrag von Prof. Dr. Markus Schrenk
DESCRIPTION:Donnerstag\, den 1. September\, 19 Uhr. Vortrag von Prof. Dr. Markus Schrenk zur propriozeptiven Kunstrezeption mit anschließender Diskussion\, unter Einbezug der Ausstellung CONSTELLAR von Susanne Britz und Maja Rohwetter. \nPropriozeption (engl. Proprioception) ist die unbewusste Wahrnehmung der eigenen Bewegung\, Stellung\, Spannung\, Haltung des eigenen Körpers und seiner Lage im Raum. Sie wird auch als der 6. Sinn des Menschen bezeichnet. \nViele Kunstwerke sind vorwiegend visueller oder auditiver Natur. Einige Kunstwerke (wie z.B.Happenings\, Fluxus\, Performances) beziehen auch die Körperlichkeit des Publikums entscheidend mit ein und provozieren bewusst die Wahrnehmung des eigenen Körpers\, d. h. die Propriozeption und Interozeption der Kunst-Rezipient:innen:\nDiese Werke haben verstärkt die Wahrnehmung der eigenen Körperbewegung\, der Position im Raum\, des Gleichgewichts\, der Muskelspannung\, des Schmerzes\, der Temperatur\, des Energie- und Stressniveaus usw. zum Inhalt.\nWie propriozeptiv sind Susanne Britz‘ und Maja Rohwetters Werke? Finden wir in der Ausstellung CONSTELLAR neben dem rein visuellen Zugang auch einen interozeptiven zu den Installationen und Bildern? \nProf. Dr. Markus Schrenk lehrt an der Heinriich-Heine-Universität Düsseldorf.\nSeine Lehr- und Forschungsschwerpunkte liegen in der Metaphysik\, speziell in der Metaphysik der (Natur-)Wissenschaften und in der Wissenschafts- und Sprachphilosophie. Er hat zahlreiche Bücher und Aufsätze veröffentlicht (Metaphysics of Science\, Routledge 2016 / Handbuch Metaphysik\, Metzler 2017/ Naturgesetze\, De Gruyter 2020; mit Siegfried Jaag).\nSein jüngstes Projekt beschäftigt sich mit einem kunstphilosophischem Thema: Was ist propriozeptive Kunst?\nMit dem Wissenschaftskommunikations-Projekt denXte gewann er 2022 zusammen mit seinem Team den Communicator-Preis der Deutschen Forschungsgemeinschaft (DFG) und des Stifterverbandes. \nAufgrund der begrenzten Teilnahme wird um Anmeldung gebeten. Die Teilnahme ist kostenlos.
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SUMMARY:CONSTELLAR - Susanne Britz und Maja Rohwetter
DESCRIPTION:Ausstellung 20. August 2022 – 17. September 2022\n​\nDonnerstag\, den 1. September\, 19 Uhr\n„Body Languages of Art – die Wahrnehmung von Kunst als körperliches Phänomen“. Vortrag von Prof. Dr. Markus Schrenk zur propriozeptiven Kunstrezeption mit anschließender Diskussion. \nAusstellungsführungen am 27.08. und 10.09.2022\, 18–19 Uhr \n​Die Auseinandersetzung mit einer von Material überformten Gegenwart ist bei Susanne Britz und Maja Rohwetter Ausgangspunkt für eine prozesshafte Untersuchung\, welche die permanente Transformation zwischen analogen und digitalen\, zweidimensionalen und dreidimensionalen\, gegenständlichen wie abstrakten Bildwelten in den Blick nimmt. \nSusanne Britz überführt\, ausgehend von einem performativen Konzept der Zeichnung\, gerüsthafte Installationen von Alltagsgegenständen in Fotografien. Diese werden zur Folie für digitale Überzeichnungen\, die anschließend als Pigmentdrucke ausgeplottet und installativ präsentiert werden.\nIhre formelhafte Bildsprache verbindet heterogene Medien und Gegenstände unterschiedlichster Herkunft zu surrealen\, häufig bühnenhaft anmutenden Raumcollagen\, die als fragile und ergebnisoffene Versuchsanordnungen interpretierbar sind. \nAuch für Maja Rohwetter ist die Collage zentrales Bauprinzip ihrer malerischen Bildwelten. Hierbei überlagern sich verschiedene Medien und Entstehungszustände und das Bildmaterial durchläuft einen Medientransfer zwischen malerischem Fundstück\, Fotografie\, 3D-Modell und Print.