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SUMMARY:„This is the place you told me about“ kuratiert von Cassandra Mehlhorn
DESCRIPTION:This is the place you told me about \nDana Engfer\, Christoph Kilian\, Lucy König\, Gabriele Künne\, Taiyoh Mori\, Enrico Niemann\, Miriam Salamander\, Fiene Scharp \nKuratiert von Cassandra Mehlhorn \nEröffnung: Freitag\, 12. September 19 Uhr\nLive-Performance 19 Uhr 30 mit Gökçen Dilek Acay & Eunji Lee\n​​\nAusstellung\n13.09. – 11.10.2025\n​\nÖffnungszeiten während der\nBERLIN ART WEEK 10––14 SEP\nFreitag 19-22 Uhr\, Sa – So 15-19 Uhr\n​​\n27. September 16 Uhr\nFührung mit der Kuratorin und Künstler_innen \nPlease scroll down for English version \nDie Gruppenausstellung „This is the place you told me about“ vereint acht künstlerische Positionen\, die sich mit dem Thema Fragilität/Verletzlichkeit als materielles und immaterielles Phänomen auseinandersetzen. Multiperspektivisch und interdisziplinär fangen sie den Moment des Aufeinandertreffen von Innen und Außen ein und visualisieren ihn in einer reduzierten und leisen Sprache. \nDie ausgewählten Kunstwerke erzählen von Schutzräumen\, Schwellen und Zwischenzuständen und markieren physische Grenzen an sensiblen Objekten\, die in einem Wechselspiel von abstrakt und konkret\, von Verstecken und Suchen\, eine Welt von imaginären Begegnungen hervorrufen. \nPräsentiert in unterschiedlichen Disziplinen – von Zeichnung und Malerei bis hin zu Bildhauerei und Installation – können fast alle Kunstwerke als dreidimensionale Werke betrachtet werden\, die sowohl physisch als auch konzeptionell auf ihre Umgebung reagieren. Die Medien Fotografie und Video werden vor allem dokumentarisch eingesetzt und erweitern und reflektieren die Dichotomie von Innen und Außen. \nObwohl sich die einzelnen\, sorgfältig mit Hand gefertigten Kunstwerke in ihrer Vielfalt an Formen und Materialien unterscheiden\, verbindet sie eine gewisse Sprache und Einfachheit. Durch ihre Gegenüberstellung und in einen Dialog zueinander gesetzt offenbaren sie eine unverkennbare Verwandtschaft. \nKuratiert von Cassandra Mehlhorn \nInfo \n \nEnglish \nThe group exhibition „This is the place you told me about“ brings together eight artistic practices that address the theme of fragility/vulnerability as a material and immaterial phenomenon. In multi-perspective and multi-disciplinary ways they capture the moment when inside and outside meet\, and visualize it in a reduced and gentle language. \nThe selected artworks tell about shelters\, thresholds\, and in-between states. They mark physical boundaries on vulnerable objects\, which\, in an interplay between the abstract and the concrete\, between the act of hiding and seeking\, evoke an imaginary world of encounters. \nPresented in a variety of disciplines—from drawing and painting to sculpture and installation—almost all the artworks can be seen as three-dimensional works that respond both physically and conceptually to their surroundings. The medium of photography and video are used primarily in a documentary sense\, expanding and reflecting on the dichotomy of ‘inside’ and ‘outside’. \nEven though all featured meticulously hand-crafted artworks differ in their variety of shapes and materials\, they have a certain visual vocabulary and simplicity in common. Juxtaposed and placed in dialogue\, they reveal an undeniable kinship to each other. \nCurated by Cassandra Mehlhorn \nFoto: Lucy König – Seide\, 2015\, Courtesy of the Artist – Photo: Jakob Adolphi \nAXEL OBIGER – Raum für zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29\, 10119 Berlin Mitte . Th – Sa 3–7 pm and by appointment . axelobiger.com . @axelobiger \n@dana_engfer\n@christoph.kilian\n@lucykonig\n@gabriele.kuenne\n@taiyohmori\n@_enrico__niemann_\n@miriam_salamander\n@fienescharp
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SUMMARY:„This is the place you told me about“ kuratiert von Cassandra Mehlhorn
DESCRIPTION:This is the place you told me about \nDana Engfer\, Christoph Kilian\, Lucy König\, Gabriele Künne\, Taiyoh Mori\, Enrico Niemann\, Miriam Salamander\, Fiene Scharp \nKuratiert von Cassandra Mehlhorn \nEröffnung: Freitag\, 12. September 19 Uhr\nLive-Performance 19 Uhr 30 mit Gökçen Dilek Acay & Eunji Lee\n​​\nAusstellung\n13.09. – 11.10.2025\n​\nÖffnungszeiten während der\nBERLIN ART WEEK 10––14 SEP\nFreitag 19-22 Uhr\, Sa – So 15-19 Uhr\n​​\n27. September 16 Uhr\nFührung mit der Kuratorin und Künstler_innen \nPlease scroll down for English version \nDie Gruppenausstellung „This is the place you told me about“ vereint acht künstlerische Positionen\, die sich mit dem Thema Fragilität/Verletzlichkeit als materielles und immaterielles Phänomen auseinandersetzen. Multiperspektivisch und interdisziplinär fangen sie den Moment des Aufeinandertreffen von Innen und Außen ein und visualisieren ihn in einer reduzierten und leisen Sprache. \nDie ausgewählten Kunstwerke erzählen von Schutzräumen\, Schwellen und Zwischenzuständen und markieren physische Grenzen an sensiblen Objekten\, die in einem Wechselspiel von abstrakt und konkret\, von Verstecken und Suchen\, eine Welt von imaginären Begegnungen hervorrufen. \nPräsentiert in unterschiedlichen Disziplinen – von Zeichnung und Malerei bis hin zu Bildhauerei und Installation – können fast alle Kunstwerke als dreidimensionale Werke betrachtet werden\, die sowohl physisch als auch konzeptionell auf ihre Umgebung reagieren. Die Medien Fotografie und Video werden vor allem dokumentarisch eingesetzt und erweitern und reflektieren die Dichotomie von Innen und Außen. \nObwohl sich die einzelnen\, sorgfältig mit Hand gefertigten Kunstwerke in ihrer Vielfalt an Formen und Materialien unterscheiden\, verbindet sie eine gewisse Sprache und Einfachheit. Durch ihre Gegenüberstellung und in einen Dialog zueinander gesetzt offenbaren sie eine unverkennbare Verwandtschaft. \nKuratiert von Cassandra Mehlhorn \nInfo \n \nEnglish \nThe group exhibition „This is the place you told me about“ brings together eight artistic practices that address the theme of fragility/vulnerability as a material and immaterial phenomenon. In multi-perspective and multi-disciplinary ways they capture the moment when inside and outside meet\, and visualize it in a reduced and gentle language. \nThe selected artworks tell about shelters\, thresholds\, and in-between states. They mark physical boundaries on vulnerable objects\, which\, in an interplay between the abstract and the concrete\, between the act of hiding and seeking\, evoke an imaginary world of encounters. \nPresented in a variety of disciplines—from drawing and painting to sculpture and installation—almost all the artworks can be seen as three-dimensional works that respond both physically and conceptually to their surroundings. The medium of photography and video are used primarily in a documentary sense\, expanding and reflecting on the dichotomy of ‘inside’ and ‘outside’. \nEven though all featured meticulously hand-crafted artworks differ in their variety of shapes and materials\, they have a certain visual vocabulary and simplicity in common. Juxtaposed and placed in dialogue\, they reveal an undeniable kinship to each other. \nCurated by Cassandra Mehlhorn \nFoto: Lucy König – Seide\, 2015\, Courtesy of the Artist – Photo: Jakob Adolphi \nAXEL OBIGER – Raum für zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29\, 10119 Berlin Mitte . Th – Sa 3–7 pm and by appointment . axelobiger.com . @axelobiger \n@dana_engfer\n@christoph.kilian\n@lucykonig\n@gabriele.kuenne\n@taiyohmori\n@_enrico__niemann_\n@miriam_salamander\n@fienescharp
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SUMMARY:A trans feat. Folke Köbberling
DESCRIPTION:BershkaBoohooExpressForever21H&MMangoPrimarkPull&BearUNIQLOZara\n\n\nIn the A TRANS-Vitrine\, a former fashion display case at Bahnhof Zoo station\, artist Folke Köbberling presents handmade wool fleeces on hangers surrounded by sheep’s wool. \nThe brand logos crossed out in the title are to be understood as a visual provocation against the advancing culture of so-called fast fashion. These fashion brands are all represented in the immediate vicinity on Kurfürstendamm: Bershka\, Boohoo\, Express\, Forever 21\, H&M\, Mango\, Primark\, Pull&Bear\, UNIQLO\, Zara. \nFast fashion is based on rapid production cycles\, cheap labor\, high water consumption\, the use of hazardous chemicals\, and the release of microplastics. It is one of the greatest global environmental threats. Like other business models in the clothing industry\, fast fashion also works with advertising promises that imply hope and disappointment and create a dependence on consumption even in children and teenagers. \nIn this context\, Folke Köbberling focuses on sheep’s wool. It is considered a renewable raw material with valuable properties. The wool is washed\, carded\, and further processed. However\, the loss of infrastructure in Europe and the increasing production of synthetic fibers are making its processing increasingly unprofitable. \nKöbberling’s work unfolds as a quiet yet powerful reflection on the use of resources\, the loss of recyclable materials\, and the decline of sustainable production methods. The artist challenges viewers to question this logic. \nFolke Köbberling lives and works in Berlin. She teaches and conducts research at the IAK Institute for Architecture-Related Art at the Technical University of Braunschweig. \nFor further information: \nhttps://www.atrans.org/  |  https://www.folkekoebberling.de \nInstagram: @atrans   |   @folkekoebberling \n  \nWith the support of the Kulturbeirat Charlottenburg-Wilmersdorf“ \n\nCharlottenburg-Wilmersdorf
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LOCATION:Vitrine U-Zoologischer Garten (U9)\, Hardenbergplatz\,\, Berlin\, Berlin\, 10787\, Deutschland
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SUMMARY:Finissage + Event mit Andreas Reihse & Seda Mimaroğlu (Sound & Spoken Word)
DESCRIPTION:Finissage + Event mit Andreas Reihse & Seda Mimaroğlu (Sound & Spoken Word) \n9. Oktober 2025\, 19 Uhr \nThis is the place you told me about\nbis zum 11.10.2025 \nGruppenausstellung mit Dana Engfer\, Christoph Kilian\, Lucy König\, Gabriele Künne\, Taiyoh Mori\, Enrico Niemann\, Miriam Salamander\, Fiene Scharp. Kuratiert von Cassandra Mehlhorn \nPlease scroll down for English version \nİkili sind Seda Mimaroğlu und Andreas Reihse. \nSeit 2016 kollaborieren SEDA MIMAROĞLU und ANDREAS REIHSE. Ihre erste Veröffentlichung war das Album Loose Leaves (Wanda\, 2018)\, auf dem Reihse Gedichte von Mimaroğlu vertonte. Es folgten Performances bei Image Movement\, Hopscotch\, Arkaoda\, Periode und im Morphine Raum\, neben DJ Sets bei Herz\, Rauschgold und Arkaoda. Weitere Stücke erschienen auf Karl Marx’s 200th!\, Multiverse und Tree Aid – Emmauswald bleibt!. Und zu Mimaroğlus Buch Love Songs (Blue Figure Press\, 2021) schrieb Reihse das Nachwort.\nFür die nächsten Monate sind drei Tonträgerveröffentlichungen geplant. \nSEDA MIMAROĞLU ist eine Künstlerin und Dichtern aus Istanbul\, die sowohl mit Text\, Ton als auch Bild arbeitet. Mit einem Hintergrund in Literatur\, Kunstgeschichte\, Rechtswissenschaften und Philosophie entwickelt sie Ausstellungen\, Publikationen und Performances oft in Zusammenarbeit mit anderen Künstler_innen\, Musiker_innen und Forscher_innen. Mimaroğlu betreibt den Projektraum maḳām in Berlin.\n[sedamimaroglu.com] \nANDREAS REIHSE ist ein in Berlin lebender Künstler\, am bekanntesten als (elektronischer) Musiker und Komponist\, sowie als Gründungsmitglied von Kreidler und Periode. Zu seiner künstlerischen Praxis gehört auch Textarbeit\, Design\, Zeichnung\, Film und Kuratieren. Reihse hat mit einer Vielzahl von Musiker_innen\, bildenden Künstler_innen\, Filmemacher_innen\, Autor_innen und Modedesigner_innen zusammengearbeitet – für Filme\, Theaterstücke\, Performances und Installationen. [reihse.de] \n\n\n \nThis is the place you told me about \nDie Gruppenausstellung „This is the place you told me about“ vereint acht künstlerische Positionen\, die sich mit dem Thema Fragilität/Verletzlichkeit als materielles und immaterielles Phänomen auseinandersetzen. Multiperspektivisch und interdisziplinär fangen sie den Moment des Aufeinandertreffen von Innen und Außen ein und visualisieren ihn in einer reduzierten und leisen Sprache. \nDie ausgewählten Kunstwerke erzählen von Schutzräumen\, Schwellen und Zwischenzuständen und markieren physische Grenzen an sensiblen Objekten\, die in einem Wechselspiel von abstrakt und konkret\, von Verstecken und Suchen\, eine Welt von imaginären Begegnungen hervorrufen. \nPräsentiert in unterschiedlichen Disziplinen – von Zeichnung und Malerei bis hin zu Bildhauerei und Installation – können fast alle Kunstwerke als dreidimensionale Werke betrachtet werden\, die sowohl physisch als auch konzeptionell auf ihre Umgebung reagieren. Die Medien Fotografie und Video werden vor allem dokumentarisch eingesetzt und erweitern und reflektieren die Dichotomie von Innen und Außen. \nObwohl sich die einzelnen\, sorgfältig mit Hand gefertigten Kunstwerke in ihrer Vielfalt an Formen und Materialien unterscheiden\, verbindet sie eine gewisse Sprache und Einfachheit. Durch ihre Gegenüberstellung und in einen Dialog zueinander gesetzt offenbaren sie eine unverkennbare Verwandtschaft. \nDana Engfer\, Christoph Kilian\, Lucy König\, Gabriele Künne\, Taiyoh Mori\, Enrico Niemann\, Miriam Salamander\, Fiene Scharp. Kuratiert von Cassandra Mehlhorn \nCVs \nAXEL OBIGER . Raum Für Zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29 . 10119 Berlin Mitte . Do – Sa 15-19 Uhr und nach Vereinbarung . axelobiger.com . @axelobiger \nEnglish \nİkili is the duo of Seda Mimaroğlu and Andreas Reihse. \nMIMAROĞLU and REIHSE have been collaborating since 2016. Their first release was the album Loose Leaves (Wanda\, 2018)\, on which Reihse set Mimaroğlu’s poems to music. This was followed by performances at Image Movement\, Hopscotch\, Arkaoda\, Periode\, and Morphine Raum\, as well as DJ sets at Herz\, Rauschgold and Arkaoda. Further pieces appeared on the compilations Karl Marx’s 200th!\, Multiverse\, and Tree Aid – Emmauswald bleibt!. Reihse also wrote the afterword to Mimaroğlu’s book Love Songs (Blue Figure Press\, 2021).\nThree new releases are planned for the coming months. \nSEDA MIMAROĞLU artist and poet from Istanbul\, works across text\, sound\, and image. With a background in literature\, art history\, law and philosophy\, her exhibitions\, publications\, and performances often emerge in collaboration with other artists\, musicians\, and researchers. She runs the project space Makam in Berlin.\n[sedamimaroglu.com] \nANDREAS REIHSE is an artist living in Berlin\, best known as (electronic) musician and composer\, as well as a founding member of Kreidler and Periode. His artistic practice also encompasses text\, design\, drawing\, film and curating. Reihse has collaborated with a wild range of musicians\, visual artists\, filmmakers\, authors\, and fashion designers on films\, plays\, performances and installations. [reihse.de] \nThis is the place you told me about\n13.09. – 11.10.2025 \nThe group exhibition „This is the place you told me about“ brings together eight artistic practices that address the theme of fragility/vulnerability as a material and immaterial phenomenon. In multi-perspective and multi-disciplinary ways they capture the moment when inside and outside meet\, and visualize it in a reduced and gentle language. \nThe selected artworks tell about shelters\, thresholds\, and in-between states. They mark physical boundaries on vulnerable objects\, which\, in an interplay between the abstract and the concrete\, between the act of hiding and seeking\, evoke an imaginary world of encounters. \nPresented in a variety of disciplines—from drawing and painting to sculpture and installation—almost all the artworks can be seen as three-dimensional works that respond both physically and conceptually to their surroundings. The medium of photography and video are used primarily in a documentary sense\, expanding and reflecting on the dichotomy of ‘inside’ and ‘outside’.\nEven though all featured meticulously hand-crafted artworks differ in their variety of shapes and materials\, they have a certain visual vocabulary and simplicity in common. Juxtaposed and placed in dialogue\, they reveal an undeniable kinship to each other. \nDana Engfer\, Christoph Kilian\, Lucy König\, Gabriele Künne\, Taiyoh Mori\, Enrico Niemann\, Miriam Salamander\, Fiene Scharp. Curated by Cassandra Mehlhorn \nAXEL OBIGER – Raum für zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29\, 10119 Berlin Mitte . Th – Sa 3–7 pm and by appointment . axelobiger.com . @axelobiger
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LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
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SUMMARY:Vernissage Inceptive Spaces - kuratiert von Saeed Foroghi
DESCRIPTION:Inceptive Spaces \nGruppenausstellung von\nAtelierhaus Hobrecht31 \nJakob Argauer / Peter Behrbohm\nThilo Droste / Saeed Foroghi\nKalinka Gieseler / Michael Hauffen\nThomas Hauser / Kathrin Köster\nChristof Kraus / Pia Lanzinger\nAlexander Lieck / Joana Lucas\nPierre-Etienne Morelle / Anton Steenbock\nMarie Strauß / Bettina Wächter \nKuratiert von Saeed Foroghi \nAusstellung\n18. Oktober 2025 – 10. Januar 2026 \nVernissage\nFreitag\, 17. Oktober\, 19 Uhr \nArtist Talk\nFreitag\, 7. November 18 Uhr \nDie Ausstellung Inceptive Spaces richtet den Fokus auf Ateliers als initiierende Räume\, in denen Kunst ihren Anfang nimmt. Hier wirken Künstler:innen wie Seismografen und verarbeiten die Schwingungen der Gesellschaft. Im Gegensatz zu den „exceptive spaces“ – Museen und Galerien als Orte der Präsentation – bleiben diese Entstehungsprozesse meist verborgen\, wie in einer Black Box. Die Ausstellung versucht\, diese Box zu öffnen: Spuren der Produktion treten neben fertige Werke und machen erfahrbar\, dass Kunst nicht plötzlich entsteht\, sondern Zeit\, Raum und Pflege braucht. An Nelson Goodmans Frage „Wann ist Kunst?“ anknüpfend\, wird deutlich: Der entscheidende Moment liegt am Anfang\, im Atelier. Ohne inceptive spaces verkümmern langfristig auch die exceptive spaces. Sie sind das Fundament kulturellen Schaffens – wie Wälder\, die einer Stadt Schatten spenden und ihr dauerhaftes Wachstum sichern. \nEnglish \nThe exhibition Inceptive Spaces focuses on studios as generative spaces where art begins. Here\, artists act like seismographs\, processing the vibrations of society. In contrast to “exceptive spaces” – museums and galleries as sites of presentation – these formative processes usually remain hidden\, like a black box. The exhibition seeks to open this box: traces of production appear alongside finished works\, showing that art does not emerge suddenly but requires time\, space\, and care. Building on Nelson Goodman’s question “When is art?”\, it becomes clear that the decisive moment lies at the beginning\, in the studio. Without inceptive spaces\, exceptive spaces will eventually wither. They are the foundation of cultural creation – like forests that give shade to a city and secure its lasting growth. \nConcept and curation: Saeed Foroghi \nAXEL OBIGER – Raum für zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29\, 10119 Berlin Mitte . Th – Sa 3–7 pm and by appointment . axelobiger.com . @axelobiger