\nIllusion wird zeitgleich behauptet und negiert\, indem Entstehung sichtbar und gleichzeitig infrage gestellt wird. Ihre kosmischen Komposition wirken instabil und energiegeladen. Bildelemente erscheinen eher wie Zustandsformen denn als feste Bildgefüge. \nDurch das Zusammenfügen und Kontrastieren verschiedener Darstellungs- als auch Bedeutungsebenen wird das Verhältnis zwischen Malerei\, Installation und Zeichnung als freiem Gestus und einer Form von Weltaneignung neu ausgelotet. \nSusanne Britz studierte Bildende Kunst\, Philosophie und Chemie von 1995 bis 2002 an der Johannes Gutenberg-Universität Mainz mit einem anschließenden Vertiefungsstudium für Fotografie. Sie erhielt zahlreiche Stipendien für ihre medienübergreifende Arbeit (u.a. Künstlerhaus Schloss Balmoral\, Schloss Wiepersdorf\, Künstlerdorf Schöppingen) und bedeutende Auszeichnungen (z.B. Kunstpreis junger westen\, Losito Kunstpreis). Susanne Britz lebt und arbeitet seit 2005 in Berlin. \nMaja Rohwetter studierte Bildende Kunst an der Hochschule der Künste Berlin und am Royal College of Fine Arts\, Stockholm. Neben ihrer Malerei unterrichtet sie Mediendesign und Medientheorie und war guest lecturer u. a. An der HS Wismar und der Arctic University Tromsö. Ihre künstlerische Forschung an einem Bildbegriff\, der Seherfahrungen in Virtualität und Realität gleichermaßen einschließt\, konnte sie zuletzt mit einer Förderung des Bundesministeriums für Kultur und Medien vertiefen. Sie lebt seit 1995 in Berlin und ist seit 2011 Mitbetreiberin von Axel Obiger. \n 
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CATEGORIES:Ausstellung,Digital Art,Fotografie,Installation,Malerei,Rauminstallation
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SUMMARY:KINGSIZE Maslowski|Grenzhaeuser
DESCRIPTION:Eröffnung am Freitag\, den 3. Juni 2022\, 18–22 Uhr \nAusstellung 4. Juni 2022 – 2. Juli 2022 \nFROM THE ATHEN STORIES Maslowski|Grenzhaeuser\, Filmscreening am Freitag\, den 17.Juni\, ab 19 Uhr \nMaslowskiIGrenzhaeuser \n(English text below) \nIn ihrer gemeinsamen künstlerischen Arbeit setzen sich Minka Maslowski und Nathalie Grenzhaeuser mit Fragen zur menschlichen Identität und den kulturellen Rollenzuweisungen auseinander. Teil ihres Arbeitsprozesses ist es\, ihre Bilder selbst zu bespielen. MaslowskiIGrenzhaeuser treten dabei in unterschiedlichen Paarkonstellationen auf und agieren zugleich vor- als auch hinter der Kamera. Während dieser intensiven\, intim- performativen Sessions entstehen ihre Einzelbilder und mehrteiligen fotografischen als auch filmischen Sequenzen.\nBlitzlichtartig reißen sie dabei Szenen fiktiver Biografien auf. Daraufhin findet allerdings weder eine Ausformulierung statt\, noch wird eine Verortung preisgegeben; beleuchtet werden vielmehr die unterschiedlichen Facetten eines möglichen Seins. Die Künstlerinnen bezeichnen diese bruchstückhaften Erzählungen als „broken stories“. Als BetrachterIn kann man sich dabei als MitwisserIn zwischenmenschlicher Begegnungen erleben\, – dabei wird spürbar\, dass auch das Spiel mit der Zeugenschaft Dritter in den Arbeiten von MaslowskiIGrenzhaeuser wesentlich ist.\nMaslowskiIGrenzhaeuser studierten von 1991 bis 1997 an der Hochschule für Bildende Künste\, Städelschule\, Frankfurt am Main. Minka Maslowski bei Jörg Immendorf und Christa Näher. Nathalie Grenzhaeuser bei Hermann Nitsch. Gemeinsam schlossen sie als Meisterschülerinnen an der Hochschule ab und erhielten seitdem mehrere Stipendien\, 2000 von der Hessischen Kulturstiftung\, in deren Sammlung sie vertreten sind. Ihre fotografischen Performances sind Gegenstand regelmäßiger Ausstellungen. MaslowskiIGrenzhaeuser leben und arbeiten in Berlin und Frankfurt am Main. \nEnglish text \nMaslowskiIGrenzhaeuser has been an artist duo since 1993. In the course of their collaboration\, a comprehensive work of fictional stories has emerged in which they are always the protagonists. Their photographic and cinematic sketches are inspired by very different social spheres\, cultures and genres. Minka Maslowski (*1967) studied art with Jörg Immendorf and Christa Näher\, 1991-97. Nathalie Grenzhaeuser (*1969 ) studied interdisciplinary art with Hermann Nitsch\, 1991-1997. They received their Meisterschüler at Hochschule für Bildende Künste\, Städelschule\, Frankfurt a.M.\, and a stipend from the Hessische Kulturstiftung\, in whose collection they are represented. MaslowskiIGrenzhaeuser live and work in Berlin and Frankfurt am Main. \nKontakt: maslowski-grenzhaeuser@gmx.de\, http://maslowski-grenzhaeuser.de\, Axel Obiger\, Berline