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SUMMARY:Inceptive Spaces - Group exhibition by Atelierhaus Hobrecht31
DESCRIPTION:Inceptive Spaces \nGruppenausstellung von\nAtelierhaus Hobrecht31 \nJakob Argauer / Peter Behrbohm\nThilo Droste / Saeed Foroghi\nKalinka Gieseler / Michael Hauffen\nThomas Hauser / Kathrin Köster\nChristof Kraus / Pia Lanzinger\nAlexander Lieck / Joana Lucas\nPierre-Etienne Morelle / Anton Steenbock\nMarie Strauß / Bettina Wächter \nKuratiert von Saeed Foroghi \nAusstellung\n18. Oktober 2025 – 10. Januar 2026 \nArtist Talk\nFreitag\, 5. Dezember\, 19 Uhr \nInceptive spaces sind initiierende Räume – Ateliers und Studios von Künstler:innen\, in denen Werke entstehen. Hier wirken Künstler:innen wie Seismografen und verarbeiten die Schwingungen der Gesellschaft. Es sind Schutz-\, Experimentier-\, Räsonier-\, Ausdrucks- und Resonanzräume\, in denen Gedanken wie Samenkörner auf fruchtbaren Boden fallen und – wenn gepflegt und gefördert – wie ein Baum Wurzeln schlagen\, wachsen\, sich verästeln und schließlich aufblühen können. Atelierhäuser wie die Hobrechtstraße 31 sind in diesem Sinne Kunstwälder\, die in überhitzten Städten wie Berlin Schatten spenden und zum Verweilen\, Kontemplieren und Hinterfragen einladen. \nIm Gegensatz dazu stehen Ausstellungsräume wie Galerien und Museen – exceptive spaces\, aus dem Alltag herausgehobene Räume der Präsentation und Rezeption. Von den inceptive spaces zu den exceptive spaces ist es meist ein langer Weg. Wie eine Black Box mutet der Übergang von einem Ort zum anderen: verborgen bleibt\, was in den Ateliers geschieht\, wie Gedanken sich formen\, wie Materialien Widerstand leisten und wie aus Versuchen Werke entstehen. \nDie Ausstellung Inceptive Spaces versucht\, diese Black Box zu öffnen und sichtbar zu machen\, was normalerweise unsichtbar bleibt: Prozesse\, Atmosphären und Fragmente\, die den Beginn von Kunst markieren. „Wann ist Kunst?“\, eine modifizierte Version der zentralen Frage „Was ist Kunst?“ des US-amerikanischen Philosophen Nelson Goodman\, macht deutlich\, dass der Kunststatus eines Objekts stark vom Kontext abhängt – meist von Präsentationsräumen. Diese Ausstellung kehrt die Perspektive um: Nicht der Ausstellungsraum\, sondern der Produktionsraum – das Atelier – wird zum entscheidenden Kontext. „Wann ist Kunst?“ – hier lautet die Antwort: am Anfang\, im Entstehungsprozess. Wie ein „Raum im Raum“ treten Produktions- und Präsentationsräume in Dialog. Spuren der Ateliers treten neben fertige Arbeiten und machen erfahrbar\, dass Kunst nicht plötzlich entsteht\, sondern aus Prozessen hervorgeht\, die Zeit\, Raum und Pflege benötigen. Dieser Dialog kann nur gelingen\, wenn beide Räume gleichzeitig existieren. Ohne inceptive spaces wird es langfristig keine exceptive spaces geben. Sie sind die Grundlage dessen\, was wir als Kultur wahrnehmen – doch dafür braucht es Zeit und Raum zum Wachsen. Kunst- und Kulturschaffen ist immer auch Kunst- und Kulturwerden. \nEin Absterben der Anfänge führt unweigerlich zum Verkümmern der Institutionen\, die am Ende Kunst zeigen wollen. Wie in der Natur ist es auch in der Kultur wichtig\, ökologische und ökonomische Nachhaltigkeit zu praktizieren: dem Drang zu widerstehen\, kurzfristige Gewinne über die langfristigen Kosten für die Gesellschaft zu stellen. Denn genauso wie der Klimawandel wird uns sonst der Wandel des gesellschaftlichen Klimas\, den wir bereits spüren\, teuer zu stehen kommen. \nEine Stadt\, die inceptive spaces wie die Hobrechtstraße 31 aufgibt\, entzieht sich selbst den Nährboden und liegt am Ende brach. Wir sollten vermeiden\, die Wälder zu lichten\, weil wir vor lauter Bäumen den Wald nicht mehr zu sehen vermögen. \nSerkan Gören & Saeed Foroghi \nEnglish \nInceptive spaces are generative spaces – artists’ studios and workshops where artworks are created. Here\, artists take on the function of seismographs\, processing the undercurrents running through society. They are spaces for protection\, experimentation\, reasoning\, expression\, and resonance\, where ideas fall like seeds onto fertile ground and – when nurtured and supported – can take root\, grow\, branch out\, and finally blossom. In this sense\, studio buildings such as Hobrechtstraße 31 are like cultural forests\, providing shade in overheated cities such as Berlin and inviting people to linger\, contemplate\, and question. \nIn contrast to this are exhibition spaces such as galleries and museums: exceptive spaces. These are spaces of presentation and reception set apart from everyday life. The pathway from inceptive to exceptive spaces is usually a long one. The transition from one to the other is like a black box\, with everything that happens in the studios remaining hidden from view: how ideas take shape\, how materials push back\, and how artworks emer-ge from experimentation. \nThe exhibition Inceptive Spaces seeks to open this black box and reveal what would otherwise remain invisib-le: processes\, atmospheres\, and fragments that mark the beginnings of art. American philosopher Nelson Goodman’s question “When is art?” – a modified version of the central question “What is art?” – highlights that an object’s status as art depends heavily on context\, most often on the space in which it is presented. This exhibition reverses that perspective. It is not the exhibition space but the production space – the studio – that becomes the decisive context. Here\, the answer to “When is art?” is: at the beginning\, during the creative process. The dialogue between production and presentation spaces creates a space within a space. Traces of the studio appear alongside finished works\, demonstrating that art does not come into existence suddenly but rather emerges from processes that require time\, space\, and care. Such a dialogue can only succeed when both spaces exist simultaneously. In the long run\, there can be no exceptive spaces without inceptive spaces. They are the foundation of what we perceive as culture – which requires time and space to grow. Artistic and cultural creation are inseparable from the process of artistic and cultural development. \nThe erosion of these beginnings inevitably leads to the decline of the institutions that ultimately seek to present art. As in nature\, it is also important in culture to practice ecological and economic sustainability: to resist the urge to prioritize short-term gains over long-term costs to society. For just as climate change will prove costly\, so too will the shift in the social climate – the effects of which we are already beginning to feel – if we fail to act. \nA city that abandons inceptive spaces such as Hobrechtstraße 31 deprives itself of fertile ground and will ulti-mately lie fallow. We should avoid thinning out our cultural forests because we can no longer see the wood for the trees. \nSerkan Gören & Saeed Foroghi \nAXEL OBIGER – Raum für zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29\, 10119 Berlin Mitte . Th – Sa 3–7 pm and by appointment . axelobiger.com . @axelobiger
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SUMMARY:Vernissage "Madness and Practice" Liz Dawson + Lucy Teasdale
DESCRIPTION:Madness and Practice\nLiz Dawson + Lucy Teasdale\nEröffnung: Freitag\, 16. Januar\, 19 Uhr\n17. Januar – 7. Februar 2026 \nIn „Madness and Practice“ eröffnen uns Liz Dawson mit Malerei und Zeichnung und Lucy Teasdale mit ihren Skulpturen einen Raum\, in dem Gesten\, Oberflächen und Fragmente sich ineinander verfalten und auf ihren Ursprung zurückgeworfen werden. Sie erzählen von Beharrlichkeit\, die in minimalen aber bewussten Verschiebungen zu Tage tritt. \nUnd so offenbaren Markierungen\, die zunächst den Eindruck erwecken\, auf die Schnelle gesetzt worden zu sein\, zusammen mit fast nachgiebig wirkenden Formen wie sich unter dem Auge der Sorgfalt das vermeintlich Vergebliche zu etwas atemberaubend Poetischem verwandelt. \nEnglish \nIn Madness and Practice\, Liz Dawson’s paintings and drawings and Lucy Teasdale’s sculptures draw us into a space where gestures\, surfaces\, and fragments fold back onto themselves\, narrating a persistence in small but deliberate shifts. Marks that initially suggest they were quickly made and forms that appear pliable reveal how the seemingly futile can overlap with an attentiveness that is breathtakingly poetic. (Text: Ilyn Wong) \n@lizdawsonberlin\n@lucy_teasdale
URL:https://www.projektraeume-berlin.net/termin/vernissage-madness-and-practice-liz-dawson-lucy-teasdale/
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SUMMARY:Finissage "Madness and Practice" + Artist Talk at Axel Obiger
DESCRIPTION:Madness and Practice\nLiz Dawson + Lucy Teasdale \nSaturday\, Feb 7\, 2026\, from 6 pm\nFinissage + Artist Talk\nIncluding an artist talk at 6.30 pm\, moderated by Ilyn Wong \nThe talk will take place in English\, but questions in German are welcome. Tea and cake will be served \nWith Madness and Practice\, painter Liz Dawson and sculptor Lucy Teasdale present new works that stage a quiet conflict between apparent intuition and rigorous construction. The title suggests a persistence that may register as futile or even obsessive\, but is in fact an unflagging attentiveness to process\, repetition\, and control. Throughout the exhibition\, surfaces and gestures promise immediacy while quietly betraying the labor and artifice beneath them. The works posit that this persistence is not a symptom of irrationality\, but its inverse: practice – understood as sustained\, almost ritualized work undertaken in pursuit of a particular kind of virtuosity. \nText: Ilyn Wong  (You can read the full text on the website)\nPhoto: Hans-Georg Gaul \n@lizdawsonberlin\n@lucy_teasdale\n@ilynw
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SUMMARY:Vernissage "On Terraforming" Andrea J. Grote + Charlotte Bastian
DESCRIPTION:On Terraforming\nAndrea J. Grote + Charlotte Bastian\n14.02.2026 – 14.03.2026 \nEröffnung: Freitag\, 13. Februar\, 2026\, 19 Uhr\nArtist Talk: 14.03.2026\, 18 Uhr\, Andrea J. Grote and Charlotte Bastian \nIn der Ausstellung On Terraforming entwerfen Charlotte Bastian und Andrea J. Grote irritierende Bildwelten\, die Landschaft als vom Menschen tiefgreifend geprägtes und gefährdetes Gefüge zeigen. Ausgehend von der Fotografie entwickeln beide Künstlerinnen unterschiedliche ästhetische Strategien\, um menschliche Eingriffe in die Natur sichtbar zu machen. Bastians Collagen und stereoskopische Montagen verbinden Zeiten und Orte zu paradoxen Landschaftsräumen des Anthropozäns. Grotes Installationen und Fotografien thematisieren die zerstörerische Nutzung alpiner Räume und die Ambivalenz zwischen visueller Verführung und ökologischer Verletzung. \n@andreagrote_kunst  / @charlottebastian_studio \nAXEL OBIGER . Raum Für Zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29 . 10119 Berlin Mitte . Do – Sa 15-19 Uhr und nach Vereinbarung . axelobiger.com . @axelobiger
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SUMMARY:Andrea J. Grote + Charlotte Bastian "On Terraforming"
DESCRIPTION:On Terraforming\nAndrea J. Grote + Charlotte Bastian\n14.02.2026 – 14.03.2026 \nEröffnung: Freitag\, 13.02.2026\, 19 Uhr\nArtist Talk am 14.03.2026\, 18 Uhr\, Andrea J. Grote und Charlotte Bastian\nFinissage: 14.03.2026\, 19 Uhr \nIn ihren aktuellen Werkserien entwerfen Charlotte Bastian und Andrea J. Grote Bildwelten\, die unsere Vorstellungen von Landschaft und Natur nachhaltig irritieren und neu verhandeln. Beide Künstlerinnen gehen vom Medium der Fotografie aus und entwickeln diese weiter. Ihre verschiedenen methodischen und technischen Verfahren\, Ästhetiken und Perspektiven eröffnen unterschiedliche\, sich ergänzende Zugänge zu einer der zentralen Fragen unserer Zeit: Wie sehen Landschaften aus\, die vom Menschen nachhaltig geprägt\, überformt\, genutzt und beschädigt werden?. \nDer Ausstellungstitel On Terraforming nimmt Bezug auf den aus der Science-Fiction stammenden Begriff des Terraformings\, der die gezielte Umformung fremder Planeten zu bewohnbaren Lebensräumen beschreibt. In der Ausstellung wird dieser ursprünglich futuristische Gedanke auf die Gegenwart zurückgeführt: Terraforming erscheint hier nicht als Vision\, sondern als längst realer Prozess menschlicher Eingriffe in bestehende Landschaften. Der Titel On Terraforming verweist auf Beobachtungen und künstlerische Reflexionen zu einer Welt\, die fortwährend angepasst und manipuliert wird. Es entstehen Bilder eines Planeten\, der sich bereits im Zustand permanenter Umgestaltung befindet. \nCharlotte Bastian setzt aus Fotografien unterschiedlicher Zeiten und Orte neue Landschaftsräume zusammen. In ihren analogen Klebemontagen der Serie Shifting bleiben Schnitte und Klebungen sichtbar – die Collage gibt sich als solche zu erkennen. Aus mehreren\, von ihr selbst fotografierten\, Motiven entstehen Szenarien der Ungleichzeitigkeit und Unverortbarkeit\, in denen Restnatur\, Idylle\, Ödnis und ruinöse Architektur gleichermaßen aufeinandertreffen. Bastians Interesse gilt der Vergänglichkeit und den Spuren menschlichen Wirkens im Anthropozän. Ihre Arbeiten sind keine Dokumente\, sondern visuelle Konstruktionen\, die gezielt kognitive Dissonanzen erzeugen und mitunter eine irritierende Atmosphäre entfalten. In den stereoskopischen Raumbildmontagen aus den Serien Glocal Sceneries wird diese Wirkung noch gesteigert: Der durch räumliche Betrachtung entstehende Tiefenraum vermittelt nahezu immersiv das Gefühl\, sich in diesen fremd-vertrauten Landschaften zu befinden. \nAuch Andrea J. Grote konfrontiert uns mit irritierenden Fotografien und Installationen\, die sich erst langsam dem Betrachter erschließen. In ihren aktuellen\, speziell für den Ausstellungsraum konzipierten Installationen thematisiert sie die auf Profit ausgerichtete und zugleich zerstörerische Nutzung der alpinen Landschaft in den Tiroler Bergen. Grundlage für ihre installativen Arbeiten sind häufig analoge Mehrfachbelichtungen\, wodurch minimale Verschiebungen des Blickwinkels zu einer Schichtung von Zeit\, Raum und Bewegung führen. Die Bilder scheinen zugleich zu rasen und stillzustehen\, die sicht- und spürbare Unruhe lassen Geräusche erahnen und verweisen auf den steten und zerstörerischen Wandel im Landschaftsumbau\, der dem Innovationsdruck im Tourismus und dem Klimawandel geschuldet ist. Moderne Gondelstationen aus Beton\, Stahl und Glas\, riesenhafte Pistenraupen\, Rollbänder für skifahrende Kinder verwandeln sich durch Grotes fotografische Technik in nicht sofort lesbare Erscheinungen\, um auf den zweiten Blick ihre destruktive Realität um so deutlicher hervorzubringen. Gerade in dieser Ambivalenz berührt Grotes Arbeit den Diskurs um die Ästhetik des Hässlichen: Die visuelle Verführung macht die Verletzungen der Landschaft umso eindringlicher erfahrbar. In der Installation O.T. (Fleckalm\, 3.1.2017\, 1 min)\, 2026 wird die Zerstückelung der Landschaft durch extreme Infrastrukturen\, die für den Skitourismus entwickelt werden\, schonungslos sichtbar. \nDie Ausstellung führt zwei künstlerische Positionen zusammen\, die Landschaft nicht als statischen Ort\, sondern als fragiles\, vom Menschen gestaltetes und gefährdetes Gefüge begreifen. Zwischen Bedrohung und Poesie eröffnen Bastian und Grote eindrucksvolle Bilder einer Welt\, deren scheinbare Natürlichkeit längst brüchig geworden ist. \n@andreagrote_kunst  /  @charlottebastian_studio \nAXEL OBIGER . Raum Für Zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29 . 10119 Berlin Mitte . Do – Sa 15-19 Uhr und nach Vereinbarung . axelobiger.com . @axelobiger
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SUMMARY:Artist Talk mit Andrea J. Grote und Charlotte Bastian + Finissage
DESCRIPTION:On Terraforming\nAndrea J. Grote + Charlotte Bastian\n14.02. – 14.03.2026 \nArtist Talk: Samstag\, 14.03.2026\, 18 Uhr\, Andrea J. Grote und Charlotte Bastian\nFinissage: 14.03.2026\, 19 Uhr \nIn der Ausstellung On Terraforming entwerfen Charlotte Bastian und Andrea J. Grote irritierende Bildwelten\, die Landschaft als vom Menschen tiefgreifend geprägtes und gefährdetes Gefüge zeigen. Ausgehend von der Fotografie entwickeln beide Künstlerinnen unterschiedliche ästhetische Strategien\, um menschliche Eingriffe in die Natur sichtbar zu machen. Bastians Collagen und stereoskopische Montagen verbinden Zeiten und Orte zu paradoxen Landschaftsräumen des Anthropozäns. Grotes Installationen und Fotografien thematisieren die zerstörerische Nutzung alpiner Räume und die Ambivalenz zwischen visueller Verführung und ökologischer Verletzung. \n@andreagrote_kunst  / @charlottebastian_studio \nAXEL OBIGER . Raum Für Zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29 . 10119 Berlin Mitte . Do – Sa 15-19 Uhr und nach Vereinbarung . axelobiger.com . @axelobiger
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SUMMARY:Artist Talk mit Andrea J. Grote und Charlotte Bastian + Finissage
DESCRIPTION:Samstag\, 14.März\, 18 Uhr\nArtist Talk mit Andrea J. Grote und Charlotte Bastian\nmoderiert von Maja Rohwetter\nFinissage ab 19 Uhr \nOn Terraforming\nAndrea J. Grote + Charlotte Bastian\n14.02.2026 – 14.03.2026 \nIn der Ausstellung „On Terraforming“ entwerfen Charlotte Bastian und Andrea J. Grote irritierende Bildwelten\, die Landschaft als vom Menschen tiefgreifend geprägtes und gefährdetes Gefüge zeigen. Ausgehend von der Fotografie entwickeln beide Künstlerinnen unterschiedliche ästhetische Strategien\, um menschliche Eingriffe in die Natur sichtbar zu machen. Bastians Collagen und stereoskopische Montagen verbinden Zeiten und Orte zu paradoxen Landschaftsräumen des Anthropozäns. Grotes Installationen und Fotografien thematisieren die zerstörerische Nutzung alpiner Räume und die Ambivalenz zwischen visueller Verführung und ökologischer Verletzung. \n@andreagrote_kunst\n@charlottebastian_studio \nAXEL OBIGER – Raum für zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29\, 10119 Berlin Mitte . Th – Sa 3–7 pm and by appointment . axelobiger.com . @axelobiger