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CATEGORIES:Audio-visual installation,Ausstellung
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SUMMARY:Unfolding
DESCRIPTION:Unfolding \nEli Cornejo and Marcos Mangani \nEröffnung: Freitag\, 06.05. 2022\, 18-22 h \n06.05 – 15.05.2022 \n  \nDas Spiel \nBDSM als\nWeg der Befreiung.\nStatt zu verstecken\, sich entfalten.\nDas Studio als Bühne.\nRaum um sich im\nVertrauen ganz hinzugeben.\nWir kreieren zusammen das Drehbuch.\nEine Art Symbiose wird gebildet.\nStatt ungestillten Sehnsüchte\, gelebte Fantasie.\nNeckend\, verspielt und nahezu unschuldig.\nStimulation der Sinne.\nProvokation des Geistes.\nIn Ehrlichkeit und\nAuthentizität.\nKommunikation auf allen Ebenen.\nWir dürfen sein.\nEinfach frei.\nFrei von Einschränkung.\nVerliere die Kontrolle\, ich halte Dich. \nLass Dich verführen\, in aufrechter Führung.\nSei angenommen\, niemand verurteilt Dich.\nZeige Dich mir in all deiner\nVielfalt.\nDenn du bist wunderschön. \nVerfasst von einer Domina aus Berlin © \n– \nHilbert Raum präsentiert Unfolding\, eine Duo-Ausstellung von Marcos Mangani und Eli Cornejo\, die Arbeiten präsentiert\, die Sensibilitäten berühren\, intime Räume öffnen\, mit der Vorstellungskraft spielen und den Besucher einladen\, ihre Grenzen und Strukturen loszulassen.
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CATEGORIES:Ausstellung,Fotografie
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SUMMARY:Tracing Roots
DESCRIPTION:Tracing Roots\nFeriel Bendjama \n08.04. – 17.04.2022 \nOpening: Friday\, 08.04.2022\, 18 – 22 h \nFeriel Bendjama untersucht in Tracing Roots die komplexe Herkunft ihrer Familie\, und den kontinuierlichen Vorgang des Verwurzelns. Die mehrteilig konzipierte Ausstellung vermittelt einen Einblick in das diasporische Leben einer Familie zwischen Algerien\, der DDR und Westdeutschland. \nIm ersten Teil der Ausstellung liegt der Fokus auf alte Familienfotografien. Feriel Bendjama sammelte alte private Polaroids\, fotografierte diese neu\, bearbeitete\, vergrößerte und arrangierte sie in einem neuen Kontext. Die überwiegend aus den 80er-Jahren stammenden Fotografien dokumentieren ein Leben zwischen drei Welten. Aufnahmen in Farbe zeigen typische Alltagsszenen wie Familientreffen\, Feste\, Ausflüge und Kinder. Die Fotos thematisieren Aspekte des Erinnerns\, nostalgische Empfindungen und sind ein Abbild von gelebter kultureller Diversität. \nDer zweite Teil widmet sich Landschaftsfotografien und flüchtigen Momentaufnahmen aus Algerien\, welche Feriel Bendjama während Ihrer Reisen aufnahm. Bendjama fotografierte im Vorbeifahren vom Auto aus\, die Landschaften\, die an ihr vorbeirauschten. Die Fotografien reflektieren die Fluidität des Verwurzelns. \nFeriel Bendjamas Arbeiten behandeln verschiedene Fragestellungen wie die Wahrnehmung hybrider Identitäten\, die Fragilität zwischenmenschlicher Beziehungen und die eigene Definition von Zugehörigkeit. \nFeriel Bendjamas wurde 1980 nahe Dresden geboren. Sie ist zwischen Offenbach am Main und Algerien aufgewachsen und lebt seit 2003 in Berlin. Aktuelle Themenschwerpunkte ihrer Foto- und Videoarbeiten sind kulturelle und religiöse Identitäten. \nFeriel Bendjama examines in Tracing Roots the complex origins of her family and the ongoing process of rooting. The multi-part exhibition provides an insight into the diasporic life of a family between Algeria\, the GDR and West Germany. \nThe first part of the exhibition focuses on old family photographs. Feriel Bendjama collected old private Polaroids\, re-photographed them\, edited them\, enlarged them and arranged them in a new context. The photographs\, most of which date from the 1980s\, document life between three worlds. Color shots show typical everyday scenes such as family reunions\, parties\, trips and children. The photos address aspects of remembering\, nostalgic feelings and are an image of lived cultural diversity. \nThe second part is dedicated to landscape photographs and fleeting snapshots from Algeria\, which Feriel Bendjama photographed during her travels. Bendjama