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SUMMARY:Eröffnung “Don‘t be afraid of…” GEH8 Dresden zu Gast bei Axel Obiger
DESCRIPTION:“Don‘t be afraid of…”\nGEH8 – Die Dresdner Ateliergemeinschaft zu Gast bei Axel Obiger \nmit Bela Álvarez\, Marleen Andreev\, Matthias Bausch\, Tobias Bohnet\, Susanne Engelhardt\, Thomas Judisch\, Claudia Kleiner\, Stefan Lenke\, Michael Merkel\, Julia Pommer und Heinz Schmöller \n21.03.2026 – 11.04. 2026 \nEröffnung 20.03. 2026 | 18 Uhr\nFinissage 11.04. 2026 | 18 Uhr mit Konzert von Treta Mominka (Vokalensemble) \nDie Ateliergemeinschaft des Dresdner Kunst- und Kulturzentrums GEH8 zeigt in einer Gruppenausstellung aktuelle Werke. Unter dem Ausstellungstitel “Don‘t be afraid of…” präsentieren elf Künstlerinnen und Künstler ihre Arbeiten aus den Bereichen Malerei\, Grafik\, Plastik\, Fotografie\, Bühnen-/Kostümbild und Keramik in Anlehnung an das Jahresthema des GEH8.\nDas Projekt führt die Zusammenarbeit mit dem Berliner Ausstellungsraum für zeitgenössische Kunst Axel Obiger fort. Dieser war 2025 mit der Ausstellung „Observing Systems“ in der Halle des GEH8 Kunstraums in Dresden zu Gast. \n@geh8kunstraum\n@axelobiger \nAXEL OBIGER . Raum Für Zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29 . 10119 Berlin Mitte . Do – Sa 15-19 Uhr und nach Vereinbarung . axelobiger.com . @axelobiger . geh8.de/ateliers
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SUMMARY:“Don‘t be afraid of…” GEH8 Kunstraum (Dresden) zu Gast bei Axel Obiger
DESCRIPTION:“Don‘t be afraid of…”\nGEH8 – Die Dresdner Ateliergemeinschaft zu Gast bei Axel Obiger \nmit Bela Álvarez\, Marleen Andreev\, Matthias Bausch\, Tobias Bohnet\, Susanne Engelhardt\, Thomas Judisch\, Claudia Kleiner\, Stefan Lenke\, Michael Merkel\, Julia Pommer und Heinz Schmöller \n21.03.2026 – 11.04. 2026 \nEröffnung 20.03. 2026 | 18 Uhr\nFinissage 11.04. 2026 | 18 Uhr mit Konzert von Treta Mominka (Vokalensemble) \nDie Ateliergemeinschaft des Dresdner Kunst- und Kulturzentrums GEH8 zeigt in einer Gruppenausstellung aktuelle Werke. Unter dem Ausstellungstitel “Don‘t be afraid of…” präsentieren elf Künstlerinnen und Künstler ihre Arbeiten aus den Bereichen Malerei\, Grafik\, Plastik\, Fotografie\, Bühnen-/Kostümbild und Keramik in Anlehnung an das Jahresthema des GEH8.\nDas Projekt führt die Zusammenarbeit mit dem Berliner Ausstellungsraum für zeitgenössische Kunst Axel Obiger fort. Dieser war 2025 mit der Ausstellung „Observing Systems“ in der Halle des GEH8 Kunstraums in Dresden zu Gast. \nIn den Jahren 2026 und 2027 richtet das Kunst- und Kulturzentrum GEH8 in Dresden mit dem Jahresthema seinen Blick auf ein zentrales Gefühl unserer Gegenwart: die Angst. Sie ist nicht nur ein individuelles Erleben\, sondern ein kollektives\, gesellschaftlich wirksames Phänomen. In einer Welt\, die zunehmend von Krisen\, Unsicherheiten und beschleunigten Veränderungsprozessen bestimmt ist\, wird Angst zu einem prägenden Zustand – und zugleich zu einem Werkzeug politischer\, medialer und ökonomischer Einflussnahme.\nDas Jahresthema lädt ein\, Angst als ambivalente Kraft zu begreifen – als Gefühl\, das lähmen\, aber auch befreien kann. \n@geh8kunstraum\n@axelobiger \nAXEL OBIGER . Raum Für Zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29 . 10119 Berlin Mitte . Do – Sa 15-19 Uhr und nach Vereinbarung . axelobiger.com . @axelobiger . geh8.de/ateliers
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SUMMARY:GEH8-Finissage in Berlin mit Konzert von Treta Mominka aus Dresden
DESCRIPTION:Herzliche Einladung zur Finissage & Konzert im Rahmen der GEH8-Ausstellung „Don’t be afraid of …“ mit dem Gesangstrio Treta Mominka am 11.04.26 um 18 Uhr in Berlin! \nZum Abschluss der Ausstellung der GEH8-Ateliergemeinschaft\, in der sie sich mit den Diversitäten des künstlerischen Schaffens aus ihrem Atelierhaus präsentieren\, ertönen die dramatischen und ermutigenden Klänge des Dresdner Vokalensembles. Die bildende Künstlerin Marleen Andreev aus den Reihen der GEH8 singt gemeinsam mit Juliane Schmidt und Sarah Hesse alte Volkslieder aus Bulgarien\, der Ukraine\, Rumänien\, Island\, Griechenland\, Georgien und Jodler aus der Schweiz. Den Zuhörenden eröffnen sich durch die mehrstimmigen Gesänge Geschichten\, mit denen sie im Alltag selten konfrontiert werden\, dennoch erzählen sie alle von urmenschlichen Themen: Ängsten\, Liebe\, Verlusten\, Verstrickungen\, Sehnsüchten oder Wünschen. \nDamit endet das Austauschprojekt zwischen den Kunsträumen Axel Obiger (Berlin) und GEH8 (Dresden)\, es bleibt die verbindende Kraft von Kunst\, Musik und vielen anderen Disziplinen als Hoffnungsschimmer. Also bitte keine Angst\, denn fürs Kommen werden Eure Augen und Ohren belohnt! \nWeiterführende Informationen zum Ausstellungsprojekt:\naxelobiger.com\nGeh8.de \nAXEL OBIGER – Raum für zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29\, 10119 Berlin Mitte . Th – Sa 3–7 pm and by appointment . @axelobiger
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SUMMARY:Opening Yellow Light\, Dusty Water
DESCRIPTION:You are cordially invited to the opening of the exhibition\nYellow Light\, Dusty Water\nfeaturing works by Jasmin Preiß\, Tanja Ritterbex\, and Vivian Eckstein \nApril 25 – May 17\, 2026 \nOpening: Saturday\, 25.04.2026\, 7 pm \nOpen during Gallery Weekend Berlin + Sellerie Weekend\, May 1–3\, 3 –7 pm\nFilm screening on May 1\, 2026\, 5–8 p.m.: Short films by the artists and their friends \nArtist Dinner May 15\, 2026\, 6 pm (by RSVP) \nThe exhibition Yellow Light\, Dusty Water presents works by three Berlin-based artists who explore the power and fragility of water. It reflects on the search for the unknown\, childhood\, the emotional depth of motherhood\, and the interplay between humans and nature. Through painting\, collage\, film\, ceramics\, and textile sculpture\, Tanja Ritterbex\, Vivian Eckstein\, and Jasmin Preiß examine aspects of female identity\, being an artist\, mythology\, and personal memories. By using diverse materials\, the artists approach the multidimensional nature of interpersonal relationships. In contemporary seascapes and vibrant portraits\, they reveal both nostalgic and critical perspectives on the relationship between humans and the sea. \nAXEL OBIGER – Raum für zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29\, 10119 Berlin Mitte . Th – Sa 3–7 pm and by appointment . axelobiger.com . @axelobiger
URL:https://www.projektraeume-berlin.net/termin/opening-yellow-light-dusty-water/
LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
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SUMMARY:Yellow Light\, Dusty Water - Jasmin Preiß\, Tanja Ritterbex\, Vivian Eckstein
DESCRIPTION:Yellow Light\, Dusty Water\nJasmin Preiß\, Tanja Ritterbex\, Vivian Eckstein \n25. April – 17. Mai 2026 \nEröffnung: 25.4.2026\, 19 Uhr \nGeöffnet am Gallery Weekend Berlin + Sellerie Weekend 1.-3. Mai\, 15-19 Uhr\nFilmscreening am 1.5.2026\, 17-20 Uhr: Kurzfilme der Künstlerinnen und Freund*innen \nArtist Dinner 15.5.2026\, 18 Uhr (mit Anmeldung) \nDie Ausstellung Yellow Light\, Dusty Water der drei Berliner Künstlerinnen Vivian Eckstein\, Tanja Ritterbex und Jasmin Preiß zeigt Arbeiten die von der unbändigen Kraft und Zartheit des nassen Elements geprägt sind. Ihre Werke reflektieren die Suche nach dem Unbekannten\, Kindheit\, Kunst und die emotionale Tiefe von Mutterschaft. \nTanja Ritterbex zeigt\, ausgehend vom Alltag und Leben mit ihrer Tochter Frida\, ihrem bisher wichtigsten Thema\, farbintensive\, tagebuchhafte Momente\, die wie Erinnerungen an Familien-Strandtage aus der Kindheit anmuten. Durch die Linse der Malerei werden Alltagsmomente zu Untersuchungsfeldern von weiblicher Identität\, persönlicher Erfahrung und Künstlerin-Sein. \nJasmin Preiß beschäftigt sich mit dem Thema Strand als Lebensraum\, der Beziehung von Mensch und Tier und die Auswirkungen des Menschen auf die Natur. Der Kurzfilm „Beach“ zeigt die Kraft\, Schönheit und gleichzeitig die Verletzlichkeit eines Habitats und schlägt vor\, mit kindlicher Neugierde auf der Magie des Moments zu treiben\, aus dem der Film gemacht ist. Die kleinformatigen Keramiken sind ebenfalls von der Unterwasserwelt inspiriert und wirken wie Fundstücke von einem Strandtag. Sie entstanden in Zusammenarbeit mit ihrer Tochter Maeve. \nVivian Eckstein schöpft aus Mythologie\, mittelalterlicher Literatur und ihren Träumen und zeigt Collagen\, textile Skulptur und Malerei\, die in einem surrealen Kosmos des Geschichtenerzählens existieren. Ihre figurative Bildsprache verbindet heterogene Medien zu verwobenen Unterwasserwelten\, die von Identität\, Frausein und persönlichen Erinnerungen erzählen. \nDer titelgebende Licht- und Wasserkontrast verweist auf die duale Natur zwischenmenschlicher Beziehungen. Von Erinnerungen an warme Strände in Florida und Curaçao\, Töchtern die gerne Meerjungfrauen sein wollen\, über Mythen und Sagen von Wasserfrauen und Tiefseemonstern\, der komplexen Beziehung von Mensch und Meer bis zur ernüchternden Realität von Umweltverschmutzung und Müll an Stränden\, begeben sich die Künstlerinnen\, jede auf ihre eigene Weise\, in die Gezeiten ihres künstlerischen Schaffens und präsentieren intensive\, nostalgische undnachdenkliche\, zeitgenössische Seestücke und Porträts. \nKurzbiografien \nVivian