photographed the landscapes that rushed past her from the car as she drove past. The photographs reflect the fluidity of rooting. \nFeriel Bendjama’s works deal with various issues such as the perception of hybrid identities\, the fragility of interpersonal relationships and one’s own definition of belonging. \nFeriel Bendjamas was born near Dresden in 1980. She grew up between Offenbach am Main and Algeria and has lived in Berlin since 2003. Current focal points of her photo and video works are cultural and religious identities. \nOpening times \nOpening Friday: 08.04.2022\, 18 – 22 h\nOther Friday: 16 – 19 h\nSaturdays & Sundays: 14 – 19 h \nAddress \nHilbertraum\nReuterstr. 31\n12047 Berlin-Neukölln \nNearest Subway: U7 & U8 Hermannplatz \nwww.hilbertraum.org \n  \n 
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CATEGORIES:Ausstellung,Fotografie,Vernissage
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SUMMARY:Dreieck
DESCRIPTION:Dreieck\nwith Delfina Carmona\, Justina Leston and Lucía Szych \n05.11.2021 – 07.11.2021\nOpening: Friday 05.11.2021 18h to 22h \nPerformances – Special Events: \nFriday 05.11: 18 h\nOpening: DJ set by Blume \nSaturday 06.11: 19 h\nLive Music Un Fantasma Feliz \nSunday 07.11: 19 h\nFinissage: Live Music John Babylon \nOpening times:\nFriday 05.11.2021 17h to 21h\nSaturday 06.11.2021 14h to 19h\nSunday 07.11.2021 14h to 19h \nThree points as part of three convergent lines\, these are the minimum amount of elements for the creation of a distinguishable area.\nThis exhibition suggests a subjective cutting through time and space of the work of three Argentine artists\, whose paths intersect at the city of Berlin. Here they find and observe each other\, they study their ways\,techniques and their relationship. As a result they offer us a universe of reinterpretations. Their work accounts for the forces of the collective\, for the importance of one Other\, who would help us rediscover and thus resignify ourselves. Always.\nBecause there are no isolated points in space\, but an infinite network of relationships. And from each encounter results a possibility of new hybrids that refuse to be crystalized in a permanent form.\nThis dialogue is ephemeral. It offers us a moment of pause and observation.The gestures of the artists converse and contribute to trace new forms\, which were not visible nor possible until then. The microcosmos created by the images of Carmona\, Leston and Szych combines the rigurosity of shapes with the fragility of time.\nDreieck is an ode to geometry and its many times ignored underlying sensitivity. \nCuratorial text by Florencia Giudici \nParticipating Artists: \nDelfina Carmona www.instagram.com/delfinacarmona – delficarmona.com \nDigital Photographer\, Art Director and Content Creator from Buenos Aires\, Argentina living in Berlin\, Germany. \nWith a background in the world of theater and a career in professional photography she is dedicated to creating scenes to photograph almost daily. Small scenarios and visual performances\, self-portraits\, compositions with objects\, light and shadows\, colors and shapes became a form of expression that synthesizes who she is. \nJustina Leston www.instagram.com/jusleston – www.justinaleston.com \nJustina Leston is a visual artist that works with analog and digital photography. Her work is full of mundane\, absurd and arbitrary things that emphasize error\, humor and beauty. In this opportunity she is presenting Ukrainian urban landscapes\, snapshots of her life in Berlin and a first approach to installation. \nLucía Szych www.instagram.com/lu_s_z/ – luciaszych.com \nVisual artist. Through drawings and installations she tries to grasp the space that surrounds us. Her work predominantly deals with traces\, she is intrigued by capturing minimal moments to reflect on time\, memory and fragility. In a dialogue between what she calls “drawings in the air” and “spaces on paper”\, she explores the interaction between the 2D and the volumetric\, the morphology of abstraction and the confrontation with the unexpected. \nInvited by Eli Cornejo.