Eckstein (*1989) studierte an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe und an der École Supérieure des Beaux-Arts Paris und war 2018 Meisterschülerin in Karlsruhe. Eckstein erhielt unter anderem den Eb Dietzsch Kunstpreis für Malerei und das Reisestipendium der Graduiertenförderung Baden-Württemberg\, das sie in Madrid verbachte. Als Kunstvermittlerin ist Eckstein in Museen tätig\, z.B. dem ZKM Karlsruhe\, Kindl Berlin und dem Kleinen Grosz Museum. Seit 2023 lebt und arbeitet sie in Berlin und widmet sich in Malereien\, Collagen und tragbaren textilen Skulpturen Fragen von Identität und Künstlerinnentum. Durchzogen von Anspielungen auf Mythologie\, Sagen und Literatur und verwoben mit persönlichen Erinnerungen\, hinterfragen ihre Werke gesellschaftliche Rollen und der Darstellung des weiblichen Körpers. Seit 2024 ist sie Mitbetreiberin von Axel Obiger. \nJasmin Preiß (*1984) studierte zunächst Kommunikationsdesign in Essen bevor sie ihr Studium der Freien Kunst an der Kunstakademie Düsseldorf abschloss. Ihr dokumentarisches Langfilmdebut „Sweet Meadow“ wurde für den Förderpreis für Filmkunst der Nationalgalerie Berlin nominiert und gewann beim Kassler Dokfest den Goldenen Schlüssel für den besten Nachwuchsfilm. Sie war u.a. Artist in Residence im Organhaus Chongqing\, Künstlerdorf Schöppingen und Haus am Wehrsteg Heidelberg. Stipendien erhielt sie vom Berliner Senat\, der Kunststiftung NRW\, Filmwerkstatt Düsseldorf und Stiftung Friedrich Schneider. Ihre Filme setzen sich mit Identität\, Migration\, Kunst\, Kindheit und Natur auseinander und wurden auf nationalen und internationalen Filmfestivals und im Ausstellungskontext gezeigt. Jasmin Preiß lebt und arbeitet in Berlin und Duisburg. \nTanja Ritterbex\, geboren 1985 in Heerlen\, Niederlande\, lebt und arbeitet in Berlin. Ritterbex schafft tagebuchartige Tableaux vivants durch Malerei\, Zeichnung\, Installation\, Video und Performance. (Selbst) Porträts und Stillleben entstehen durch den intensiven Einsatz von Farben\, Mustern und allerlei liebevolle zusammengetragene Readymades. Ihr Alltag und das Leben mit ihrer Tochter Frida dient ihr als Hauptinspirationsquelle. Die Auseinandersetzung mit Mutterschaft\, mit der Verbindung von Künstler-sein und Mutter-sein\, sowie mit der gegenseitigen Zuneigung zwischen Mutter und Kind sind wiederkehrende Elemente in ihren jüngsten Gemälden\, Videos und Skulpturen. Derzeit ist Ritterbex mit ihrer Einzelausstellung „Bitches Brew“ im Bonnefanten Museum in Maastricht (NL) zu sehen. Nach ihrem Studium in Düsseldorf und Maastricht war Ritterbex von 2013 bis 2015 Artist-in-Residence in den Ateliers in Amsterdam. Ihre Arbeiten sind unter anderem in folgenden Museumssammlungen enthalten: Centraal Museum\, Utrecht (NL)\, Bommel van Dam\, Venlo (NL)\, Dordrechts Museum\, Dordrecht (NL)\, LAM\, Lisse (NL)\, Schunck Heerlen (NL). Zu den Unternehmenssammlungen gehören unter anderem die ING Bank-Sammlung\, die LUMC Leiden-Sammlung\, die DSM-Sammlung\, die De Nederlandsche Bank-Sammlung und die APG-Pensionsfonds-Sammlung. \nAXEL OBIGER . Raum Für Zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29 . 10119 Berlin Mitte . Do – Sa 15-19 Uhr und nach Vereinbarung . axelobiger.com . @axelobiger
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SUMMARY:Eröffnung „Moving on Shifting Grounds“ Janis Schroeder + Ralf Tekaat
DESCRIPTION:Moving on Shifting Grounds\nJanis Schroeder + Ralf Tekaat \nEröffnung: Donnerstag\, 21. Mai 2026\, 19 bis 22 Uhr\nZeitraum der Ausstellung: 22.5.- 20.6.2026 \nKünstlergespräch und Finissage: Samstag\, 20.6.26\, 16 bis 19 Uhr \n  \n„Shifting Grounds“ bezeichnet nicht nur veränderliche Gegebenheiten\, sondern einen Zustand grundsätzlicher Kontingenz: ein Terrain\, dessen Bedingungen sich fortwährend verschieben und sich jeder Stabilisierung entziehen. Gewissheiten lösen sich auf\, sicher Geglaubtes gerät ins Wanken\, und vermeintlich feste Kategorien erweisen sich als historisch und situativ konstruiert. Ein zielgerichtetes Fortschreiten\, ein klares Navigieren innerhalb dieser instabilen Ordnungen ist kaum möglich – es ist eine Bewegung auf nicht gesichertem Grund. \nKonstante Rahmenbedingungen werden unserem Gefühl nach immer brüchiger. Grenzen – sowohl physische als auch die des Sagbaren – werden zunehmend infrage gestellt. Auch Landschaften sind kein statisches Gebilde: Sie verändert sich stetig\, bewusst gestaltet oder unter Druck geraten. \nDie Arbeiten von Schroeder und Tekaat erscheinen auf den ersten Blick sehr unterschiedlich\, doch ihre Arbeitsweisen zeigen deutliche Parallelen auf – insbesondere während ihrer Aufenthalte in verschiedenen Residenzen. Beide verzichten auf ein festgelegtes Konzept\, arbeiten ergebnisoffen\, lassen sich auf den jeweiligen Ort ein und reagieren auf das Vorgefundene. Ihre Praxis ist geprägt von einer sensiblen Reaktion auf sich wandelnde Bedingungen. \nDie Videoinstallation mit dem Titel „Nachrichten vom Schwarzen Meer“ von Janis Schroeder widmet sich der Schwarzmeerregion\, die zugleich Lebensraum und Transitzone ist. Die Videoaufnahmen entstanden in Bulgarien\, Georgien sowie auf einer Fähre dazwischen und richten den Blick auf die Präsenz des Nicht-Menschlichen in vom Menschen geprägten Umgebungen. Das Projekt knüpft an die fortlaufende Auseinandersetzung des Künstlers mit den sozial und politisch geformten Narrativen an\, die die Geografie der Schwarzmeerregion innerhalb einer komplexen geopolitischen Landschaft geprägt haben. Das Umherstreifen vor Ort\, unerwartete Entdeckungen und zufällige Begegnungen bilden den Kern seiner künstlerischen Methode und münden in den filmischen Prozess. Die Texte im Video stammen aus griechischen Sagen\, der Bibel\, von Ovid\, Kapka Kassabova\, Jens Mühling und von www.tagesschau.de.\nDiese Arbeit wurde mit finanzieller Unterstützung der Europäischen Union erstellt. \nIn Ralf Tekaats Zeichnungen hallen die Erfahrungen seines Arbeitsaufenthalts auf Spitzbergen nach. Präsente Referenzen sind die gewaltigen\, zunehmend in Bewegung geratenen Gletscher\, ebenso wie die besondere räumliche Situation vor Ort: Wer die Siedlung verlässt\, ist auf bewaffnete Begleitung angewiesen – die Möglichkeit einer Begegnung mit Eisbären ist allgegenwärtig. Schicht für Schicht entstehen so großformatige\, mehrteilige Bleistiftzeichnungen\, in denen sich allmählich innere Landschaften verdichten. \n  \nKurzbiografien \nJanis Schroeder ist als Künstler\, Filmemacher und Fotograf in Berlin tätig. In seinen Videos\, Fotoserien und Installationen beschäftigt er sich mit der Transformation von Lebensräumen und Umgebungen. Er studierte Bildende Kunst in Münster und Genf sowie Anthropologie an der Freien Universität Berlin. An der Kunsthochschule Genf war er zudem als wissenschaftlicher Mitarbeiter im forschungsorientierten Masterstudiengang tätig. Seine Arbeiten wurden in zahlreichen internationalen Ausstellungen gezeigt\, darunter das European Media Art Festival in Osnabrück\, das Goethe-Institut in Sofia\, der Pedvāle Art Park in Lettland und der Palais de Rumine in Lausanne. \nwww.js-lab.net\nwww.instagram.com/janis_sch_ \nRalf Tekaat studierte Freie Kunst an der Hochschule für Künste Bremen bei Wolfgang Schmitz und Paco Knöller. Er hatte mehrere Lehraufträge an der Hochschule für Künste Bremen und an der Universität Bremen.\nSeine Arbeit wurde mit verschiedenen Preisen und Stipendien ausgezeichnet. 2002 wurde er mit dem Bremer Förderpreis ausgezeichnet\, 2005 erhielt er das Jahresstipendium der Stiftung Kunstfonds\, 2017 ein Stipendium für einen Arbeitsaufenthalt auf Spitzbergen. Tekaat lebt und arbeitet in Berlin und ist seit 2026 Mitglied bei Axel Obiger. \nwww.ralftekaat.de\nwww.instagram.com/ralf.tekaat \n  \nAXEL OBIGER . Raum Für Zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29 . 10119 Berlin Mitte . Do – Sa 15-19 Uhr und nach Vereinbarung . axelobiger.com . @axelobiger
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SUMMARY:„Moving on Shifting Grounds“ Janis Schroeder + Ralf Tekaat
DESCRIPTION:Moving on Shifting Grounds\nJanis Schroeder + Ralf Tekaat \nEröffnung: Donnerstag\, 21. Mai 2026\, 19 bis 22 Uhr\nZeitraum der Ausstellung: 22.5.- 20.6.2026 \nKünstlergespräch und Finissage: Samstag\, 20.6.26\, 16 bis 19 Uhr \n  \n„Shifting Grounds“ bezeichnet nicht nur veränderliche Gegebenheiten\, sondern einen Zustand grundsätzlicher Kontingenz: ein Terrain\, dessen Bedingungen sich fortwährend verschieben und sich jeder Stabilisierung entziehen. Gewissheiten lösen sich auf\, sicher Geglaubtes gerät ins Wanken\, und vermeintlich feste Kategorien erweisen sich als historisch und situativ konstruiert. Ein zielgerichtetes Fortschreiten\, ein klares Navigieren innerhalb dieser instabilen Ordnungen ist kaum möglich – es ist eine Bewegung auf nicht gesichertem Grund. \nKonstante Rahmenbedingungen werden unserem Gefühl nach immer brüchiger. Grenzen – sowohl physische als auch die des Sagbaren – werden zunehmend infrage gestellt. Auch Landschaften sind kein statisches Gebilde: Sie verändert sich stetig\, bewusst gestaltet oder unter Druck geraten. \nDie Arbeiten von Schroeder und Tekaat erscheinen auf den ersten Blick sehr unterschiedlich\, doch ihre Arbeitsweisen zeigen deutliche Parallelen auf – insbesondere während ihrer Aufenthalte in verschiedenen Residenzen. Beide verzichten auf ein festgelegtes Konzept\, arbeiten ergebnisoffen\, lassen sich auf den jeweiligen Ort ein und reagieren auf das Vorgefundene. Ihre Praxis ist geprägt von einer sensiblen Reaktion auf sich wandelnde Bedingungen. \nDie Videoinstallation mit dem Titel „Nachrichten vom Schwarzen Meer“ von Janis Schroeder widmet sich der Schwarzmeerregion\, die zugleich Lebensraum und Transitzone ist. Die Videoaufnahmen entstanden in Bulgarien\, Georgien sowie auf einer Fähre dazwischen und richten den Blick auf die Präsenz des Nicht-Menschlichen in vom Menschen geprägten Umgebungen. Das Projekt knüpft an die fortlaufende Auseinandersetzung des Künstlers mit den sozial und politisch geformten Narrativen an\, die die Geografie der Schwarzmeerregion innerhalb einer komplexen geopolitischen Landschaft geprägt haben. Das Umherstreifen vor Ort\, unerwartete Entdeckungen und zufällige Begegnungen bilden den Kern seiner künstlerischen Methode und münden in den filmischen Prozess. Die Texte im Video stammen aus griechischen Sagen\, der Bibel\, von Ovid\, Kapka Kassabova\, Jens Mühling und von www.tagesschau.de.\nDiese Arbeit wurde mit finanzieller Unterstützung der Europäischen Union erstellt. \nIn Ralf Tekaats Zeichnungen hallen die Erfahrungen seines Arbeitsaufenthalts auf Spitzbergen nach. Präsente Referenzen sind die gewaltigen\, zunehmend in Bewegung geratenen Gletscher\, ebenso wie die besondere räumliche Situation vor Ort: Wer die Siedlung verlässt\, ist auf bewaffnete Begleitung angewiesen – die Möglichkeit einer Begegnung mit Eisbären ist allgegenwärtig. Schicht für Schicht entstehen so großformatige\, mehrteilige Bleistiftzeichnungen\, in denen sich allmählich innere Landschaften verdichten. \n  \nKurzbiografien \nJanis Schroeder ist als Künstler\, Filmemacher und Fotograf in Berlin tätig. In seinen Videos\, Fotoserien und Installationen beschäftigt er sich mit der Transformation von Lebensräumen und Umgebungen. Er studierte Bildende Kunst in Münster und Genf sowie Anthropologie an der Freien Universität Berlin. An der Kunsthochschule Genf war er zudem als wissenschaftlicher Mitarbeiter im forschungsorientierten Masterstudiengang tätig. Seine Arbeiten wurden in zahlreichen internationalen Ausstellungen gezeigt\, darunter das European Media Art Festival in Osnabrück\, das Goethe-Institut in Sofia\, der Pedvāle Art Park in Lettland und der Palais de Rumine in Lausanne. \nwww.js-lab.net\nwww.instagram.com/janis_sch_ \nRalf Tekaat studierte Freie Kunst an der Hochschule für Künste Bremen bei Wolfgang Schmitz und Paco Knöller. Er hatte mehrere Lehraufträge an der Hochschule für Künste Bremen und an der Universität Bremen.\nSeine Arbeit wurde mit verschiedenen Preisen und Stipendien ausgezeichnet. 2002 wurde er mit dem Bremer Förderpreis ausgezeichnet\, 2005 erhielt er das Jahresstipendium der Stiftung Kunstfonds\, 2017 ein Stipendium für einen Arbeitsaufenthalt auf Spitzbergen. Tekaat lebt und arbeitet in Berlin und ist seit 2026 Mitglied bei Axel Obiger. \nwww.ralftekaat.de\nwww.instagram.com/ralf.tekaat \n  \nAXEL OBIGER . Raum Für Zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29 . 10119 Berlin Mitte . Do – Sa 15-19 Uhr und nach Vereinbarung . axelobiger.com . @axelobiger
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SUMMARY:Eröffnung „ShopShop – a place to linger“
DESCRIPTION:ShopShop \n– a place to linger \nEin Projekt von Axel Obiger & Friends\norganisiert von Yuki Jungesblut und Andrea J. Grote \nEröffnung Freitag 26.06.2026\, 19 Uhr \nLaufzeit 27.6. – 10.7.2026 \n  \n(English text below) \nShopShop ist eine Ausstellung\, die gleichzeitig ein Laden ist\, der wiederum darüber nachdenkt\, was es heißt\, ein Laden zu sein und eben eine Ausstellung. ShopShop ist zugleich Ort des Handels\, des Konsums\, des Austauschs – aber auch des Treffens und Verweilens. \nWährend Editionen\, Merchandise und künstlerische Arbeiten\, die sich im Assoziationsfeld Shop/Laden bewegen an- und feilgeboten werden\, nimmt das Interieur die Herkunft des Begriffs Laden von mittelhochdeutsch lade für „Brett\, Bohle\, Fensterladen“ in der Inszenierung auf und spielt als Format auf das Mobile und Wandelbare der Ursprünge des Handelns und Verhandelns an. \nShopShop ist ein Traum von einem Laden\, multimedial\, vielfältig\, paradox – ein Ort\, an dem Handel auf Handlung trifft und Verbindungen schafft. \n  \nTeilnehmende Künstlerinnen und Künstler \nSascha Boldt I Susanne Britz\nDAG I Thilo Droste I Vivian Eckstein\nTobias Falberg I Saeed Foroghi\nHarriet Groß I Andrea J. Grote\nForster Herchenbach I Yuki Jungesblut\nGabriele Künne I Maslowski/Grenzhaeuser\nMaximillian Martinez I Matthias Moravek\nEnrico Niemann I Jennifer Oellerich\nHans Petri I Susanne Piotter\nAyumi Rahn I Maja Rohwetter\nGabi Schaffner I Anno Schreier\nHans-Peter Stark I Stefie Steden\nErnst Markus Stein I Ralf Tekaat\nSilke Thoss I Witte Wartena \n  \nENGLISH \nShopShop \n– a place to linger \nA project by Axel Obiger and friends\norganized by Yuki Jungesblut and Andrea J. Grote \nOpening: Friday\, June 26\, 2026\, 7 p.m. \nExhibition dates: June 27 – July 10\, 2026 \n  \nShopShop is a store that wonders what it means to be a store. It is both an exhibition and at the same time a site of trade\, consumption\, and exchange – but also of gathering\, meeting\, and staying awhile. \nWhile editions\, merchandise\, and artworks operating within the associative field of the shop/store are displayed and offered for sale\, the staging of the exhibition draws on the etymology of the German word Laden\, derived from the Middle High German lade\, meaning “board\,” “plank\,” or “shutter.” In this way\, the spatial configuration of the project evokes the mobile and adaptable character of the earliest forms of trading and negotiating. \nShopShop is thus a reimagining of a store: multimedia\, manifold\, and paradoxical – a place where commercial and artistic agency converge\, generating new forms of connection. \n  \nParticipating artists \nSascha Boldt I Susanne Britz\nDAG I Thilo Droste I Vivian Eckstein\nTobias Falberg I Saeed Foroghi\nHarriet Groß I Andrea J. Grote\nForster Herchenbach I Yuki Jungesblut\nGabriele Künne I Maslowski/Grenzhaeuser\nMaximillian Martinez I Matthias Moravek\nEnrico Niemann I Jennifer Oellerich\nHans Petri I Susanne Piotter\nAyumi Rahn I Maja Rohwetter\nGabi Schaffner I Anno Schreier\nHans-Peter Stark I Stefie Steden\nErnst Markus Stein I Ralf Tekaat\nSilke Thoss I Witte Wartena \n  \nAXEL OBIGER – Raum für zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29\, 10119 Berlin Mitte . Th – Sa 3–7 pm and by appointment . axelobiger.com . @axelobiger
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SUMMARY:Letzte Chance : ShopShop – a place to linger. A project by Axel Obiger and friends
DESCRIPTION:ShopShop \n– a place to linger \nLetzte Chance: Die letzte Woche der Ausstellung hat begonnen.\nJetzt am kommenden 9.\, 10. und 11. Juli 2026\, Donnerstag bis Samstag\, 15-19 Uhr \nShopShop ist eine Ausstellung\, die gleichzeitig ein Laden ist\, der wiederum darüber nachdenkt\, was es heißt\, ein Laden zu sein und eben eine Ausstellung. ShopShop ist zugleich Ort des Handels\, des Konsums\, des Austauschs – aber auch des Treffens und Verweilens. \nWährend Editionen\, Merchandise und künstlerische Arbeiten\, die sich im Assoziationsfeld Shop/Laden bewegen an- und feilgeboten werden\, nimmt das Interieur die Herkunft des Begriffs Laden von mittelhochdeutsch lade für „Brett\, Bohle\, Fensterladen“ in der Inszenierung auf und spielt als Format auf das Mobile und Wandelbare der Ursprünge des Handelns und Verhandelns an. \nShopShop ist ein Traum von einem Laden\, multimedial\, vielfältig\, paradox – ein Ort\, an dem Handel auf Handlung trifft und Verbindungen schafft. \nTeilnehmende Künstlerinnen und Künstler \nSascha Boldt I Susanne Britz\nDAG I Thilo Droste I Vivian Eckstein\nTobias Falberg I Saeed Foroghi\nHarriet Groß I Andrea J. Grote\nForster Herchenbach I Yuki Jungesblut\nGabriele Künne I Maslowski/Grenzhaeuser\nMaximillian Martinez I Matthias Moravek\nEnrico Niemann I Jennifer Oellerich\nHans Petri I Susanne Piotter\nAyumi Rahn I Maja Rohwetter\nGabi Schaffner I Anno Schreier\nHans-Peter Stark I Stefie Steden\nErnst Markus Stein I Ralf Tekaat\nSilke Thoss I Witte Wartena \nAusstellungszeitraum: 27. Juni – 10. Juli 2026 \nEin Projekt von Axel Obiger & Friends\, organisiert von Yuki Jungesblut und Andrea J. Grote \nAXEL OBIGER . Raum Für Zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29 . 10119 Berlin Mitte . Do – Sa 15-19 Uhr und nach Vereinbarung . axelobiger.com . @axelobiger \nENGLISH \nShopShop \n– a place to linger \nLast chance: The exhibition’s final week has begun.\nThis coming July 9\, 10\, and 11\, 2026—Thursday through Saturday\, 3–7 p.m. \nShopShop is a store that wonders what it means to be a store. It is both an exhibition and at the same time a site of trade\, consumption\, and exchange – but also of gathering\, meeting\, and staying awhile. \nWhile editions\, merchandise\, and artworks operating within the associative field of the shop/store are displayed and offered for sale\, the staging of the exhibition draws on the etymology of the German word Laden\, derived from the Middle High German lade\, meaning “board\,” “plank\,” or “shutter.” In this way\, the spatial configuration of the project evokes the mobile and adaptable character of the earliest forms of trading and negotiating. \nShopShop is thus a reimagining of a store: multimedia\, manifold\, and paradoxical – a place where commercial and artistic agency converge\, generating new forms of connection. \nParticipating artists \nSascha Boldt I Susanne Britz\nDAG I Thilo Droste I Vivian Eckstein\nTobias Falberg I Saeed Foroghi\nHarriet Groß I Andrea J. Grote\nForster Herchenbach I Yuki Jungesblut\nGabriele Künne I Maslowski/Grenzhaeuser\nMaximillian Martinez I Matthias Moravek\nEnrico Niemann I Jennifer Oellerich\nHans Petri I Susanne Piotter\nAyumi Rahn I Maja Rohwetter\nGabi Schaffner I Anno Schreier\nHans-Peter Stark I Stefie Steden\nErnst Markus Stein I Ralf Tekaat\nSilke Thoss I Witte Wartena \nExhibition dates: June 27 – July 10\, 2026 \nA project by Axel Obiger and friends\, organized by Yuki Jungesblut and Andrea J. Grote \nAXEL OBIGER – Raum für zeitgenössische Kunst . Brunnenstr. 29\, 10119 Berlin Mitte . Th – Sa 3–7 pm and by appointment . axelobiger.com . @axelobiger