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CATEGORIES:Ausstellung,Fotografie,Musik,Vernissage
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SUMMARY:seit wir letztens über zukunft sprachen - Juliane Duda und Hanna-Mari Blencke
DESCRIPTION:Kunstwerk-Namen sind im besten Fall auch Kunst. Beziehungsweise Schall und autonom. So bei Juliane Duda\, deren Titel nicht Bildinhalt und -bedeutung soufflieren. \nNiedrige Beweggründe\, Mac Reality\, Nichts Neues\, unpolitisch relevant und Eigenbedarf heißen ihre neuen fotografische Arbeiten\, in denen\, wie so oft\, gebaute Natürlichkeit schön scheitert. \nIn der Dialog-Ausstellung mit dem Titel (!) seit wir letztens über zukunft sprachen treffen sie auf drei skulpturale Gefüge von Hanna-Mari Blencke\, zu denen einige affirmative Kommentare überliefert sind: \nWenn Hilma af Klints Bilder mit Verkehrsschildern bumsen würden\, gliche der Nachwuchs wohl den Plastiken Blenckes. Die bis zu zwei Meter großen Objekte mit organischer Anmutung postulieren einen eigenweltlichen Konstruktivismus auf Basis farbintensiver Abstraktion. \nDas kuratorische Bauchgefühl verspricht sich Dialog bzw. Konfrontation durch gewisse Ähnlichkeiten im ästhetisierenden Zugang: \nBeider Arbeiten spielen mit Abnormitäten\, gewollten Defekten\, die ein hermetisches Außen provozieren. \nEs geht auch um die Relativierung der Wertigkeit des Moments. \nAb 5.11.2021 bei Axel Obiger.\, \,
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CATEGORIES:Ausstellung,Fotografie,Installation,Skulptur,Vernissage
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SUMMARY:Akutsprechstunde - Visita d’urgenza: Nathalie Grenzhauser
DESCRIPTION:In Betrieb am 19. März 2021\, 16-19 Uhr \nNathalie Grenzhaeuser setzt sich mit den Kriterien auseinander\, die unsere Wahrnehmung von Orten prägen. Ihre Arbeiten zeigen spezifische Landschaften\, Räume und Stadtansichten vor dem Hintergrund ihrer Geschichte und Topografie. Oft sind es Orte in entlegenen Gegenden\, die zum Thema ihrer Arbeit werden. N.G. nutzt analoge und digitale bildnerische Mittel\, um eine Form der poetischen und auch zeitlichen Verdichtung zu erreichen. In ihren Arbeiten konstruiert sie den Betrachter-Standpunkt und das Licht ihres fotografischen Materials neu. In der Malerei ähnlicher Vorgehensweise\, überarbeitet sie die Bildoberflächen\, schichtet und verflechtet mehrere fotografische Aufnahmen\, die perspektivisch und lichtspezifisch leicht divergieren. In diesem langsamen Transformationsprozess generiert der Ursprungsort zur Bildikone. Es entsteht ein neuer assoziativer Raum\, indem Wesen und Essenz der Orte sich mit Bildern aus dem kollektiven und dem persönlichen Bildgedächtnis verbinden. \nAxel Obiger hat ein neues Format : Akutsprechstunde – Visita d’urgenza\nKonkret sieht das neue Format vor\, jeden Freitagnachmittag ein einzelnes Kunstwerk im Schaufenster des Projektraums für einen Diskurs anzubieten\, das dann eine ganze Woche dort hängen wird. Die Freitags-Aktion moderiert ein kompetenter Gesprächspartner\, der über ein Mikrofonsystem mit dem Besucher kommunizieren kann – wie in den Notdienst-Apotheken\, in Krankenhäusern und in anderen Situationen\, in denen physischer Kontakt nicht erlaubt ist.
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LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
CATEGORIES:Audio-visual installation,Ausstellung,Fotografie,partizipatoriches Projekt,Projekt im öffentlichen Raum
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