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SUMMARY:Eröffnung Loch an Loch
DESCRIPTION:Loch an Loch  \nVeronika Brovall\, Ralf Hoedt\, Nico Ihlein\, Florian Japp\, Jennifer Jordan\, Hans-Peter Stark\, Tommy Støckel\nEingeladen von SKULPTURENVEREIN \nEröffnung: Freitag\, 17. Juli\, 18-21 Uhr \nAusstellung im Schaufenster des Projektraums\n17.07. – 21.08.2026 \nEnglish Text below \nDas skulpturale Loch ist ein vielschichtiges Motiv in der Kunstgeschichte. Es fungiert sowohl als physische Öffnung (Perforation\, Schnitt) als auch als konzeptionelle Leere oder Leerstelle\, die Abwesenheiten und das Unsichtbare in den Fokus rückt. \nDas performative Lochen begann wahrscheinlich vor rund einhundert Jahren\, als Francis Picabia ein Loch in ein Pamphlet stanzte. In den sechziger Jahren etablierten sich ortsspezifische Interventionen in Bauwerken (Beuys\, Gordon Matta-Clark) und 1977 ließ Walter de Maria zur Dokumenta 6 in Kassel einen „Erdkilometer“ bohren – eine Tausendmeter-Sonde aus massiven Messingstäben. \nZuvor hatte der italienische Künstler Lucio Fontana mit seinen durchstochenen Leinwänden und geschnittenen Flächen die Malerei in den dreidimensionalen Raum erweitert. Er verstand das Loch nicht als Leere\, sondern als Beginn einer Skulptur im Raum und Überschreitung der Bildfläche. Parallel dazu etablierte Barbara Hepworth mit ihren Piercing- Skulpturen\, die den Blick des Betrachters durch eine meist runde Öffnung durch die Form hindurch auf die dahinterliegende Landschaft oder Umgebung lenkten und so eine Interaktion zwischen Kunstwerk und Raum schufen. Demgegenüber nutzte Eva Hesse Perforation und Leere als zentrale formale und psychologische Prinzipien\, um starre Strukturen zu durchbrechen und innere Komplexität sichtbar zu machen. \nDerlei skulpturale Erforschungen greift (wenn auch deutlich leichtfüßiger) die von SKULPTURVEREIN konzipierte Ausstellung „Loch an Loch“ bei Axel Obiger auf\, die während der diesjährigen Urlaubssaison (dem sogenannten „Sommerloch“) sieben sehr unterschiedliche künstlerische Arbeiten zum Thema „Loch“ in einer Schaufenster- Ausstellung versammelt: \nWährend Hans-Peter Starks Werk an die Gedankenwelten von Beuys anknüpft und das Loch aus sozialpolitischer Perspektive thematisiert\, erinnert das installative Ensemble von Florian Japp an das Loch als interaktives\, womöglich sportliches Element. Veronika Brovalls Skulptur lässt an die Öffnung als rituelles Zeichen der Verbindung zweier Welten denken. Demgegenüber lässt Jennifer Jordan mit den weich gebetteten Röhren ihrer hängenden Skulptur Leerstellen zu plastischen Räumen werden. Ralf Hoedt hat das Loch als ortsspezifisches Element entdeckt\, Natur erscheint hier als Skulptur\, die sich selbst im Durchblick inszeniert. In Nico Ihleins humorvollen Vasen wird die technisch notwendige Öffnung zum Schlund\, und die barocke Skulptur darunter zu einem bewegten Wesen. Die Arrangements von Tommy Støckel schließlich spielen mit der konkreten Ausstellungssituation\, die zwischen einem kommerziellen Display (vielleicht technischer?) Produkte und künstlerischer Intervention changiert. \nDenn tatsächlich ist das Schaufenster selbst ein großes Loch in der Gebäudefassade\, durch das wir in den Galerieraum von Axel Obiger blicken. Durch den gestaffelten Ausstellungsaufbau wird die Vitrine zum dreidimensionalen Bühnenraum\, der durch seine öffentliche Zugänglichkeit und Interaktion mit der urbanen Umgebung eine besondere Wirkung entfaltet. Indem „Loch an Loch“ konsequent auf diese einansichtige Schaufensterperspektive ausgelegt ist\, verwischt die Ausstellung die Grenzen zwischen Innen- und Außenraum\, sowie zwischen Kunst und Kommerz. Das Loch wird hier ein Strukturelement\, das Materie und Immaterielles\, das Davor und Dahinter sowie funktionale Ordnung und künstlerische Subversion verbindet. Ob als physische Öffnung\, metaphorische Lücke oder strategische Unterbrechung – die gezeigten Arbeiten fragen danach\, wie Löcher als Mangel\, Chance oder gestalterisches Prinzip unser Sehen und Denken prägen. \nDie Ausstellung ist vom 17.07. bis 19.08. permanent im Schaufenster der Galerie zu sehen. \nwww.skulpturverein.de\nhttps://www.skulpturverein.de/ \n……………………………….. \nEnglish \nHole to Hole \nVeronika Brovall\, Ralf Hoedt\, Nico Ihlein\, Florian Japp\, Jennifer Jordan\, Hans-Peter Stark\, Tommy Støckel \nInvited by SKULPTURENVEREIN \nOpening: Friday\, July 17\, 6–9 pm \nExhibition in the Project Space’s display window \n17.07. – 21.08.2026 \nThe sculptural hole is a multifaceted motif in art history. It functions both as a physical opening—perforation or cut—and as a conceptual void or absence that brings absences and the invisible into focus.  \nPerformative hole-making likely began around a hundred years ago\, when Francis Picabia punched a hole in a pamphlet. In the 1960s\, site-specific interventions in buildings emerged (e.g.\, by Beuys and Gordon Matta-Clark)\, and in 1977\, Walter de Maria drilled an Earth Kilometer for Documenta 6 in Kassel—a thousand-meter probe made of massive brass rods.  \nEarlier\, the Italian artist Lucio Fontana had expanded painting into three-dimensional space with his pierced canvases and cut surfaces. He understood the hole not as emptiness but as the beginning of a sculpture in space and a transgression of the picture plane. Concurrently\, Barbara Hepworth established her pierced sculptures\, which guide the viewer’s gaze through a usually round opening in the form to the landscape or environment behind\, thus creating an interaction between artwork and space. In contrast\, Eva Hesse used perforation and void as central formal and psychological principles to break through rigid structures and make inner complexity visible.  \nThe exhibition Hole to Hole\, conceived by SKULPTURVEREIN at Axel Obiger\, takes up such sculptural explorations—albeit in a decidedly lighter manner—bringing together seven highly diverse artistic works on the theme of the „hole“ in a window display during this year’s holiday season (the so-called „summer lull“):  \nWhile Hans-Peter Stark’s work connects to Beuys’ intellectual universe\, addressing the hole from a socio-political perspective\, Florian Japp’s installation evokes the hole as an interactive\, perhaps even athletic element. Veronika Brovall’s sculpture suggests the opening as a ritual sign connecting two worlds. In contrast\, Jennifer Jordan transforms voids into plastic spaces with the softly cradled tubes of her hanging sculpture. Ralf Hoedt discovers the hole as a site-specific element\, with nature appearing as a sculpture that stages itself through the view. In Nico Ihlein’s humorous vases\, the technically necessary opening becomes a maw\, and the Baroque sculpture beneath it a lively being. Finally\, Tommy Støckel’s arrangements play with the specific exhibition situation\, oscillating between a commercial display (perhaps technical?) of products and artistic intervention.  \nAfter all\, the window itself is a large hole in the building’s façade\, through which we glimpse the gallery space of Axel Obiger. Through the staggered exhibition design\, the vitrine becomes a three-dimensional stage space that unfolds its special effect through its public accessibility and interaction with the urban environment. By consistently aligning Hole to Hole with this single-perspective window view\, the exhibition blurs the boundaries between interior and exterior space\, as well as between art and commerce.  \nHere\, the hole becomes a structural element that connects the material and the immaterial\, the foreground and the background\, as well as functional order and artistic subversion. Whether as a physical opening\, metaphorical gap\, or strategic interruption\, the works on display ask how holes—as deficiency\, opportunity\, or design principle—shape our seeing and thinking.  \nThe exhibition can be seen permanently in the gallery’s window from July 17 to August 19. \nwww.skulpturverein.de\nhttps://www.skulpturverein.de/
URL:https://www.projektraeume-berlin.net/termin/eroeffnung-loch-an-loch/
LOCATION:Axel Obiger\, Brunnenstraße 29\, Berlin\, Berlin\, 10119\, Deutschland
CATEGORIES:Ausstellung,Drawing,Fotografie,Installation,Malerei,Projekt im öffentlichen Raum,Site specific Installation,Vernissage
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